CRYPTOZOO; el anhelo de materializar el mito

Por Abraham Villa Figueroa

La película comienza cuando un par de hippies descubren un extraño santuario en los parajes californianos de los años sesenta. Hay una escena cósmica, la aparición de un unicornio y el ataque de la fatalidad. La animación crea masas de color que se mueven y mutan al ritmo de pulsaciones propias. Se desvela un mundo fantástico, donde los seres mitológicos, aquí llamados críptidos, padecen la ambición y la violencia de los humanos, por lo que viven ocultos. Lauren, una mujer que siente un respeto enorme por ellos desde que uno la favoreció en la niñez, trabaja construyendo un santuario donde estas criaturas puedan vivir en paz. Cuando descubre la localización de un críptido especial, une fuerzas con Medusa para evitar que un militar despiadado lo capture.

La animación varía su estilo y se aproxima a las escenas de maneras diferentes, pero conserva la intensidad del color y la expresividad del bosquejo. Las imágenes se alejan del preciosismo y asumen cierta incompletitud, como si en la imperfección de su trazo se reflejara la fragilidad de los sueños y la fugacidad de la esperanza, temas que sobrevuelan la trama. No hay, sin embargo, delicadeza, pues se trata de una pérdida dolorosa. El anhelo de materializar el mito y el espíritu insondable de la imaginación como un paraíso en la tierra es amenazado por el poder, aunque de antemano parecía condenado al espectáculo y la frivolidad. El alma psicodélica de la contracultura estadounidense de los años sesenta termina en el desencanto. Cryptozoo es, como la realidad que persigue Lauren, el fulgor instantáneo de un sueño que deja tras de sí imágenes de una utopía que por momentos parecía posible

LIBORIO; al final de la tormenta

Por Alfredo Ruiz

La tormenta ha cesado. Liborio vuelve de la muerte después de conocer el cielo en una misión. La ópera prima del cineasta dominicano Nino Martínez Sosa pone de manifiesto nuevamente la potencia del cine de República Dominicana. 

Liborio está basada en la historia de Olivorio Mateo Ledesma, Papá Liborio, personaje que se convirtió en un símbolo de esperanza y libertad para República Dominicana durante la ocupación estadounidense en la isla caribeña. La película se centra en esta figura interpretada de manera magistral por Vicente Santos; sin embargo, el filme es narrado de manera coral por varios personajes que por momentos, asumen el protagonismo. Descubrimos su historia y la del lugar que habitan a través de las canciones que se cantan. Nos asomamos entre las ramas que se atraviesan frente a la cámara para llegar a un campo con cruces de madera enterradas, entonces caminamos al ritmo de la respiración de los personajes.

Contada en capítulos como si se tratara de un libro sagrado o de un retablo, Liborio recuerda al tipo de cuentos que se relatan alrededor de un fuego. Es un cine que nos permite mirar a través de los ojos de los que creen, que nos coloca en los pies de las personas que caminan junto al profeta y en los sueños que se mezclan con lo real. La película captura en la mirada y en el gesto la invisibilidad de la fe, esa que no se advierte a simple vista pero que se percibe, como el sabor del azúcar en el agua.

I COMETE – A CORSICAN SUMMER; una inmersión en la cotidianidad

Por Sébastien Blayac

Ópera prima del también actor Pascal Tagnati, I comete es una auténtica inmersión en la cotidianidad de un pueblo de la pintoresca isla de Córcega durante el verano, un momento suspendido que genera la migración temporal de una multitud de personajes.

Con cámara estática y estética hiperrealista, el filme se estructura en una sucesión de cuadros —verdaderos tableaux vivants— que, en primera instancia, no parecen estar unidos por la lógica: nativos y turistas en las calles, niños jugando, adolescentes bromistas flirteando, una mujer fotógrafa, un pianista apasionado, discusiones sobre fútbol, masturbación y voyerismo digital, conflictos amorosos y heridas del pasado, fiestas alcoholizadas, obsesión varonil por la felación, amigos pescando, procesión religiosa, una chica con angustias nocturnas, canto tradicional corso, un campesino exasperado, etcétera. En suma, un mosaico que conforma el retrato de una comunidad y nos revela poco a poco la complejidad de su tejido social sobre un fondo de deslumbrantes paisajes naturales. Tagnati explora su tierra natal a través de las generaciones. Pasado y presente dialogan, como en la enternecedora plática entre Franje (único habitante negro del pueblo) y su abuela de memoria declinante. 

Mirada brutalmente honesta sobre la sociedad corsa contemporánea —una cultura insular con identidad e idioma propios, la lengua corsa—, observación aguda más que postura crítica e ideológica, sin juicio moral. I comete es una ficción coral de forma fílmica arriesgada, como el fresco de su imaginario colectivo.

TAMING THE GARDEN; entre el cielo y la tierra

Por Maximiliano Cruz

Un árbol gigantesco, tan alto como un edificio, se mece dócil con el viento del Mar Negro mientras la plataforma que lo sostiene es arrastrada por un barco. ¿De dónde proviene y a dónde llevan a aquel ser centenario, desarraigado y domesticado? ¿Qué descabellada ruta fue seleccionada para alcanzar ese punto? ¿Por qué? ¿Quién la eligió? Esta poderosa imagen —poesía de ultramar— que en su momento resplandeció en los medios de comunicación del Cáucaso, sirvió a la directora georgiana Salomé Jashi para embarcarse en el registro de un suceso terrible y alegórico, sintomático y a todas luces premonitorio, del eterno sometimiento de la naturaleza por el hombre. Desenraizar. Despojar. Trasplantar. La violencia que acarrean estas palabras rebasa la belleza surreal de lo trágico y se manifiesta en las comunidades que a lo largo y ancho de Georgia accedieron al despojo a cambio de beneficios materiales, explayándose en la obscenidad de un jardín monumental a modo de parque de atracciones. 

Según Nietzsche, los seres humanos al igual que los árboles conectan al cielo con la tierra. Su frenesí por alcanzar las alturas depende de cuán lejos lleguen sus raíces, de qué tan profundas sean y de qué tan cerca estén de eso que llamamos el mal. El sentido rancio de la masculinidad presente en el grupo de trabajadores que, bajo comisión del patriarca, desenraizan árbol tras árbol valiéndose de grandes tubos metálicos con los que ultrajan el seno de la tierra —a la postre, despojándola de las raíces fabulosas—, otorga valiosas facetas a este preciso y hermoso documental de observación y denuncia.

DARK LIGHT VOYAGE; una búsqueda mística

Por Sébastien Blayac

Segunda película de la tetralogía Light and the Beginning of Future y última obra del realizador mexicano Tin Dirdamal, Dark Light Voyage relata el viaje a Vietnam que hizo el cineasta junto con su hija. Un viaje místico que explora la oscuridad del ser humano, sus contradicciones, pero también su belleza. Sujeto a las reglas del dogma de Hanoi, el filme es el proyecto de una sola persona, no de un equipo de filmación. 

Al enterarse de que su amigo está en un hospital psiquiátrico por haber matado a una señora y después de doce años de haber perdido contacto con él, el cineasta emprende un recorrido en tren de 1 700 kilómetros —Vietnam de norte a sur— por la necesidad de estar en movimiento para encontrar claridad y respuestas acompañado de su hija, la narradora del filme. Inmersa en el tren, la cámara de Dirdamal observa a la gente en tránsito, intervalo que revela su intimidad como si esta estuviera al descubierto. La película es también una mirada a un país marcado por una guerra, como la parada en la ex frontera norte-sur, el lugar donde más bombas han caído en la historia de la humanidad; una evocación sobre sus raíces tribales, la subetnia de los Ruc; así como una reflexión sobre la paternidad y la empatía, y sobre la percepción de la complejidad humana desde los ojos e inocencia de una niña. 

Viaje intimista e iniciático, meditación sobre la muerte, búsqueda mística, Dark Light Voyage se adentra en las profundidades de la esencia humana a través de un lenguaje visual singular y de sensibilidad poética. Filme también enigmático cuando una voz infantil nos cita las palabras del budista zen Lin-chi, quien vivió hace más de mil años: “si encuentras al Buda en el camino, mátalo”.

A RIFLE AND A BAG; fantasmas del cambio

Por Luis Rivera

Los naxalitas son un grupo maoísta y opositor al gobierno de la India que desde 1967 reclama mejores condiciones para las comunidades tribales. El gobierno los ha considerado como una amenaza terrorista debido a distintos asesinatos en aldeas, ataques a la infraestructura estatal y por el reclutamiento de niños para adherirse a las filas del movimiento de carácter comunista. 

A Rifle and a Bag, ópera prima del colectivo NoCut Film conformado por Cristina Hanes, Isabella Rinaldi y Arya Rothe, nos adentra en el entorno de Somi y su esposo, una pareja de ex naxalitas que abandonaron el movimiento para construir una nueva vida y concentrarse en la crianza de sus hijos. El camino es complicado, puesto que su condición de ex guerrilleros y, por ende, de ciudadanos de tercera categoría, impide que su hijo mayor pueda asistir al colegio. Sufrir la burocracia en su nivel más obsoleto, la rendición ante la policía a cambio de condiciones económicas precarias y de una vivienda marginal, todo para tener la libertad de forjar un futuro mejor. Sin embargo, los ideales que años atrás perseguían como insurgentes naxalitas siguen presentes como fantasmas que atienden sus conversaciones frente a una fogata nocturna.

Filmado con cámara cercana pero en apariencia imperceptible para los que aparecen en pantalla, A Rifle and a Bag opera como mecanismo de escucha y empatía; de encontrarse con un tipo de comunidad que está presente de muchas maneras en todo el mundo, esa que no tiene opciones de cambio, pues la imposibilidad de su condición sobrepasa cualquier sueño, cualquier intento de salir de ahí.

THE INHERITANCE; resistencia en movimiento

Por Rafael Guilhem

La casa bautizada como House of Ubuntu es mucho más que el conjunto de sus pasillos, paredes y cuartos. Es la herencia de una mujer para su nieto; un salón de clases teóricas y prácticas; el epicentro organizativo de un grupo de activistas afroestadounidenses; una merienda para la familia extendida; el «poder negro» de Stokely Carmichael; es espacio pero también tiempo; una sala de conciertos de jazz; un vinilo de Max Roach; el color rojo, amarillo y azul; una biblioteca con libros de Angela Davis y Du Bois; un modelo de vida comunitaria; una alusión explícita a La chinoise de Jean-Luc Godard y una secreta a las películas de Charles Burnett y Spike Lee; un pequeño teatro militante; es también la memoria de otra casa, habitada por el colectivo marxista MOVE y bombardeada atrozmente por la policía de Filadelfia en 1985.

Esta singular vivienda, tan artificial como un plató de cine, tan ligera como una maqueta en miniatura y tan ficticia como una quimera, revela, sin embargo, una bella verdad: que la transmisión de los pensamientos, las emociones y los sueños es el mejor cimiento para afrontar a un sistema tan desigual y discriminatorio como el estadounidense; pero también, que la historia del racismo es, en primer lugar, la historia de una resistencia. Y cuando el cine logra capturar el murmullo vivo de ese movimiento, pasa de ser un pétreo testigo a convertirse en una estancia más donde alojar el aliento de quienes luchan.

VISIÓN NOCTURNA; desandar el camino

Por Maximiliano Cruz

Con un cuadrante del modo night-shot de la cámara digital, la directora Carolina Moscoso trazó un camino conceptual y formal hacia un hecho decisivo del pasado. Tres estados lumínicos animan —advertidos al inicio— este diario de sanación: oscuridad, luz encandiladora y la penumbra. Ninguno de los tres brinda, de modo natural a la mirada, nitidez ni certeza. Pero en el punto de vista en clave nocturna, cobran uniformidad cromático-emotiva, contraste y claridad. 

Desandar el camino que ocho años antes recorrió junto a su agresor por la costera de un balneario cerca de la ciudad de Valparaíso y el resto del trayecto hasta los matorrales aciagos, aceleró el trasegar legal, afectivo, psicológico y existencial, en todo caso, con repercusiones en tiempo real ante la cámara y expresivas en lo cinematográfico.

Documental, autorretrato, ensayo cinematográfico de denuncia. Esta luminosa ópera prima reflexiona sobre un pasado dinámico, maleable con el tiempo y el pulso artístico, y un presente visto como materia prima de algo posterior. El epifánico nacimiento de un ser humano a través del visor nocturno —secuencia medular en la película— desjerarquiza la imagen y nos lleva al núcleo de la tribu para luego desembocar, entre otros afluentes, en una variante del perdón. En un memorable ejercicio de capoteo al trauma, con recursividad de material, soltura en el montaje y el relato oral, Visión nocturna nos recuerda esa contraparte de la luminosidad que ameritan ciertas visitas

MOVING ON; aspiraciones y recuerdos

Por Rubén Corral

Convalecientes del tsunami del filme Gisaengchung (Parasite), vemos ventanucos elevados, una vivienda en un sótano y una familia en marcha: no podemos dejar de pensar en el largometraje de Bong Joon-ho. Pronto se irá de la mente, porque el tono de la película lo da ese tema nostálgico del padrino del rock coreano, Shin Joong Hyun, que suena durante el viaje que el padre y los dos hijos protagonistas de Moving On hacen en una furgoneta Daewoo cargada hasta los topes hacia casa del abuelo. Tienen que mudarse. En un caluroso atardecer del mes de agosto, las calles del barrio aparecen abandonadas y las paredes de los edificios marcados con aspas delatan su futura desaparición. La joven realizadora Yoon Dan-bi sugiere una vida que se queda atrás: la moderna Corea también ha cambiado y sigue transformándose. Si la mirada a generaciones precedentes desde el entorno familiar nos recuerda al Japón de Ozu, quizá sea porque es igual de universal en Asia que en Europa o América.

Moving On destaca por el trabajo de construcción de sus pequeños héroes; por el esmerado tratamiento del sonido y el encuadre riguroso; y por el sutil retrato de ritos y detalles de cotidianeidad familiar.

Aspiraciones y recuerdos, heridas (la ausencia de la madre, el encuentro con la muerte) emergen a lo largo de unos días de verano junto al abuelo, y trazan el recorrido de transición a la madurez de la adolescente protagonista, Okju, que persigue la seguridad en una casa que convertirá en hogar durante algunas semanas de estío.

FICUNAM anuncia su nuevo podcast

FICUNAM anuncia su nuevo Podcast, un espacio dedicado a hablar de las películas que forman parte del festival, con la conducción de Ximena Piña y Pablo Rendón, y que estará disponible en Spotify. 

Realizado con el apoyo de Radio UNAM y la participación especial de Rolling Stone México, la primera temporada del Podcast FICUNAM consta de 5 episodios que se estrenarán próximamente. ¡Descúbrelo!

Episodio 1:  Tsai Ming-liang: Cuerpos entregados – Parte 1
Cineasta taiwanés de gran relevancia internacional, cuya filmografía retrata mágicamente los tiempos que vivimos.
Plática con Michel Lipkes