Albert-Serra-Fijo

Una revisión al imaginario cinematográfico de Albert Serra en FICUNAM 13

Una revisión al imaginario cinematográfico de Albert Serra en FICUNAM 13​

Para el Festival Internacional de Cine UNAM es un placer anunciar la retrospectiva Devoción impía: El cine de Albert Serra, coorganizada conjuntamente con el Institut Ramon Llull y con el apoyo de Acción Cultural Española AC/E, dedicada al reconocido cineasta y artista catalán en su decimotercera edición. Las primeras actividades de este programa inician con la conferencia “La muerte de Luis XIV” —con presencia de Albert Serra— presentada en conjunto con el Museo Tamayo el 28 de marzo en el marco de la exhibición Roi Soleil, que se extenderá hasta el 4 de junio en espacios del Museo.

Radical, iconoclasta y provocador, Albert Serra ha consolidado un cuerpo de obra único en el cine contemporáneo. Con estudios en Filología Hispánica y Literatura Comparada, Serra descubrió en el lenguaje cinematográfico una poderosa forma de expresión detonada por el cine de autores como Pedro Costa, Hong Sang soo y Apichatpong Weerasethakul, cuyos estilos permean su filmografía inicial, dedicada a la apropiación impía de grandes clásicos de la literatura.

Su carrera como cineasta comenzó en 2006 con Honor de cavalleria, una reinterpretación experimental del Quijote de Cervantes. Con esta película sentó las bases de un estilo propio al margen de la historia del cine y de modelos convencionales de producción, combinando la belleza visual del cine digital con la profundidad actoral, la economía de recursos con un trasfondo crítico. Más tarde, en El cant dels ocells (2008), a partir de un pasaje de la Biblia sigue a los Tres Reyes Magos en su viaje a Belén centrándose de forma minimalista en los detalles más mundanos de su viaje, convirtiendo esta obra en una exploración de la fe, la amistad y la vida misma.

La obra fílmica de Serra es indivisible de su amplio bagaje teórico literario. Conjunta lo mismo a personajes históricos que de ficción, como en Història de la meva mort (2013), donde se interesa en la figura del escritor Giacomo Casanova y su relación con la muerte en un encuentro imaginario con el personaje literario Drácula.

Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de la República Francesa, asiduo de importantes foros como el Festival de Cannes, el Centro Pompidou, Tate Modern, Documenta de Kassel o la Bienal de Venecia, entre la filmografía poética y altamente conceptual de Serra se destacan títulos como La mort de Louis XIV (2016), donde medita sobre la banalidad de la muerte teniendo como marco los últimos días del llamado Rey Sol, personaje de la historia francesa a quien también dedica el filme experimental Roi Soleil (2018). También, Liberté (2019), una película sobre el deseo, la libertad sexual y la moralidad en la Francia del siglo XVIII. Con Pacifiction (2022), su más reciente largometraje considerado como una de sus obras magnas, Serra explora el film noir para conformar una historia de intriga política y poscolonialismo en la polinesia francesa, expandiendo los alcances de una de las filmografías del cine autoral contemporáneo en activo más trascendentes y cautivantes.

Por su parte, el Museo Tamayo albergará la exposición Roi Soleil, donde Serra pone en escena la agonía de Luis XIV —figura alegórica de la decadencia— mediante un performance interpretado por un actor no profesional vestido con traje de época, cuyo registro resulta en una producción postconceptual. Roi Soleil estará abierta al público hasta el 4 de junio.

India-Song-Fijo

Destruir, dice. Una playlist para Marguerite Duras

Destruir, dice. Una playlist para Marguerite Duras

Por Pablo Rendón

La música, a menudo empleada de forma incidental, es un elemento fundamental en la obra de Marguerite Duras. Mientras que la música extradiegética suele permanecer aislada y es apenas distinguible, en la obra de Duras cobra un rol protagónico. Así, en un primerísimo primer plano, las melodías que acompañan las imágenes son parte integral de la estructura fílmica: funcionan como elemento desestabilizador que complica la narrativa.

El nombre de Carlos d’Alessio, compositor de vanguardia nacido en Argentina, está invariablemente ligado al cine de Duras. Si bien su primera colaboración se dio en los albores de 1974, cuando la realizadora francesa, que había quedado fascinada con el sentimiento que d’Alessio imprimía en sus composiciones, le encomendó la tarea de musicalizar su película La mujer del Ganges, fue hasta un año después, en 1975, que habría de afianzarse como su compositor de cabecera con India Song: la banda sonora de la película fue tan exitosa que incluso Jeanne Moreau puso su voz, con una letra de la propia Duras, en la melodía del argentino.

Existe, sin embargo, toda una serie de sonidos que forman parte de ese corpus polifónico que es la obra de Duras entre los que se encuentran los nombres de grandes compositores de Ios últimos tres siglos: Bach, Beethoven, Rajmáninov y Stravinsky dan cuenta de otra de sus grandes pasiones: la música clásica. Sólo por mencionar algunos ejemplos, las variaciones sobre un vals de Diabelli, de Johan Sebastian Bach, sirven como contrapunto a la música compuesta por Carlos d’Alessio en India Song, mientras que en Nathalie Granger la niña del mismo nombre ejecuta en el piano, distraída y de manera torpe, los estudios de Carl Czerny.

Para acompañar la retrospectiva Destruir, dice. El cine de Marguerite Duras, que FICUNAM dedica a la escritora y realizadora francesa, cuya obra se caracteriza por una exploración poética de temas como la memoria, el erotismo, la identidad y el colonialismo, nos hemos dado a la tarea de recopilar las canciones que le habitan no sólo como elementos anecdóticos sino como personajes centrales. Bienvenidos, bienvenidas, a este que es también el universo musical de Marguerite Duras.

Marguerite-Duras-Fijo

Marguerite Duras en FICUNAM 13

FICUNAM 13 dedicará una retrospectiva a Marguerite Duras

“Todavía no estoy plenamente consciente de lo que he encontrado en el cine. Estaré muerta cuando alguien descubra por qué es tan poderoso. Mientras haga películas, mientras viva, sé que debo ignorarlo, procuro ignorarlo”.
Marguerite Duras

Para el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) es un placer anunciar la retrospectiva Destruir, dice. El cine de Marguerite Duras, que junto al Instituto Francés de América Latina y el IF Cinéma, dedica a una de las figuras más importantes de la literatura y el cine francés del siglo XX: Marguerite Germaine Marie Donnadieu, conocida por el mundo entero como Marguerite Duras, polémica e influyente para generaciones enteras dentro y fuera de Francia. 

Nacida el 4 de abril de 1914 en la región de Gia Định, en Vietnam, en una familia con aspiraciones aristocráticas en la Indochina colonial, Duras militó en el Partido Comunista y la Resistencia Francesa durante la Segunda Guerra Mundial, periodo en el que publicó su primera novela, Les impudents. Si bien su obra primaria contó con cierta influencia de la literatura americana, una forma narrativa proclive a la exploración vanguardista y un pensamiento cada vez más punzante y disruptivo configuraron una escritura a modo de historia personal individualista y frenética, realista y fantasiosa, que convertirían su obra literaria en pieza fundamental para las artes y el pensamiento. 

Comenzó a involucrarse en el medio fílmico en 1957, cuando René Clément adaptó y dirigió su novela Un barrage contre le Pacifique, presentada bajo el título de This Angry Age. Dos años después, en 1959, se incorporó de lleno como guionista de Hiroshima mon amour, dirigida por Alain Resnais, filme por el que fue nominada al premio Oscar en 1961 a Mejor Guión Original. Marguerite Duras ya era una escritora consagrada cuando inició su carrera como directora, en principio motivada por el descontento de ver plasmadas sus obras siguiendo modelos realistas de representación.

El cine de Duras se caracteriza por una exploración poética de temas como la memoria, el erotismo, la identidad y el colonialismo. Sus películas (diecinueve, realizadas entre 1966 y 1985 e inseparables del cuerpo completo de su obra) no siguen convenciones formales ni narrativas, mezclan elementos poéticos y ensayísticos y revelan inquietudes políticas y psicológicas. Su trabajo cinematográfico dialoga con su producción literaria debido a una obsesión común por el placer de la palabra, lo sugerido, el fuera de campo y el rol de la mirada. Su cine posee cierta cualidad táctil que antepone lo sensorial a lo narrativo, brindando un espacio de subjetividad femenina que se presenta como una alternativa a la objetivación de la mujer en el cine convencional. 

El legado cinematográfico de Marguerite Duras sigue siendo objeto de estudios a nivel mundial en el ámbito académico y feminista. De su obra, equiparada en aporte a la de Jean-Marie Straub, Jean-Luc Godard y Chantal Akerman, el FICUNAM ofrecerá una filmografía selecta e influyente para acercar al público a una de las expresiones más cautivantes del cine moderno. Bienvenidos, bienvenidas, a este poderoso universo Duras.

Umbrales-Fijo

La Gira FICUNAM presenta el ciclo Umbral 0. Síntesis FICUNAM en Casa Europa del Círculo de Bellas Artes de Madrid

La Gira FICUNAM presenta el ciclo Umbral 0. Síntesis FICUNAM en Casa Europa del Círculo de Bellas Artes de Madrid

Como parte de la GIRA del Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), se presentarán este jueves 23 de febrero y el viernes 3 marzo en Casa Europa del Círculo de Bellas Artes de Madrid dos programas conformados por una selección con trabajos de su sección UMBRALES, una muestra dedicada a las expresiones más libres y radicales de la vanguardia cinematográfica. Películas internacionales y mexicanas, de artistas y cineastas reconocidos y emergentes, permiten homenajes y revisiones donde hitos y clásicos del género conviven con lo contemporáneo en permanente interlocución.

La primera entrega de UMBRAL 0, programa de comisión de cine experimental presentado por Síntesis de Cultura UNAM, consiste en cuatro películas encargadas por el festival a cineastas de México y Latinoamérica con trayectoria y reconocimiento internacional en el ámbito del cine de vanguardia y del arte. Estas comisiones tuvieron su estreno mundial en la decimosegunda edición de FICUNAM.

La presentación del primer programa, a realizarse el jueves 23 de febrero, correrá a cargo de Maximiliano Cruz, Director Artístico de FICUNAM, y de Juan Ayala, Secretario Técnico de Planeación y Programación de CulturaUNAM.

Jueves 23 de febrero

TEPONAZTLI Colectivo Los Ingrávidos, México, 2022, 38 min, VO

LUNGTA Alexandra Cuesta, México / Ecuador, 2022, 10 min, VO

Viernes 3 de marzo

ATADOS LOS AÑOS ENGULLEN LA TIERRA, Clemente Castor, México, 2022, 40 min, VO

PUERTA A PUERTA, Jessica Sarah Rinland y Luis Arnías, México / Estados Unidos / Venezuela, 2022, 10 min

Para adquirir entradas para las presentaciones, consulta la página del Círculo de Bellas Artes de Madrid.

HugoVillaFijo

FICUNAM 12 marca el regreso a los espacios universitarios de la UNAM

FICUNAM 12 marca el regreso a los espacios universitarios de la UNAM

El regreso de festivales como el FICUNAM recuerdan la importancia de la cultura como catalizadora de ideas y el sentimiento de comunidad que tanto anhelábamos. FICUNAM es además, una oportunidad de intercambio intenso con otras culturas y expresiones artísticas.

El Festival de la Universidad tuvo un alcance de más de 4.5 millones de espectadores entre los asistentes en sala, la programación virtual y la audiencia televisiva, muestra el poder del cine para convocar al encuentro con el mundo a través de las pantallas, los diálogos y las actividades artísticas. 

Con una convocatoria que contó con 360 trabajos fílmicos, se seleccionaron 12 películas en la Competencia Internacional; 12 en Ahora México y 9 en Aciertos. 26 actividades académicas, la participación de 63 invitados internacionales y 62 nacionales. 170 títulos de 43 países y 235 funciones fílmicas en total.

Además, se publicó Umbrales, se realizó el diario sonoro del FICUNAM a través de El Retorno a la razón y se produjo el Podcast Ecos, para entrar en una dimensión distinta de la creación cinematográfica. 

FICUNAM, con 12 sedes presenciales y 18 salas o espacios de exhibición en la Ciudad de México, se propuso ir más allá a través de 3 plataformas de streaming: MUBI, FilminLatino y Cine en línea de Filmoteca UNAM; y 2 dos canales de televisión: TV UNAM y Canal 22, llegando a todos los rincones del país y, por primera vez, a algunos países de  Latinoamérica.

Siempre apostando por la innovación, sin dejar los referentes históricos y el valor del cine de archivo, el FICUNAM se mantiene como un referente de la exhibición del cine en México. 

Punto-Fijo

Punto de vista: Encuentro de nuevas narrativas. Subversiones experimentales – Una perspectiva latinoamericana

Punto de vista: Encuentro de nuevas narrativas. Subversiones experimentales – Una perspectiva latinoamericana

Por Leonardo Yeldan

La conversación tuvo lugar en el Complejo Cultural Los Pinos, moderada por Elena Pardo, donde se dio un espacio de discusión y reflexión bajo las perspectivas de las cineastas Alexandra Cuesta, Laura Huertas Millán y Jessica Sarah Rinland.

Las directoras, además de vincularse en la creación de cine experimental, conversaron acerca de su formación académica cinematográfica. Coincidieron en recibir su educación lejos de su país de origen, lugares como Francia, Estados Unidos e Inglaterra, fueron las comunidades que las acogieron. Esta similitud generó la pregunta: ¿a qué se debe esta migración creativa en el cine? Las cineastas respondieron que, a pesar de compartir una filmografía que teje un vínculo de identidad latinoamericana, la falta de espacios, de apoyo y oportunidad para generar comunidades, es algo constante en el ecosistema artístico de Latinoamérica. Asimismo, se habló de la importancia del apoyo a las escuelas de cine, pues son espacios donde las nuevas voces pueden focalizar sus propias reflexiones creativas.

De igual forma, Laura Huertas Millán recalcó que el extranjero no es el mejor lugar para reafirmar la identidad latinoamericana, debido no sólo a la distancia geográfica que hay con sus ciudades natales, sino a la carga racista que sigue existiendo hacia las y los latinoamericanos.

Asimismo, la charla dio a lugar a una suerte de epifanía alrededor del adjetivo “experimental” y cómo las directoras se sentían poco identificadas con el término. Lo experimental, contaron, siempre ha sido una noción que es determinada en los espacios intelectuales hegemónicos, donde éstos deciden qué obras portan esta cualidad. Las características experimentales de los filmes están ligadas, casi siempre, a un jurado que parte de la escuela estadounidense, escuela que plasma una realidad delimitada y que, la mayoría de las veces, ignora lo que puede llegar a ser experimental desde la experiencia latina. Laura Huertas Millán añadió que el cine experimental hegemónico está íntimamente relacionado con las posibilidades digitales y de producción de los países primermundistas. De ser así, las oportunidades de las y los cineastas de entrar en esta categoría son limitadas, lo que llegaría a discriminar las nuevas nociones de lo experimental latinoamericano, pues, en palabras de Jessica Sarah Rinland, “todos estamos experimentando de alguna manera”.

De esta forma, lo experimental llega a reivindicar una metodología cinematográfica no comercial, sin embargo, limita las posibilidades del cine latino en los festivales y en otros espacios, donde las valiosas propuestas de la perspectiva latinoamericana pueden llegar a ser ignoradas.

Pulsos-Fijo

La cineasta Elena Pardo presentó ‘Pulsos subterráneos’ en el Museo Experimental ‘El Eco’

La cineasta Elena Pardo presentó Pulsos Subterráneos en el Museo Experimental ‘El Eco’

Por Ximena Piña

Este viernes 18 de marzo en el Museo Experimental el Eco, y como parte del programa Umbral Expandido de la nueva sección Umbrales, se llevó a cabo la presentación de “Pulsos subterráneos” de Elena Pardo, una función de cine expandido con sonorización en vivo realizada por Juan Sebastián Lach y Misha Marks y presentada en colaboración con Síntesis.

Paola Santoscoy, directora del Museo, fue quien dio inicio al evento expresando su alegría por poder retomar las actividades culturales en el recinto después de estar suspendidas durante dos años debido a la pandemia. Por su parte, Maximiliano Cruz, Director artístico del FICUNAM, continuó la presentación agradeciendo a Elena, Juan y Misha por haber aceptado la aventura y al programa Síntesis por darle vida al evento.

Con esto dio inicio la función, que se realizó en un patio del Museo donde en un extremo se proyectaban imágenes y en el otro Elena, Juan y Misha trabajaban para darle vida. Elena controlaba tres proyectores de 16mm que usaba de manera alterna; Juan manejaba la computadora y el sintetizador: y Misha tocaba la tuba. 

La proyección incluía imágenes de raíces, árboles, bosques, minas, dinamita y paisajes de Oaxaca y Zacatecas. En estos paisajes se podían escuchar voces que expresaban: “Sin nuestro territorio no existimos”, “en Oaxaca es donde hay más esperanza y resistencia”, y “ya se nos está acabando nuestro pueblito, por todos lado está completamente corroído”.

Una vez que terminó la proyección, después de los aplausos recibidos, Elena, Juan y Misha pasaron al frente para platicar un poco más sobre su proyecto y la crítica que este realiza contra la minería, la cual no puede ser sustentable en ningún sentido. Para conocer más sobre el tema visita: https://pulsossubterraneos.com/.

Por último, Elena comentó que los materiales presentados fueron filmados a lo largo de tres años y era la primera vez que realizaba la función en su totalidad, subrayando: “La posibilidad en el cine expandido, nunca está cerrada”.

Te compartimos nuestra galería de fotos, cortesía de Incendiarios.

Richard-Fijo

Seminario El público del futuro. Mutaciones y cine de vanguardia, movimientos del cine experimental. Clase magistral con Richard Peña en 16mm

Seminario El público del futuro. Mutaciones y cine de vanguardia, movimientos del cine experimental. Clase magistral con Richard Peña en 16mm

Por Giselle Vidal

El formato de película cinematográfica 16mm fue introducido por Eastman Kodak en 1923 como una alternativa económica al formato convencional de 35mm.

El 18 de marzo de 2022 se llevó a cabo en Cine Tonalá el Seminario El público del futuro, una clase magistral del prestigioso programador estadounidense Richard Peña, quien para dar comienzo a la clase magistral dio el contexto histórico acerca del Super 8. 

Aquí un resumen en 16mm:

1.- Los medios portátiles no son exclusivos del presente, son extensiones de nuestro ser físico y sensorial, fungen como interfaces entre nosotros y los contenidos culturales.

2.- Cuando los medios son portátiles, surgen conceptos afines: accesibilidad, asequibilidad, facilidad de uso, durabilidad, adaptabilidad y programabilidad, lo que hace cuestionarnos acerca de la experiencia y uso de los mismos.

3- Los medios portátiles han permitido transformaciones de conceptos y prácticas básicas, no solo de hacer, mirar y escuchar, sino de la educación y el ocio. 

4.- Las salas de cine son difícilmente transportables, la construcción y creación de estos espacios son fundamentales para las experiencias para las historias grabadas.

5.- Nuestra fascinación por las salas de cine va de la mano de estas construcciones arquitectónicas con la iluminación, ampliación y actuación a gran escala. Sin embargo, ha empañado nuestra capacidad para ver la gama completa de dispositivos de grabación de películas.

6.- Estos dispositivos portátiles han permitido que surjan formas distintas del cine teatral.

7.- Esta visión ampliada de la historia de los medios también demuestra que las cámaras portátiles y los dispositivos de visualización, descienden de este linaje de dispositivos del siglo XX.

8.- Una parte del comercio estadounidense utilizó cámaras y proyectores portátiles para sus actividades de comunicación, relaciones públicas, publicidad e incluso exhibición y a finales de los años treintas el uso en escuelas, domicilios particulares.

9.- El formato Super 8 de calibre pequeño fue desarrollado por la compañía KODAK en 1965, tiene orificios de entrada dentada que su predecesor regular estándar, lo que significa que la imagen se extienden sobre una franja más amplia y que hay una imagen más clara y más definida.

10.- El formato de calibre pequeño 16mm tenía una imagen tres veces más grande, además fue el indicador de uso para aficionados de películas caseras o de consumo familiar. Después de la guerra, este formato era donde comúnmente se grababan las noticias de televisión, lo que en consecuencia hizo que hubiera mejoras en las películas disponibles. 

11.- 16mm se volvió la película preferida para una nueva generación de cineastas independientes, era más accesible económicamente y estaba a disposición de nuevas plataformas como cineclubes universitarios o cines independientes. 

12.- Para los cineastas entre el Super 8 y el 16mm, la fragilidad y la delicadeza del calibre se utilizaron para reflejar los espacios físicos y psicológicos más privados de la vida cotidiana.

13.- El bajo costo del Super 8 permitió a las personas experimentar en proyectos.

14.- Bolívar, Sinfonía Tropical fue la primer película originada en Super 8 que se mostró en la sección oficial del festival de cine de Cannes.

15.- El punk retomó una idea que había sido pionera en los años sesentas: la creación de instalaciones visuales. 

16.- Super 8 hizo avances en las universidades estadounidense, el bajo costo del equipo y procesamiento convirtieron en una alternativa atractiva, debido a que cada vez más los estudiantes querían estudiar cine. 

Seminario-Fijo

Seminario El público del futuro. Relación viva entre la creación, los agentes culturales y el pensamiento fílmico

Seminario El público del futuro. Relación viva entre la creación, los agentes culturales y el pensamiento fílmico

Por Giselle Vidal

El pasado 18 de marzo se celebró el Seminario El público del futuro, cuyo tema central fue la relación viva entre la creación, los agentes culturales y el pensamiento fílmico. Como ponentes contamos con la participación de Clemente Castor, Davani Varillas de Los Ingrávidos, Alexandra Cuesta, Maximiliano Cruz y Juan Ayala.

Maximiliano Cruz nos habló acerca del programa de comisionado Umbrales, y explicó su finalidad de dar más visibilidad al cine experimental y congregarse en el Festival Internacional de Cine UNAM; confesó que está idea no es nueva, ya se había planteado y realizado en otras ediciones, pero que en esta ocasión se decidió dar comienzo oficialmente con este espacio.

“Fue una gran coincidencia esta idea, me agrada hacer este cine experimental y darle cabida a nuevos lenguajes, es una fortuna que se dio el lugar, el espacio y el tiempo”, comentó con emoción Juan Ayala. Además, la cineasta y artista visual Alexandra Cuesta coincide con que esta es una gran oportunidad para dar visibilidad a este cine no tan convencional y que, en consecuencia, se rompan las limitantes hegemonías en latinoamérica, ya que en general estos espacios sólo existen en el hemisferio norte. 

Alexandra nos comparte que el trabajar con varias limitaciones, en específico el tiempo, ha sido todo un proceso bastante complejo y nos relata su proceso de creación: “encontré una película 16mm de hace 15 años aproximadamente, era uno de mis primero trabajos… y retomar este material que era el retrato de una población de Ecuador fue muy enriquecedor e inspirador”.

Maximiliano señala que la idea de Umbrales es romper las hegemonías limitantes del hemisferio norte porque llegó a abrir espacios para este tipo de cine latinoamericano; además, el director de cine Clemente Castor añadió al comentario que Umbrales no tiene esta forma típica de accionar, no es como con otro tipo de convocatorias y/o financiamientos.

“Cuando comencé a filmar esta película tuve ciertas dificultades al crearla, sentía cierta incomodidad sobre cómo estaba haciéndola y me centré en buscar a nuevos actores y quien pudiera apoyarme en la fotografía”, compartió en esta charla Clemente Castor quien nos habla acerca de el proceso de investigación e inspiración de su película y está recolección de datos. 

Posteriormente, Davani del colectivo Los Ingrávidos, nos habla de su experiencia cuando comisionaron su obra Teponaztli, quienes en su momento comenzaron a investigar acerca del pensamiento mágico/chamanico, además de hablar acerca del retorno de los dioses y el cuerpo de la película/celuloide. Expone que los espacios son especialmente los personajes como chalma, Tehuacán y otros y esta relación con lo prehispánico en tiempos actuales. Además, comenta que hicieron esta relación con el cine chamanico de Raúl Ruiz, que es un llamado a nuestros ancestros. 

“Esta obra es muy distinta a las anteriores, no deja de tener similitudes pero es distinta, mi proceso de trabajo no es principalmente crear un guion, yo hacía foto fija y me agrada pensar cómo desde atrás de la cámara”, nos comparte Alexandra Cuesta. “El cine no es una representación de la realidad, es más bien una manifestación del tipo documental y espiritual. El cine es algo más físico, más como una escultura que hay que trabajar.”

Davani, de Los Ingrávidos, expone que la percusión es algo importante dentro de las obras del colectivo, es una influencia importante. Además, Clemente Castor nos relata que en su adolescencia su forma de comunicarse era la imagen, “la sensación de algunas imágenes sueltas y una búsqueda de comunicación a través de las imágenes sin una narrativa establecida”. Asimismo, Juan Ayala concuerda que la adición de la música y el cine es un eje muy acertado con los procesos de integración en la experimentación, es una ruptura constante, una apertura en la experimentación, quien además hace una remembranza del voguing. 

Maximiliano expone con emoción que “el saber que Umbrales de estas dinámicas con los cineastas y el cine en general, da cabida en el cine experimental, este portal para romper estos cánones y visibilizar la variada experimentación del cine”. Además señala que la comisión de obra está alejada de lo mercantil, se salta la convocatoria, es muy complicado, debido a que no hay tantos espacios de diálogo. La pandemia dio la oportunidad de abrir la puerta a este cine experimental que ya existía. Umbrales se concibió con esta visión nacional, hay una intención muy clara de que existe este tipo de cine, y que los creadores tanto como el público sean parte de este procesos.

Shadow-Fijo

Conferencia-performance: Shadowboxing de Laura Huertas Millán

Conferencia-performance: Shadowboxing, de Laura Huertas Millán

Por Sofía Roa 

¿Contra qué estás peleando?
Laura Huertas Millán

En la décima segunda edición del FICUNAM el jueves 17 de marzo en el Auditorio MUAC, con el apoyo de la DRAC Île-de-France – Ministère de la Culture y de Mécènes du Sud, en la sección Umbral Expandido se llevó a cabo la conferencia performática Shadowboxing (2021), dirigida por Laura Huertas Millán, cineasta y artista visual franco-colombiana cuya práctica se posiciona en el cruce entre cine, arte contemporáneo e investigación histórica. 

Shadowboxing (2021) es la obra más reciente de Laura y que está en permanente proceso, en la que mediante el boxeo —deporte que practica la cineasta— se presentan las múltiples búsquedas de emancipación vividas individual y colectivamente, las cuales están inspirada en las peleas de los rings para relacionarlas con las luchas constantes contra la violencia racial y de género.

Las primeras imágenes del material proyectan un álbum de fotos que nos muestra a la persona que le heredaría el gusto por el boxeo a Laura, su abuelo, posteriormente la voz del padre de Laura da inicio al performance presentándola como la artista Laura Huertas. 

Al igual que en el box, a través del ritmo Laura crea una melodía con “Lento” de Karlek & JH Beats, en la que explica cómo se siente la práctica del boxeo, sea el uso del cuerpo, la pelea misma, la libertad del movimiento o la fuerza con la que se actúa. En las rimas se escucha: “me puse el traje anticuado de la habilidad para que al oírme murmure sus secretos, voy buscando cuerpo en libertad”, “subir al ring es una cuestión de actitud bling bling bling…”. Esta es una de las muchas formas en la que la artista presenta su obra, pues dependiendo del lugar su proyección puede variar. 

Durante el performance y en la puesta en escena el tema del boxeo y género es parte esencial del proyecto de Laura, ya que a través de una construcción histórica se habla de la lucha de las mujeres anglosajonas contra las restricciones que limitaban sus actividades, así como de la búsqueda de crear un tipo de boxeo menos combativo y menos agresivo. 

Por otro lado, son representadas imágenes de Laura practicando boxeo relacionadas con la lucha que día a día tiene consigo misma, pues en su diálogo menciona: “en el club de boxeo me siento emancipada del género, mi cuerpo elástico se mueve a todas las direcciones, me convierto en otra persona, alguien que siempre he sido, pero con un color resaltado por otro”, a la vez que se muestran imágenes de las luchas por parte de la comunidad LGTB+.

“¿Cómo reconciliar los dos polos, el de la hipermasculinidad del boxeo y el de la consciencia de su toxicidad?”, mencionó Laura mientras reflexiona sobre su entorno en el Club deportivo, lugar donde practica boxeo, con el que nos muestra como en un espacio puedes mirarte, mirar al otro y cuestionarte sobre ¿qué hacemos?, ¿quiénes somos?, ¿qué encontramos? Sobre esto, fueron también proyectadas imágenes de París y de protestas colombianas, ambas cercanas a Laura, comentó: “filmar París ya no como un lugar de deriva y romanticismo, sino un lugar de lucha y ultra capitalismo”.

Poco antes de finalizar el performance se escucha “Too Correct” de Crayon & Rema con la que transcurrían las imágenes de boxeadores de alto reconocimiento para pasar a las imágenes en movimiento de dos boxeadores, uno francés y otro colombiano a quien se le pregunta: ¿Contra qué estás peleando?

Al finalizar la conferencia, la cineasta contestó algunas de las inquietudes del público; sobre los orígenes de Shadowboxing (2021) Laura mencionó: “empecé a hacer boxeo porque desde niña siempre he tenido una fascinación por las artes marciales y además sin tener idea de que mi abuelo era boxeador (…) entonces todas la veces que iba a entrenar salía del entrenamiento y empezaba a escribir en mi teléfono frenéticamente, de hecho son esas las notas que leo en el performance”.

Por último, acerca de la decisión de hacerlo desde un performance, Laura comentó: “desde hace muchos años hago películas y veo documental experimental, y hubo en mí una fatiga de las voces en off en vínculos con imágenes. De repente incluir algo que viene a crear otra tensión como desafío para mí me llevó a esto, y también me inspiró mucho cuando di clase en una universidad como los poetas y las poetas leen su obra, siempre tiene algo performativo y al mismo tiempo siempre tiene el texto, pero igual tiene que ver mucho con la historia del cine como tal”.