El FICUNAM, Festival Internacional de Cine UNAM y MUBI se complacen en anunciar los títulos que conforman la retrospectiva “Tsai Ming-liang: cuerpos entregados”, a celebrarse en el marco de la décima primera edición del festival. Las películas estarán disponibles a partir del 18 y hasta el 24 de marzo a través de la plataforma MUBI. Además, gracias a esta alianza, el público podrá disfrutar de 30 días gratis ingresando desde mubi.com/ficunam.

Estos serán los filmes presentados:

1. Rebeldes del dios neón / Rebels of the Neon God (Tsai Ming-liang, Taiwán, 1992, 106 min)
2. Viva el amor / Vive L’amour (Tsai Ming-liang, Taiwán , 1994, 120 min)
3. El río / The River (Tsai Ming-liang, Taiwán, 1997, 115 min)
4. El agujero / The Hole (Tsai Ming-liang, Taiwán, 1998, 89 min)
5. ¿Qué hora es allá? / What Time is it There? (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2001, 110 min)
6. Adiós, Dragon Inn / Goodbye, Dragon Inn (Tsai Ming-liang, Taiwán, 2003 / 2019, 82 min)
7. La nube errante / The Wayward Cloud (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2005, 114 min)
8. No quiero dormir solo / I Don’t Want to Sleep Alone (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia – Austria, 2006, 118 min)
9. Rostro / Face (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia – Bélgica – Países Bajos, 2009, 141 min)
10. Perros perdidos / Stray Dogs (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2013, 138 min)
11. Días / Days (Tsai Ming-liang, Taiwán, 2020, 127 min) *Disponible únicamente por 72 horas

Cortometrajes

1. Chicos / Boys (Taiwán, 1991, 49 min)
2. El puente ya no está / The Skywalk Is Gone (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2002, 22 min)
3. Caminante / Walker (Tsai Ming-liang, Hong Kong, 2012, 27 min)
4. Viaje hacia el oeste / Journey to the West (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2014, 56 min)
5. No No Dormir / No No Sleep (Tsai Ming-liang, Taiwán- Francia, 2015, 34 min)

Por si esto fuera poco, en el marco de la retrospectiva, MUBI contará con una sección especial de películas elegidas por el propio realizador que llevará por título “Seleccionadas a mano por Tsai Ming-liang”, y que consiste en los siguientes títulos:

1. City Lights (Charlie Chaplin, Estados Unidos, 1931, 87 min)
2. The 400 Blows (François Truffaut, Francia 1959, 99 min)
3. Mouchette (Robert Bresson, Francia, 1967, 78 min)
4. A Short Film About Love (Krzysztof Kieślowski, Polonia, 1988, 87 min)
5. Chimes at Midnight (Orson Welles, España – Suiza, 1965, 119 min)

EL COMPROMISO DE LAS SOMBRAS; el transitar del alma

Por Andrés Suárez

Resulta paradójico que en un continente donde la expectativa de vida promedio de una mujer trans es de 35 años de edad, sea una de ellas Lizbeth Domínguez Marín, quien oficie como sacerdotisa de un pueblo en Guerrero para guiar el tránsito de las almas de los muertos. Es como si, contrario al destino trágico de tantas otras como ella, a esta mujer le hubiera sido reservado un don y, por él, la longevidad necesaria para dar continuidad a los tradicionales ritos sincréticos que permitirán a los difuntos abandonar esta vida y desprenderse de sus familiares y amigos. 

López Barroso no solo ha encontrado en San Nicolás Tolentino y Montecillos un personaje cuya entereza y cuya fe son admirables, sino que ha evidenciado aquí la celebración de la vida y los vínculos comunitarios que entrañan estos ritos funerarios: cantos, rezos, flores, telas de satín, velas, trombones y largas procesiones componen los fervorosos y últimos homenajes al espíritu —sagrado y precioso— de quienes han vivido sus últimos días en esta tierra y, a pesar del olvido, se dirigen a una vida nueva.

CIUDAD; los contrastes de la urbe

Por Luis Rivera

Narrar la Ciudad de México como un todo es un reto imposible para una película. Una ciudad de tal dimensión, compuesta por tantas ciudades distintas con una vasta gama de contrastes, la vuelven inenarrable. Pareciera pues, un ejercicio inane desde su planteamiento. Pero en Ciudad, Carlos F. Rossini no propone un retrato de la gran urbe, sino un diálogo de vivencias entre él y tres cineastas más que la habitan: Nuria Ibañez, Maya Goded y Julio Hernández Cordón. Juntos mantienen una conversación de la que se recogen distintas maneras de aproximarse a la realidad para formar una suerte de colectivo que salta a las calles y logra capturar una veta narrativa de lo que más les atrae de la ciudad, lo que en su conjunto otorga una mayor perspectiva de un proyecto que en sus inicios se planteó desde la mirada de una sola persona.

La visión íntima de la que partió Rossini para gestar la película se expande por necesidad hacia varias manos, que navegan ese espacio físico para configurarlo como un universo de gestos y pulsiones vitales fílmicas. Esta es una charla visual que parece tener en común acuerdo no interrumpir con la cámara las voluntades predeterminadas que conviven en una Ciudad de México inundada de experiencias de una fuerte carga emocional, misma que avanza a ritmos distintos y en direcciones opuestas en todo momento.

Más que narrarla, Ciudad deja que la urbe ‘sea’ y permite que su tránsito suceda bajo un registro blanco y negro -de cerca o a la distancia- para, de esta manera, permearla con un único tono bitonal porque, como dijo Ted Grant, “cuando fotografías a una persona en color, fotografías su ropa, cuando lo haces en blanco y negro, fotografías su alma”.

ESTANISLAO; lo fantástico en lo familiar

Por Magaly Olivera

Mateo, un soberbio contador desempleado regresa a la casa de su infancia después de quince años de ausencia. El motivo es la muerte de su madre. Al llegar se encuentra con su padre alcohólico y con su hermano, una enorme criatura que viste con varias telas de la fábrica textil en la que habita su familia. Mateo, quien se encuentra en pleno proceso de divorcio y se obsesiona con negar su fracaso, no ha perdido la habilidad de ignorar la sordidez que encuentra a su alrededor en ese lugar. Sin embargo, hay algo sobre el monstruo familiar que todavía le causa pánico, a pesar de haberle acompañado durante toda la vida. 

El segundo largometraje de Alejandro Guzmán se inclina por el corte fantástico al insertar en un melodrama familiar la presencia de una figura extraña, la cual se asemeja a un pájaro gigante. Aunque la historia detrás de la creación de este ser no queda explícita, la metamorfosis de su personalidad (o al menos la concepción que de ella tiene el espectador) es clave para el destino del protagonista. Estanislao propone un ambiente que fusiona una realidad tosca y desoladora con la bondad que reside en los mundos de fantasía.

LA MAMI; la resilencia y la intimidad

Por Vanesa Fernández Guerra

Adentrándonos en el cabaret mexicano Barba Azul, el último largometraje de Herrero nos ofrece una encomiable mirada observacional sobre el peculiar funcionamiento de su baño de mujeres, capitaneado por la prudente y sabia señora Olga, más conocida como La Mami. La directora es capaz de llevar a cabo un brillante retrato íntimo de tal diminuto lugar donde La Mami administra el papel higiénico del baño y, generosamente, aconseja, cobija y ayuda a todas las mujeres en su cotidianidad.

 Los juegos de espejos y los juegos de miradas en esos espejos acentúan unas relaciones de personajes donde los momentos de preparación, de espera, de nervios, de dudas y de incertidumbres son plasmados por la directora de un modo muy certero. Para ello, resulta indispensable la loable labor con el espacio y la puesta en escena, la elección de sus pensados encuadres, el uso del fuera del campo y las atinadas decisiones en el montaje. Así, Herrero contrapone los movimientos de cámara en la esfera pública, donde la música, los clientes y la pista de baile son el foco, con esa intimidad de las mujeres retratada por planos estáticos y muy cercanos en el baño.

 Rechazando astutamente cualquier relato exótico y folclórico del lugar, La Mami se muestra cercana al espectador que conecta y se adentra en la realidad de estas mujeres que se revelan ante la cámara como personas muy valientes y luchadoras. En definitiva, una brillante película que nos permite reconocer el empoderamiento y la resiliencia de estas mujeres alejándonos de cualquier estigma social y moral.

LOS PLEBES; imágenes de un país en guerra

Por Eduardo Cruz

La expresión ‘plebes’, que en el norte de México se usa una para referirse a niños y adolescentes en general, sirve a Eduardo Giralt Brun y a Emmanuel Massu para poner el foco sobre un sector fuertemente golpeado por el ascenso de los cárteles en Sinaloa desde hace décadas. Como mensajeros, guardias o sicarios, los plebes son la carne de cañón del crimen organizado; trabajos que, a pesar de proyectar una corta expectativa de vida, reúnen en sus filas a casi medio millón de jóvenes.

Pero Los Plebes no se aproxima al tema con un enfoque reporteril o de denuncia, sino que se mueve por un terreno más bien pantanoso, enriquecido por su ambigüedad. Su narrativa no opera a través del testimonio, los realizadores optan por el acompañamiento y el registro de las actividades de sus anónimos protagonistas mientras andan por aquí y por allá, atentos a los retos virales en el celular, jugando con sus mascotas o limpiando y preparando sus armas. La indagación no es, por tanto, sobre sus funciones en el trabajo o sobre el manejo de esas redes, sino por lo que hacen en su tiempo libre. 

En su montaje, Los Plebes reconcilia la personalidad del adolescente común con la del joven sicario, problematizando sin juicios morales, el entendimiento de la violencia. Las imágenes son la de un país en guerra, pero su tratamiento las aleja del melodrama y la condescendencia apelando a un punto de vista personal hacia aquellos que siempre son dibujados como simples víctimas o villanos.

FICUNAM 11 anuncia sus actividades académicas

RICOCHET; la costumbre y el misterio

Por Abraham Villa Figueroa

En un pequeño pueblo del occidente mexicano, Martijn, un hombre delgado y canoso despierta en un páramo solitario preparado para vivir un día decisivo. En el transcurso de la mañana convive con su familia y amigos, habla con distintos pobladores del lugar y participa de varias anécdotas. Poco a poco, se dibuja su condición amarga y se cierra su ánimo alrededor de la fatalidad; la cotidianidad rural, entonces, desvela la brutalidad de sus pasiones subyacentes.

La tonalidad azul que permea la imagen, el cariz melancólico de Martijn y el avance sin dirección del tiempo desviado constantemente por imprevistos, difuminan la objetividad del realismo. A semejanza del sueño que ocupa una escena fundamental entre el protagonista y su hija, la película deambula por sitios ordinarios para descifrar el centro oculto al que nos conduce como en espiral. Al averiguarlo, sin embargo, la extrañeza no desaparece, pues la oscuridad sentimental del protagonista es su eje constitutivo. 

Ricochet se apoya en el costumbrismo de la vida del campo para sostener indirectamente varios misterios sobre su protagonista, cuyo presente afable e idílico se resquebraja entre conversaciones y paseos. La cuidada elaboración de los diálogos remite a la Época de Oro del cine mexicano y se vale de la maleabilidad pintoresca del ingenio verbal para desenvolver caracteres y situaciones. La contraparte de lo explícito que se juega en la palabra es la oscuridad que recubre el pasado del protagonista y que lo conduce invariablemente a su destino. Este ocultamiento enrarece la narración y ofrece una mirada contemporánea al drama rural mexicano.

LOS FUNDADORES; la resistencia de la educación

Por Magaly Olivera

“Ser estudiante es una gran época”, dice uno de los personajes de Los fundadores. Y sí, en la película están las pláticas con cerveza y los enamoramientos fugaces propios de la juventud. El problema inicia cuando las características que definen a esta etapa se ven mermadas por la falta de presupuesto que aqueja a las casas de estudio. En este caso, el gobierno tiene un adeudo de más de un millón de pesos con la Universidad Autónoma de Baja California y este hecho comienza a permear en la cotidianidad de alrededor de 65 mil alumnos. 

Accedemos a las consecuencias de la falta de presupuesto a través de un grupo de tres estudiantes que combinan sus intereses creativos con sus rutinas en el trabajo. En sus conversaciones se vislumbra un intento por mejorar sus condiciones, pero también se evidencia la pasividad con que se enfrenta a la injusticia en México. ¿Cómo definir la resistencia en un país donde nos hemos acostumbrado a las carencias? ¿Siguen siendo legítimos los actos simbólicos o deberíamos cambiar el lenguaje de la denuncia para obtener respuestas de las autoridades? 

Los fundadores reconoce que, aunque ser estudiante sí es una gran etapa, para disfrutarla deben existir condiciones que permitan acceder a una educación digna, además de un panorama laboral menos incierto para los alumnos que logren egresar; un reconocimiento que adquiere todavía más potencia en nuestra actualidad.

COSAS QUE NO HACEMOS; gozar lo ausente

Por Jorge Negrete

La cámara obliga a mostrar una versión de la verdad entendiendo que a partir de su presencia quien es filmado puede inhibirse o liberarse. En el caso del documental Cosas que no hacemos, filmado en la comunidad de El Roblito, en el límite entre Nayarit y Sinaloa, el título podría aludir tanto a una verdad revelada como a una oculta, dependiendo de quién esté a cuadro. Pero el filme no tiene un solo protagonista, aunque sí una figura central: Ñoño, un joven de 16 años que gusta vestirse de mujer y que planea dejar pronto su pueblo para dejar de ocultarse y así poder asumir una nueva identidad en un contexto libre de juicios, pero no de los otros niños que juegan y corren impunes ignorando el estado de miedo que reina por el narcotráfico, sino por parte de sus padres. En el momento en el que Ñoño confronta a sus padres se obliga a una aceptación que se intuye, tomaría una forma distinta de no estar la cámara presente. En cierto modo, esta secuencia presenta una fantasía, como la del Santa Claus que desciende sobre El Roblito en la primera parte del documental, que desearíamos considerar como ‘real’. Tristemente, resulta más creíble la visita de un personaje ficticio que aceptar la libertad ajena. Más allá de los temas o la agenda social, este documental presenta tanto a niños jugando, corriendo y bailando, como a personas cuyas ocupaciones se integran a una dinámica particular en la que el acto de celebrar es esencial. En otras palabras, a gente libre que goza de aquellas cosas que ya no hacemos, independientemente de cómo estemos vestidos o quiénes queramos ser.