Encuentros en vivo: 499

Por Elvis Rodríguez

En su tercer día de programación, FICUNAM 11 sigue sorprendiendo y cautivando al público. El segundo Encuentro en vivo con directores de la sección Ahora México, se llevó a cabo a través de la página oficial de Facebook. 

Esta vez la conversación se centró en el documental 499. Su director, Rodrigo Reyes, y su productor, Inti Cordera, acompañaron a Sébastien Blayac para charlar sobre una de las películas más esperadas y laureadas a nivel mundial en los últimos meses. 

499 mezcla la realidad y la ficción para centrarse en la llegada de un conquistador español del siglo XVI a México en pleno 2020, 499 años después de la caída de México-Tenochtitlán. El documental sigue a este personaje viajando por la ruta de Cortés mientras es testigo de la sangrienta y sombría realidad del país. A su paso se encuentra con familiares de personas desaparecidas y asesinadas, migrantes e individuos que tuvieron que aceptar unirse al lado corrupto y delictivo de la sociedad.

En su travesía, el conquistador escucha testimonios que retumban por todo su cuerpo, historias que reflexionan las consecuencias del colonialismo y la construcción del actual México libre y desolado.

Rodrigo Reyes compartió que el origen del documental se dio en una caminata por un parque con su amigo y colaborador Inti Cordera. Ambos pensaron en rescatar figuras del pasado de México para que transitaran por la ruta de Cortés y conmemoraran los 500 años de la conquista española.

Anteriormente el realizador había experimentado con estilos que escapaban de los cánones tradicionales En su filmografía podemos encontrar el documental Memorias del futuro, donde juega con tonos de ciencia ficción; y su película Lupe bajo el sol, la cual utiliza elementos propios del género documental. 

Su última obra no deja atrás este estilo autoral. El director explicó que para él los tiempos están mezclados, por lo tanto, su propuesta muestra que la imagen y presencia del conquistador existe en la realidad, ya que esta figura es un fantasma cultural.

Su visión buscaba confrontar el presente y la sombra del pasado histórico de México con el objetivo de comprender la ola de violencia que cada vez aumenta más su fuerza. 

Para la elección del actor que personificaría al conquistador, el realizador mencionó entre risas que lo encontraron seis semanas antes de comenzar a filmar a través de Facebook. Añadió que, al conocer al actor de origen español, Eduardo San Juan, supo que estaba ante una persona humilde y comprometida.

El director comentó que el diseño de la ruta fue hecho en colaboración con muchos aliados, incluyendo periodistas y documentalistas como Daniela Rea, directora de No sucumbió la eternidad.  

Rodrigo Reyes expresó que el proceso de acercamiento a los participantes que aparecen en el filme fue complicado, ya que entrevistar a personas con un pasado trágico frente a un hombre disfrazado los incomodada y cohibía. La aproximación para capturar estos testimonios fue trabajo de meses y fue necesario explicar con mucha sinceridad y transparencia el objetivo del documental.

El productor Inti Cordera declaró que el rodaje fue todo un reto, ya que había mucha preocupación por parte del crew al sentirse inseguro. Fue necesario monitorear a cada miembro del equipo para estar al pendiente de cualquier alerta de peligro. Agregó que una noche tuvo que despertar al ex director de IMCINE, Jorge Sánchez, para pedirle ayuda al encontrarse en una situación de riesgo.

El cineasta expuso que su decisión por quitarle la voz al conquistador respondía a la necesidad global de “escuchar”. El acto de escuchar desde el poder hacia las personas es una acción que se suprime, ya que las esferas más altas siempre han buscado evitar la validación y el poder del pueblo. Esta justificación permite que el protagonista se mantenga en silencio y analice las voces de las víctimas.    

Posteriormente, el moderador dio inicio a la sección de preguntas y respuestas donde Rodrigo Reyes manifestó que está interesado en entender por qué se repite y reinventa el ciclo de violencia, y que no sirve de nada cargar con culpa a ciertos hechos o personas.

Más tarde, el director abordó la propuesta del director de fotografía Alejandro Mejía, visión influenciada por películas como Lawrence de Arabia y Gladiador, cuyo aspecto visual evoca paisajes surrealistas que permitieron unir el lado ficticio y real del filme. 

Finalmente, los realizadores desearon que 499 lograra crear un diálogo de análisis en la audiencia, y dieron las gracias a FICUNAM por elegir el documental y hacerlo llegar al público mexicano.

Tiempo de híbridos: Las mutaciones de la crítica. Mesa 2. Desplazamientos sedentarios

Por García Jiménez Javier

‘‘El recordarle al espectador que sus decisiones de qué están viendo y cómo están poniendo su atención, construye también al mundo, a mí como crítica me parece  que está en el centro de mis objetivos.’’  
-Sofía Ochoa 

En el primer fin de semana del FICUNAM 11, se presentó de manera totalmente virtual la segunda mesa Desplazamientos sedentarios, del ‘‘Foro de la crítica permanente. Tiempo de híbridos: Las mutaciones de la crítica’’, que imparte la ya legendaria Cátedra Ingmar Bergman de la Universidad Nacional. 

Moderada por Sofía Ochoa, quien es crítica de cine, y acompañada del filipino Noel Vera, también crítico de cine y escritor, de Ana Elena Tejera, cineasta y psicóloga originaria de Panamá pero que radica hoy día en Francia, de Pedro Adrián Zululuaga, crítico de cine y  programador proveniente de Colombia, y de Sandra Luz Barroso, antropóloga y cineasta mexicana, la mesa trató principalmente sobre la reconfiguración de la crítica y de la narrativa actual.

Ana Elena fue la primera en tomar la palabra, al tratar el cierre de las salas de cine como símbolo de una cancelación de la cultura, de la sospecha hacia las ciudades que ha despertado la pandemia, y la posibilidad de volver a cultivar la tierra. Igualmente puso de relieve el aspecto ritual del cine, el cual se pierde al no poder asistir a la proyección de una película. Con las pérdidas que eso implica para la comunidad. ‘‘Hay algo en el cine de ritual. La sala de cine es ritual. Trabajamos meses por ese ritual, la sensación del sonido, que creo es evidente. Se necesita el ritual del cine donde tú sientes el cuerpo de otra persona por una emoción, y eso te emociona, o te hace sentir una sensación (sic). Esa colectividad… que es difícil de perder’’ .

Pedro Adrián se refirió a su experiencia del año pasado cuando participó en sus últimos proyectos, uno para el FICC y otro para el FICUNAM respectivamente, ambos de tipo cinematográfico, y que representaron la despedida de un mundo y la bienvenida de otro más. La reflexión sobre la casa como lugar de todas las experiencias posibles, o como la separación entre el adentro y el afuera, ocupó parte de su intervención pues él cree que ‘‘las películas que vemos en la casa también pueden ser experiencias transformadoras’’, al poner en juego la idea del desplazamiento y al invitar a la creación artística desde lo más íntimo, desde lo más doméstico.  

Noel Vera, a su vez, habló de cómo el ser crítico de cine es para él más bien su identidad, y del problema que para ello significa no salir a los festivales, conocer gente en persona, o como él mismo dice en sus propias palabras ‘‘ver películas proyectadas en 35 milímetros, en nitrato, y luego ir a un café. […] Hablar de la película después de haberla visto’’. Asimismo abordó no tanto la monetarización del cine, sino que interrogó la forma en que éste pueda ser sostenible para críticos o directores. E hizo un llamado a mantener los ojos abiertos en torno a los trabajadores de la industria, maquilladores, cineastas, guionistas, pues resultan ser una preocupación en medio de esta crisis, alterando las lógicas de las industrias. 

Sandra Luz, finalmente, expuso cómo la contingencia modificó sus planes afortunadamente para mejorar su trabajo, en cuestiones relacionadas con el sonido. De igual modo resaltó la revaloración que este hecho supone para su película El compromiso de las sombras, donde se retratan rituales fúnebres de la comunidad de San Nicolás de la Costa Chica en el estado de Guerrero. Para la autora -que apuesta por romper el abc del canon cinematográfico o por romper el consumo algorítmico-, el detenerse, en contraste con la celeridad adoptada, implicó el pensarse desde la ciudad o el volver, ya que ‘‘es importante reconectar con el lugar del que es uno, la casa, el espacio donde te encuentras contigo misma’’. 

Tiempo de híbridos. Las mutaciones de la crítica. Mesa 1. Mediar la distancia

Por Ariana Graciano

“Es necesario ese espacio para escribir, un espacio en el que puedes meter ensoñaciones, en el que puedes hablar con gente que no conoces o con la que no tienes un contacto directo”. 
-Camille Bui

¿Cómo dialogamos sobre las películas hoy en día? ¿Existe realmente una discusión al respecto?¿En serio deseamos reflexionar acerca del cine y de nuestro entorno, o solo dictar opiniones iguales? Estas fueron solo algunas preguntas que surgieron en la primera mesa del noveno Foro de la Crítica permanente organizado por la Cátedra Ingmar Berman y FICUNAM 11.  

El evento se llevó de manera virtual desde cuatro países diferentes: Estados Unidos, Francia, Brasil y México. En esta ocasión, el crítico cinematográfico Salvador Amores se encargó de moderar la mesa conformada por Gina Telaroli, Camille Bui, Bruno Andrade y Jorge Negrete, quienes se han dedicado a hacer, estudiar y analizar el séptimo arte. 

La conversación arrancó con una contextualización general sobre todos los cambios vividos a raíz de la pandemia y las transformaciones en el proceso de escribir crítica. Al respecto, Gina Telaroli compartió su experiencia al darse cuenta de la importancia de ir a ver una película sin considerar su género u origen, pues señaló que el acto mismo es todo un ritual que no se logra estando en casa. Sin embargo, mencionó que es “esperanzador” observar el acceso a largometrajes que en el pasado hubiera sido imposible.  

“He visto como los festivales de cine ahora son una actividad extracurricular para la gente rica, la gente que no tiene trabajo. Como cineasta, e incluso más que como crítico, la capacidad de poder ir de festival en festival es principalmente para gente no tiene que pagar renta, que no tiene que preocuparse por ese tipo de cosas. Así que, finalmente tener a mucha gente que trabaja o que vive una gran cantidad de circunstancias puedan tener acceso a estas películas es algo increíblemente emocionante”, puntualizó Gina.  

Por otra parte, Camille Bui habló sobre su preocupación por los cines independientes, así como por las nuevas formas estéticas y discursivas en las que nos relacionamos con el cine. Destacó que actualmente es un proceso más analítico e intelectual, cuando en realidad se trata sobre pasión y emoción. 

Entre otros temas que se abordaron durante la mesa fue el “estancamiento cinéfilo” a partir de la nula postura crítica que se está gestando en el mundo, ya que desde el punto de vista de Bruno Andrade, los textos y discursos resultan tener las mismas opiniones sin diversidad alguna. 

En ese sentido, Jorge Negrete habló sobre la utilidad o practicidad de la crítica cinematográfica y cuya búsqueda parte del sistema capitalista en el que vivimos. Lo anterior, de acuerdo con Negrete, conlleva a pocas formas de disentir por temor a ser marginados o denostados. 

Durante la charla, también se habló sobre las redes sociales y su impacto en las opiniones sesgadas ya que desde la perspectiva de Gina Telaroli, éstas resultan ser un buen sitio para compartir información, pero al momento de pensar sobre cine terminan siendo un obstáculo pues de por medio está el simbolismo de los likes, comentarios, etcétera. Lo relevante, de acuerdo con Telaroli, es generar discusiones y debates, un motivo para hablar sobre lo que nos sucede como seres humanos más que pronunciar una sola verdad. 

El poder de la curaduría y las líneas editoriales bien definidas fueron los temas con los que la plática finalizó, y sobre ellos, los participantes destacaron que existen miles de posibilidades visuales a través de las diversas plataformas de servicios de streaming mediante el uso de algoritmos, sin embargo, comentaron que nunca serán lo mismo que el trabajo de un programador o curador. 

¡Te invitamos a disfrutar de la conversación completa en la página oficial de Facebook de  FICUNAM, así como en el canal de YouTube de la Cátedra Ingmar Berman!

Encuentros en vivo: La mami

Por Elvis Rodríguez

Este viernes 19 de marzo de 2021 dieron inicio los Encuentros en vivo de la décima primera edición de FICUNAM, a través de Facebook Live. Estas actividades buscan entablar una conversación entre la audiencia y los cineastas que presentan películas en nuestra sección Ahora México.

La primera charla fue moderada por Luis Rivera y protagonizada por Laura Herrero Garvín, directora del documental La Mami, y Lorenzo Mora, editor de este último. El filme nos ubica en el legendario cabaret Barba Azul para explorar un territorio inusual de convivencia en el baño de mujeres, lugar administrado por Doña Olga, alias “La Mami”.

En este sitio las “ficheras”, mujeres que trabajan bailando y acompañando a los clientes, se reúnen para vestirse, maquillarse y conversar con su administradora, quien las aconseja y fortalece. El íntimo trabajo de la directora logra crear un retrato que destruye los estigmas sociales hacia este tipo de trabajo, y nos une a un colectivo que busca la libertad, la valentía y el respeto de las mujeres.

La conversación inició con Laura Herrero Garvín explicando cómo conoció a La Mami. Su encuentro con Doña Olga fue en una visita al Barba Azul con la que pretendía conocer su ambiente musical, pero su interés cambió radicalmente cuando escuchó que una de las chicas entraba al baño para informar a La Mami que un hombre quería casarse con ella. Minutos después más chicas entraban y cruzaban palabras con la encargada del baño. La directora se dio cuenta que esta mujer era un pilar para las trabajadoras del cabaret y se acercó a ella para presentarse y exponer sus ganas por conocerla. La Mami le pidió que fuera el siguiente martes a las 9 pm, dando inicio al rodaje del documental.

En las primeras visitas de investigación, la realizadora se percató de la dificultad para colocar una cámara frente a las chicas del cabaret, ya que cargan con un juicio muy grande por parte de la sociedad. La misión de Laura fue ganarse la confianza de estas mujeres y entender que su presencia no era una invasión.

La cineasta propuso a las trabajadoras interesadas en participar cuatro formas para documentarlas: no aparecer, utilizar su voz, mostrar su cuerpo sin su rostro y con voz, y por último aparecer completamente. En un inicio sólo era un cuarteto quien protagonizaba la película, pero al final del rodaje terminaron siendo 15 participantes.

El editor Lorenzo Mora explicó que además de tener una estructura previa que guiaba el trabajo del documental, el montaje del material que se iba filmando diariamente permitió el descubrimiento de un tono íntimo y sensible que eliminó la posibilidad de una distancia entre la audiencia y el filme.

La directora expresó que la poca exploración hacia la pista de baile del cabaret pedía un tratamiento folclórico y una mirada erótica que contrastaba con la realidad de los sueños y preocupaciones que se decían en el baño, por lo que el mismo montaje exigía quedarse con el grupo de chicas y respetar su espacio.

La realizadora confesó que su interés por querer conocer a estos personajes se basa en las actitudes por transgredir y romper estructuras morales y de represión que permitan ver las verdaderas esencias humanas y entenderlas. Su filosofía y búsqueda se centra en la conexión con la gente y el resultado que se crea entre el que filma y el que es filmado. El respeto y la generosidad son clave para el documental.

Posteriormente se dio inicio a una sección de preguntas y respuestas donde resaltó la pregunta “¿Al ir conociendo a las mujeres fue cambiando la idea de lo que se quería transmitir del cabaret?”. Laura Herrero Garvín explicó que se tuvo que despegar del esquema inicial para encontrarse con posibilidades que cambiaban el ritmo y los matices de las chicas. Era importante dejarse fluir y conectarse a las variantes, pero teniendo claro el objetivo de la investigación.

Para finalizar los realizadores expresaron su emoción y felicidad por estar presentando La Mami en FICUNAM 11 y desearon que sea del agrado de todo el público.

Christian Petzold en FICUNAM: “Undine”, un mito en una nueva vestimenta

Por Fernanda Santiago Díaz

“El cine despierta a los espíritus en una habitación oscura con una pantalla. Es este espacio entre estar despierto y estar dormido”.
-Christian Petzold

En el marco de FICUNAM 11, el cineasta alemán Christian Petzold brinda una clase magistral, moderada por Claus Witte, en torno a su más reciente obra: Undine, que se podrá disfrutar como parte de la Sección Atlas del festival. Undine, una historiadora que guia exposiciones sobre la urbanización de Berlín, debe matar al hombre que la amaba y volver al agua, tal como contaba la mitología antigua.

Petzold nos comparte parte de su proceso creativo como cineasta. Su comienzo está en pensar y elegir a sus actores, así como en andar en bicicleta en busca de lugares que se convertirán en sus próximas locaciones. Para él, no se trata sólo de “escribir la historia en la mente, sino en relación a algo que ya existe”.

Parte del desafío de grabar Undine fue hacerlo bajo el agua, pues en un inicio se pensaba utilizar tecnología para simular el ambiente acuático, sin embargo, Petzold decidió que fuera algo más real, creando un paisaje subacuático dentro de una alberca que pudiera estar a 38°, para ello, como parte de la planeación de la película, él y su equipo se dedicaron medio año a observar acuarios. Mencionó que eso es parte de lo que le encanta de hacer películas, pues se trata de un proceso de inmersión al mundo que, tiempo después, nos muestra como una pieza cinematográfica.

Algo que sobresale en las películas y que en ocasiones no le damos el valor que tiene, es la edición. Bettina Bohler, quien lleva 25 años trabajando junto a Christian Petzold, fue la encargada de realizar dicho trabajo en Undine. Asimismo, destaca el trabajo en colaboración con Harun Farocki en la primera escritura del guión. Por ello, Petzold habla de un cine en colectivo y la importancia de convivir con su equipo para que sea y se sienta parte del proyecto.

“Crecí en una ciudad pequeña en la que no había cine, y el cine era una promesa que no estaba ahí. No podía ir al cine, iba a la biblioteca y sacaba libros sobre Hitchcock, es decir, yo llegué al cine a través de la escritura y de la lectura. A eso me refiero cuando digo que soy un director de la escritura o narrativo”, comparte el cineasta alemán.

Muchas veces creemos que hacer o dedicarse al cine implica solamente grabar, pero Petzold nos da un consejo: “mirar, mirar, mirar, vean películas con otras personas”, menciona.

Undine es el comienzo de una trilogía que planea explorar diferentes elementos. En esta primera entrega, se trata del agua. El director adelantó que para la siguiente película, que comenzará a grabar el próximo año, se abordará el elemento del fuego, y para la tercera aún se encuentra considerando el elemento en que se va a basar. 

Por último, Petzold comparte una reflexión sobre la masificación y el consumo del cine en plataformas de streaming: “Siento que cada cine tiene una personalidad,  había alguien que elegía las películas que proyectaban, no sólo por criterios económicos. Había un programa, una curaduría, y eso falta ahora en las plataformas de streaming”.

Mujeres brillan en la 11° ceremonia de premiación de crítica cinematográfica Fósforo

Por Fernanda Garza

Tres mujeres y un hombre fueron los ganadores en el 11° Concurso de crítica cinematográfica Alfonso Reyes “Fósforo”, cada quien, en su respectiva categoría, en el marco del Festival Internacional de Cine UNAM 2021.

En su primera edición completamente en línea del FICUNAM debido a la crisis sanitaria por la Covid-19, se celebró la ceremonia de premiación de crítica cinematográfica, entregando el primer lugar en la categoría de bachillerato a Camila González López con la pieza “Y en las lágrimas, Panquiaco”. La estudiante de la Escuela Nacional Preparatoria No.1” Gabino Barreda”, aseguró que fue un honor participar y estar presente en todas las dinámicas que brinda la UNAM para la creación literaria y crítica de cine.

El primer lugar en la categoría de Licenciatura fue anunciado por la maestra Patricia Martínez Torreblanca, Secretaria General de la Facultas de Ciencias Políticas y Sociales quien afirmó que “desde esta Facultad, nosotros no concedemos la crítica como un acto individual sino como un acto colectivo, como una mirada compartida respecto de cosas que se suceden y política”.

Torreblanca anunció como ganadora a Renata Iberia Muñoz, con el título “El Recuerdo es un cuerpo de agua viva”, procedente de la facultad de Filosofía y Letras quien compartió que el premio llegaba en un momento muy especial de su vida y agradeció a todos por el honor de haber participado.

Con el título: “El colchón”, bajo el pseudónimo “Shrek”, el primer lugar en la categoría de Posgrado fue otorgado a Matilda Grace Hague, estudiante de Maestría en Historia del Arte en el Instituto de investigaciones Estéticas. El premio fue anunciado por Sandra Lowe, Secretaria Académica de la ENAC quien agradeció “a les organizadores que ante esta contingencia sanitaria no se detuvieron para entregar a nuestro público este espacio tan vital”.

Gilberto Cornejo Alvarez, de la FCPyS se llevó el primer lugar en la categoría de Ex Alumnos y público en general después de, según dijo, haber participado ya varios años en este concurso de crítica cinematográfica, agregó que sentía muy feliz por todo lo que aprendió al ver películas “que no son de tan fácil acceso en México”. 

El premio anterior fue anunciado por el Lic. Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas, quien contó que siempre ha creído que la crítica cinematográfica es una forma de expresar amor por el cine. 

“Quien escribe crítica es porque adora el cine y porque conoce de manera tan íntima las emociones y las sensaciones que el cine es capaz de crear que nos quieren decir cuándo y cómo es que esas emociones y sensaciones pueden ser compartidas y de algún modo nos invitan a ver cine”, expresó Hugo Villa.

Durante el evento anunciaron que las reseñas ganadoras se publicarán en un número especial de la revista “Punto de Partida”, para darle voz a los universitarios. 

Al principio de la ceremonia de premiación se otorgaron las menciones honoríficas a Samuel Eduardo Rafael Calzada, en la categoría de Bachillerato; a Isaac Abisai Terrazas Lase y a  César Mariano Martínez en Licenciatura; a Carlos Alberto Carrizales y Óscar Daniel Badillo  y en posgrado; y a Carlos Andrés Torres Cabrera en la categoría de Ex alumnos y público en general.

Comienza FICUNAM 11, por primera vez completamente en línea

Por Fernanda Santiago Díaz

“Vemos en FICUNAM la posibilidad de generar diálogos entre culturas, audiencias y creadores. Un espacio para fortalecer nuestra memoria y provocar esperanza en el futuro”.

-Abril Alzaga, Directora ejecutiva de FICUNAM

“Muchas de las películas que verán, sin duda los transportarán a lugares fuera de esta tensa cotidianidad, gobernada por un modo de vida virtual desmedido y alienante; esperamos sacarlos de este momentáneamente y, con ello, aligerar el paso de sus días”.

-Michel Lipkes, Director artístico de FICUNAM 

Inicia la décima primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM, que por primera vez se llevará a cabo completamente en línea. La ceremonia se realizó de manera virtual, con transmisiones en vivo por TV UNAM, y las redes de FICUNAM en Facebook y YouTube. 

Hugo Villa, Director General de Actividades Cinematográficas de la UNAM, dio la bienvenida al público recalcando que “el Festival de cine de la Universidad sigue aquí porque sabemos que ustedes siguen ahí”. Asegurando que pronto volveremos a encontrarnos para seguir disfrutando y compartiendo el amor por el cine.

Asimismo, Vanessa Bohórquez, Secretaria de Cultura de la Ciudad de México, compartió una reflexión sobre el cine, mencionando que éste “intenta retratar la realidad, la ficción que nos rodea, y también la cuestiona y la reinventa, ahora más que nunca en un contexto en el que toda la humanidad ha tenido que cambiar”.

Por su parte, la Directora General del Instituto Mexicano de Cinematografía, María Novaro, habló de la relevancia de esta edición completamente virtual. Destacó que habrá puntos favorables para el desarrollo del festival, pues considera que será un FICUNAM que alcance muchas más regiones del país, y con ello continuará su labor de formar públicos, apelar a sus emociones e inteligencias con una gran programación de cine divergente.

Jorge Volpi, Coordinador de Difusión Cultural, también fue parte de la ceremonia de inauguración, en la que agradeció al Festival y mencionó que recorreremos el mundo y atestiguamos esas miradas únicas que durante toda su historia el FICUNAM se ha encargado de buscar y visibilizar. 

Como lo expresó Abril Alzaga, Directora ejecutiva del festival, “el FICUNAM es un espacio para fortalecer nuestra memoria y provocar esperanza en el futuro, integrando un programa que plasme la diversidad, busque equidad y proponga narrativas ―necesarias― en las que nos sintamos representadas, representados.y representades”.

Posteriormente, Michel Lipkes, Director artístico de FICUNAM, agradeció a todas las personas y organizaciones que hacen que sea posible una edición más del festival, en la que espera, se provoquen experiencias significativas con la cartelera de películas seleccionadas de manera cuidadosa para, en sus palabras, “fomentar la libertad en una sociedad que sigue buscando el camino hacia un mundo donde las utopías persisten”.

Finalmente, el Dr. Enrique Graue, rector de la Universidad Nacional Autónoma de México, habló de la importancia de las artes ―y por supuesto, el cine― para “estimular y experimentar ilusiones que contrastamos con nuestros espacios y vivencias, buscando hacer más íntima la relación entre el espectador y su pantalla”, dando por inaugurada la décima primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM.

Atravesamos por momentos muy complicados, la incertidumbre del porvenir se encuentra presente. Encontremos en el cine una ilusión y esperanza de que pronto nos reuniremos. Comencemos con un nuevo ciclo donde las distintas miradas se encuentren en el arte cinematográfico. ¡Bienvenidas y bienvenidos!

FICUNAM 11 y Cine Tonalá anuncian el estreno mundial del cortometraje A DAY IN A LIFE

El Festival Internacional de Cine UNAM, FICUNAM, en el marco de su décima primera edición, y Cine Tonalá, tienen el gusto de invitarlos al estreno mundial del cortometraje A Day in a Life, dirigido por Jonathan Velasquez y Larry Clark, que se llevará a cabo el sábado 20 de marzo a las 19:00 en la plataforma Tonalá Live.

Además, el domingo 21 de marzo a las 17:00 se realizará un Encuentro en vivo con Jonathan Velasquez vía FB Live, moderado por Michel Lipkes, director artístico de FICUNAM.

¡Los esperamos!