CHACO; el enemigo es un fantasma

Por Pedro Adrián Zuluaga

Hay una escena de Chaco que muestra la insensatez que sobrellevan los combatientes de la guerra librada entre Paraguay y Bolivia, en la década de 1930, por el control de la subregión del Chaco Boreal que sirve de frontera a los dos países. Una avanzada de soldados que hace parte del batallón liderado por el militar alemán Hans Kundt, encuentra a dos inermes indígenas y se apresura a preguntarles si son paraguayos o bolivianos. La interrogación resuena, en ese momento de la película, con toda su carga de delirio y absurdo.

La primera película de ficción del cineasta boliviano Diego Mondaca rescata una historia cubierta de silencio: la participación de indígenas aymaras y quechuas como soldados de la Guerra del Chaco, y el daño psicológico y moral que el conflicto les causó. Mientras los soldados descienden más y más en el infierno de una guerra donde incluso el enemigo es un fantasma, la película crece en tensión, cuidándose de estetizar el paisaje o de ofrecer cualquier ancla histórica que sirva para justificar lo injustificable. Por el contrario, se hace evidente cómo las guerras avivan una imaginación colonial siempre eficaz. La respuesta de Chaco es filmar la guerra como un anti-espectáculo, una no-guerra: el tiempo de la espera y la locura que lleva al ‘corazón de las tinieblas’.

JEANNE; la modernización de la anécdota

Por Michel Lipkes

Después de Jeannette, l’enfance de Jeanne d’Arc, Jeanne es la segunda película que el cineasta francés Bruno Dumont le dedica a la emblemática, polémica y cinematográfica figura histórica de la Francia medieval, Juana de Arco. La mística y bélica historia de esta joven mujer ha sido llevada a la pantalla por autores cinematográficos como Dreyer, Bresson y Rivette, al igual que por directores de cine industrial como Fleming y Besson. Las dos películas de Dumont han tenido como eje la cinematografización de la obra que el escritor francés Charles Péguy dedicó a Juana de Arco. El resultado es la modernización de una anécdota medianamente conocida a través del orden formal seleccionado por Dumont, para darle una óptica crítica al ocaso de tal figura. Así es que, con la catedral de Amiens como suprema testigo del juicio y la sorprendente jefa de orquesta Lise Leplat Prudhomme, más los desconcertantes actores secundarios, pero ante todo, con las intervenciones musicales que llegan a su nota más alta cuando el cantante Christophe interviene para que la androginia de su voz sublime el sinsentido del juicio, se teje el destino de la joven guerrera mística que liberó a Francia de los ingleses.

BEANPOLE; la guerra no tiene rostro de mujer

Por Rafael Guilhem

El segundo largometraje del cineasta ruso Kantemir Balagov da un doble giro al género bélico. Por un lado, lleva las grandes épicas de cielo abierto hacia una épica de la intimidad, en espacios confinados y sin una sola secuencia de batalla; por el otro, desarticula el sentido profundamente masculino que se le ha otorgado históricamente al conflicto armado, para centrarse en dos mujeres, amigas excombatientes y ahora enfermeras en un hospital para heridos de guerra, que sobreviven a los estragos de una empresa eminentemente patriarcal. En ese sentido, la noción de lo interior funciona aquí bajo un filo múltiple: no es solo lo personal sino también lo claustrofóbico, distante y traumático.

En claro diálogo con el libro La guerra no tiene rostro de mujer, de la escritora bielorrusa distinguida con el Premio Nobel de Literatura en 2015, Svetlana Alexiévich, Dylda trabaja sobre la siguiente pregunta: ¿cómo representar la guerra desde otras coordenadas que no sean las de heroísmo, triunfo, sacrificio y patriotismo? La respuesta es por sí misma devastadora, pues supone dar luz a todo el terror oculto bajo la reluciente alfombra de la Historia, escrita y dictada por los vencedores, pero relatada y transmitida por los vencidos, evidenciando que el final de la guerra, contrario a lo que se piensa, es apenas el principio de un perpetuo sufrimiento.

NUNCA SUBÍ EL PROVINCIA; la historia desde dentro

Por Luis Rivera

Ignacio Agüero toma algunas cartas escritas a mano como pretexto para volver a su casa como si esto fuera el punto de partida de una encomienda personal, pero no lo hace contando una historia, sino el cómo suceden las cosas a alrededor del realizador. Elipsis en constante aparición que se construyen a partir de elementos puntuales: la esquina de su casa, la Cordillera de los Andes y el Provincia, el cerro que le da nombre a la película.

El filme podría funcionar como secuela de El otro día (2012), pero ahora no son las personas las que asisten a la casa del cineasta para interrumpir su cotidianidad, sino su entorno, el que ha cambiado, y el paisaje, que se ha llenado de obstáculos que le impiden observar como antes. Con entrevistas y grabaciones, Agüero le da voz a la gente mientras que con el montaje y la inserción de archivo fílmico convierte la obra en videoensayo histórico y memorial.

Santiago de Chile tiene muchas formas de contarse, ahí están las historias de Patricio Guzmán, quien lo cuenta desde el exilio y como una forma de volver; mientras, Agüero lo hace desde dentro, como alguien que nunca se fue.

¡Disfrútala este 28 de mayo sólo en FilminLatino!

LAS FACULTADES; en busca de la utopía igualitaria

Por Vanesa Fernández Guerra

A través de un riguroso estudio observacional sobre el funcionamiento de la universidad pública argentina, y focalizándose mayoritariamente en los exámenes orales, la encomiable ópera prima de Solaas ofrece un retrato social más allá de lo estrictamente académico. Estudiantes de Derecho, Filosofía, Cine o Medicina preparan sus exámenes finales, comparten espacios, tejen sus vínculos sociales y finalmente se enfrentan al estresante ritual de la exposición oral. Momentos interminables de espera, nervios, fobias, situaciones dramáticas e incluso absurdas, se abordan de un modo sutil e inteligente y propician una profunda reflexión en torno a las formas de enseñanza y a la propia legitimación del conocimiento. Casi todo se evidencia y se enfatiza muy frágilmente, y para ello, resulta indispensable la loable labor con el espacio y la puesta en escena, la elección de sus pensados encuadres y las certeras decisiones en el montaje. Virtuosa heredera del maestro Frederick Wiseman, la directora logra construir de un modo ejemplar una estampa social y arroja también un inmenso halo de esperanza en el ser humano ya que, en el fondo, asistimos a la férrea reivindicación de la utopía democrática que reclama que todo estudiante tiene derecho a un trato igualitario.

¡Disfrútala este 27 de mayo sólo en FilminLatino!

FREM; el último refugio

Por Maximiliano Cruz

Evocando un mundo post-humano desde el punto de vista de una entidad no humana, la directora checa Viera Čákanyová traza un temerario mapeo cenital de la Isla Rey Jorge en el extremo sur de la Antártida, donde la hegemonía humana se ha reducido a ese “Refugio” para el que parece ser el último hombre, quien cohabita junto con focas, aves, delfines y ballenas: un engrane más de este ecosistema helado y apocalíptico.

El dispositivo de documental de animales se rompe cuando quien mira —inteligencia artificial encarnada en un dron de quien por momentos vemos su sombra— fisga a través de la puerta entreabierta del Refugio al hombre que se intuye recostado. La cámara respira mientras flota en su aleteo asordinado, sin atreverse a irrumpir en un interior imprevisto que despide tonadas de música folk. “Quería que el punto de vista no fuera humano, porque la humanidad está al límite de su potencial natural”. La directora nos sumerge en un ice-trip variante de la ciencia ficción, con el que plantea interesantes perspectivas para abordar temas como el cambio climático y el sentido del estado actual de la humanidad.

¡Disfrútala este 26 de mayo sólo en FilminLatino!

ALTERACIONES; caminar entre llamas

Por Carlos Rodríguez

Justamente es el fuego el elemento con el que abre Alterations/Kô Murobushi: un hombre camina en medio de las llamas. Poco después, la cámara permite ver el escenario sobre el que baila el japonés Kô Murobushi, leyenda de la danza butoh. En 2006 Murobushi le pidió a Basile Doganis, filósofo francés y cineasta exalumno de Alain Badiou, filmar su trabajo durante sus últimos 10 años de vida. Se trató de una profecía: en 2015 murió el bailador, interesado en expresar a través de su arte las características del butoh, donde no hay origen ni propósito, tampoco un punto de inicio ni de llegada, sino el punto muerto del cuerpo.

¡Disfrútala este 25 de mayo sólo en FilminLatino!

CAPITAL RETOUR; la especie digital

Por Andrés Suárez

“Yo quiero mostrar hasta qué punto todo en mi vida es contradicción y convivencia”, dice la escritora trans argentina Camila Sosa Villada. Y es pertinente mencionar estas palabras al hablar de este ecléctico y en ocasiones claustrofóbico autorretrato que firma Léo Bizeul o su alter ego Cornelia, o Coco Michel, o Fofolle: nacidx hombre al final de los años ochenta, de género cada vez más femenino, por el momento intergénerx, omnisexual y lesbiana, artista audiovisual, escort y modelo webcam.

Una obra que si bien se suma a una tradición fundada por la emblemática e inquietante Tarnation (Jonathan Caouette, 2003), también consigue ser fiel a su propio tiempo: quince años después, un ejercicio autoetnográfico como este —narcisista, si se quiere—, se intensifica con la tecnología que hoy interviene diariamente en la construcción de las identidades individuales urbanas y en la forma en que éstas se relacionan con el mundo a su alrededor.

Las fuentes de los materiales utilizados aquí son diversas, pero no se conjugan para elaborar una imagen estable o concreta; por el contrario, las fotografías y los videos conjugados conforman el carácter líquido y aun inaprehensible de una generación que, a través de internet, ha descubierto una posible evolución del ser humano: la especie digital.

¡Disfrútala este 24 de mayo sólo en FilminLatino!

UNA PELÍCULA DRAMÁTICA; esto no es un documental

Por Adriana Bellamy

En su última entrega, Eric Baudelaire nos muestra cuatro años de trabajo con los estudiantes del grupo de cine del Instituto Dora Maar en Saint-Denis, Francia. Partiendo de la premisa “una película puede ser sobre cualquier cosa”, Baudelaire funciona como un acompañante que sigue a los alumnos mientras filman, cámara en mano, diversos espacios de su cotidianidad: al interior de sus hogares, en las calles aledañas a la escuela, en corredores, cafeterías, salones y parques. A la manera de los grandes documentalistas, la mirada joven descubre su entorno y convierte los paisajes familiares en escenarios de relato fantástico mientras se pregunta sobre la esencia de la materia filmada: “Esto no es un documental”, “Cuando el sonido muere es dramático”. Así, la película lleva a cuestas la crónica de su propia filmación alternada con las opiniones de los estudiantes sobre su realidad política y social, juego de espejos donde el espectador descubre que los filmadores son filmados mientras dan cuenta de su paso por el mundo.

¡Disfrútala este 23 de mayo sólo en FilminLatino!