CONVERSATORIO Contra Individuo: Creando en colectivo

YI Hagamos lumbre + Unidad de Montaje Dialéctico + Los Ingrávidos +Maxa Huyeya

Por Leo Ovalle

En el marco de la celebración del cine, se llevó a cabo el viernes 2 de Junio a las 12:30 hrs en el auditorio del Museo Tamayo, el conversatorio Contra Individuo: Creando en colectivo. Dicha conversación fue moderada por Max Cruz, director artístico de FICUNAM, en donde recalcó la importancia de la variedad que existe entre los colectivos que se encontraban presentes: YI Hagamos lumbre, Unidad de Montaje Dialéctico, Colectivo Colmena, Los ingrávidos y Maxa Huyeya. 

La importancia de realizar este conversatorio surge de la necesidad de explorar los oficios de colaboración no convencionales, mediante las prácticas contemporáneas. Así como compartir y reflexionar sobre los hechos que los han llevado a nombrarse como colectivos y todas las relaciones que surgen entorno a esta  característica tan peculiar. 

Las contradicciones de la época enfocadas al arte fue un aspecto que se sostuvo, en donde todos los colectivos coincidieron en que a pesar de tener un trabajo colaborativo sano, cada uno presenta una atmósfera diferente que los llevan a tomar direcciones basadas en su razón de existir o sus principios establecidos. “Si nuestros ideales de vida son suficientemente distintos para no caminar juntes o si caminar juntes, es decir en colectivo” mencionó Luna M, directora general del colectivo YI Hagamos lumbre. 

La clandestinidad fue posiblemente una de las palabras que tuvo mayor énfasis, en donde se habló de lo que representa esta característica para componerse como colectivo, así cómo la realidad que representa en el ámbito cinematográfico. 

Max Cruz, director artístico de FICUNAM, cerró la conversación con lo siguiente: “Los colectivos en cuanto a su postura también son reactivos en cuanto a su entorno”.

En este mismo espacio se abrió otra mesa redonda con distintos directores de cine, todos estos con algo en común, cineastas que presentan su ópera prima en el marco de FICUNAM 13. Aquí se expusieron cada una de las realidades y experiencias que han llevado a la construcción de una primera obra cinematográfica. 

David Buitrón, creador y director de “La colonial” presente en la sección Ahora México en FICUNAM 13 sostuvo “Mi opera prima comenzó como un ejercicio de la búsqueda del retrato”. 

La sesión finalizó dejando en claro que las oportunidades para hacer cine en México son relativamente escasas pero en base a la perseverancia se puede lograr realizar una ópera prima. 

Latinoamérica y el descentramiento del cine experimental  

Por Andrea Villanueva

El Foro de la crítica: Latinoamérica y el descentramiento del cine experimental se llevó a cabo el 2 de junio como parte de las actividades de la Cátedra Bergman en el marco del FICUNAM 13. Contó con la destacada participación de Adriana Bellamy, Abraham Villa Figueroa y Federico Windhausen. Durante este evento, se abordó el desarrollo del cine experimental en Latinoamérica, examinando sus avances, limitaciones y planteando la necesidad de fomentar la creación de espacios dedicados a la reseña y comentario de este tipo de material cinematográfico.

El cine experimental siempre ha generado discusiones, generalmente se presenta en ámbitos reducidos, entre directores, amigos y algunos críticos, especialmente en contextos como Nueva York u otros lugares propicios para esta forma de expresión. Sin embargo, esa percepción está cambiando. En realidad, el cine experimental ha estado presente todo este tiempo. No se puede negar que es una actividad exclusiva y a veces se limita a conversaciones e intercambios íntimos entre el emisor y el receptor, no obstante, en la actualidad, se ha potenciado la creación y recuperación de este tipo de materiales provenientes de diversas partes del mundo. Federico Windhausen, académico de cine y escritor, menciona: “Hace 10 años, se comenzó a prestar atención al cine experimental en varias partes del mundo, especialmente en América Latina”.

Adriana Bellamy, maestra en Literatura Comparada por la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, enfatiza: “El cine experimental es uno de los conceptos en la historia del cine que resulta difícil de definir. Sin embargo, estamos presenciando un momento de mayor apertura y nuevos enfoques creativos”. También destaca que, a pesar de estos nuevos espacios para el público, es importante recordar que siguen siendo espacios reducidos y la crítica del cine experimental sigue siendo limitada y rara vez se hace pública. “La crítica en México presenta deficiencias en todos los aspectos, desde lo general hasta lo particular. Esto no demerita la creación de nuevos espacios de diálogos, sino que impulsa a su desarrollo aún más”.

Adriana Bellamy recalca que siempre ha existido una inquietud en el cine experimental, desde los años sesenta y setenta, pero que en realidad se remonta aún más atrás. Se busca establecer una interrelación entre los movimientos vanguardistas, con el objetivo de reflexionar sobre el propio cine a través de las historias que se cuentan.

Uno de los temas más abordados por Abraham Villa Figueroa, crítico cinematográfico, fue la inexistencia de “categorías” en el cine experimental. Todo es subjetivo y nada es verdaderamente original. Se plantea la importancia de formular preguntas que exploren el espacio temporal y que marquen una diferencia significativa, y en el caso de abordar “categorías”, estas no deben ser demasiado amplias, ya que se perdería la intención del cine y dejaría de ser abierto. Por su parte, Adriana Bellamy comentó: “Los términos van cambiando y los modos de creación evolucionan. Se busca que el espectador piense desde nuevos panoramas y siempre en diálogo”.

El cine experimental es un cine complejo que involucra una nueva sensibilidad. Te invita al descentramiento y te desafía a abandonar los lugares comunes de lo que conocemos como cine.

En torno a un cine femenino: encuentro entre Márgara Millán y el Colectivo Cine Mujer 
Por Andrea Villanueva

El 2 de junio se llevó a cabo la primera actividad del Foro de la crítica, En torno al Cine Femenino: Encuentro entre Márgara Millán y el Colectivo Cine Mujer, en la que participaron Márgara Millán, Beatriz Mira, Maricarmen de Lara, Guadalupe Sánchez y Rosa Martha Fernández, moderadas por Karina Solórzano, como parte de las actividades de la Cátedra Bergman en el marco del FICUNAM 13, con el fin de hablar de su trabajo y visión sobre la situación del cine realizado por mujeres. 

En el Foro se abordaron muchos temas significativos, entre ellos los estragos que las mujeres han sufrido en la cinematografía, las estructuras patriarcales en las que nos regimos como sociedad, los estereotipos a los que se enfrentan las mujeres a diario y las limitaciones impuestas por las instituciones o el Estado al no otorgar fideicomisos o apoyos suficientes.

Rosa Martha Fernández, directora, guionista y productora de cine, comenta: “Queríamos desintegrar los mitos y los prototipos de la mujer, no solo en la pantalla, sino también en su propia concepción. Destruir el lenguaje machista y crear el nuestro”. El Colectivo Cine Mujer fue un hito para el cine realizado por mujeres en México, creando nuevas narrativas, tanto ficticias como reales, que retratan la vida de las mujeres. No buscaban darles una voz, sino proporcionarles una plataforma para contar historias y generar diálogos. Además, enfatizó en la importancia de transformar la percepción de la mujer a través del cine, desafiando la conciencia y sacando al espectador de su zona de confort. En la mayoría de sus proyectos como colectivo, buscaban replantear y exponer tres aspectos que aún son tabú en la sociedad: el aborto, el trabajo doméstico y la violación, como manifestación de la violencia institucional hacia la mujer.

“El colectivo fue el espacio donde cada una de nosotras podía poner en práctica lo que tenía. Después de una película, podía surgir un debate, algo que nunca antes había experimentado”, expresa Guadalupe Sánchez, ilustradora, animadora y directora de arte.

Las ponentes hablan sobre la forma de hacer cine, no solo desde el punto de vista artístico, sino también desde los aspectos necesarios e indispensables para lograr la creación de un producto cinematográfico, como el apoyo de las universidades, el gobierno, los compañeros y compañeras, así como la importancia de aprender a trabajar en equipo y establecer “jerarquías” en los proyectos, siempre con respeto hacia todas las personas involucradas.

Maricarmen de Lara, cineasta y docente, puso sobre la mesa la lucha económica y comentó: “La lucha de las mujeres está ligada a la lucha de clases”. Para combatir estos sistemas, es necesario crear espacios donde las mujeres se sientan cómodas trabajando juntas. Maricarmen, mencionó una práctica que se llevaba a cabo en el Colectivo Cine Mujer, denominada “el pequeño grupo”, donde todas compartían sus problemas y se daban cuenta de que todos se entrelazaban y no eran individuales, sino colectivos. Sus pasiones, miedos y experiencias eran valiosas para construir una imagen de lo que deseaban sentir y cuestionar a través de la pantalla, se discutía abiertamente y eran completamente inclusivas para construir juntas.

Para finalizar, hablaron sobre alguna escena de sus propias películas o proyectos en los que han participado y que las cautivaron, impulsándolas a seguir aventurándose al cine que provoca. 

Arranca la décima tercera edición del FICUNAM

Por Andrea Villanueva

Rosa Beltrán, Coordinadora de Difusión Cultural de la UNAM, dio por inaugurada la décima tercera edición del Festival Internacional de Cine UNAM en una ceremonia que se llevó a cabo en el Centro Cultural Universitario. FICUNAM 13 tendrá lugar del 1 al 11 de junio del 2023 y se proyectarán más de 150 películas, encuentros, retrospectivas y mucho más. 

La ceremonia inició con las palabras de Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas – Filmoteca UNAM, quien ofreció un breve resumen de las actividades que se llevarán a cabo a lo largo del festival. Además, dio la bienvenida a la nueva Competencia Mexicana de Vanguardias Cinematográficas y anunció las nuevas sedes, como la Sala Multimedia del Pabellón de la Biodiversidad, así como la primera alianza entre el Festival Internacional de Cine de Locarno y FICUNAM, en la que se presentará de forma conjunta Locarno Industry Academy México.

Posteriormente, María Novaro, Directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), destacó el poder e importancia del cine en el apoyo a las minorías en nuestro país. Expresó su entusiasmo por la retrospectiva del Colectivo Cine Mujer, comentando: “Estoy muy agradecida de haber tenido la oportunidad de colaborar con este colectivo y trabajar con estas maravillosas mujeres”. Además, por primera vez se presentará el Anuario del IMCINE en el marco del festival.

Abril Alzaga, Directora Ejecutiva de FICUNAM, expresó su emoción por la existencia de espacios de crítica y las nuevas narrativas que el cine genera. 

El Director Artístico del festival, Maximiliano Cruz, manifestó su admiración al trabajo de Albert Serra, Saodat Ismailova y Marguerite Duras, quienes forman parte de las retrospectivas del festival. 

Para finalizar la ceremonia, Rosa Beltrán, Coordinadora de Difusión Cultural de la UNAM, comentó sobre la importancia de ofrecer espacios tanto para el cine contemporáneo como para los clásicos. Destacó la relevancia de películas como Orlando. Mi biografía política, ópera prima de Paul B. Preciado, con la que se inaugura el festival.

Con gran entusiasmo damos inicio a esta edición del FICUNAM, un espacio para el cine que provoca.

CANCIÓN QUE QUEMA, DE YULENE OLAIZOLA, RUBÉN IMAZ Y LUIS FLORES RÁBAGO

MÉXICO, 2023, 98’

Canción que quema es una muestra de trabajo colectivo: codirigida por Yulene Olaizola, Rubén Imaz y Luis Flores Rábago, fue estrenada en In-Edit México (International Music Documentary Film Festival). Este documental toma como punto de partida la grabación del disco Todo nos trajo hasta hoy (2017), de la banda mexicana San Pascualito Rey, para repasar la trayectoria, éxitos y fracasos de la agrupación. Desde ese complejo proceso creativo, donde conviven y chocan bajo presión los egos, las personalidades, las técnicas y las inseguridades de cada miembro, asistimos a las dos décadas de trabajo de la banda. El grupo de músicos, que inició su carrera en el año 2000, ha tenido que enfrentar desde entonces intereses y maneras de trabajar dispares, un accidente de tráfico sufrido durante una gira —con las complicaciones físicas y emocionales que ello conlleva— y las barreras impuestas por la industria musical, entre otros tantos retos.

Entrevistas e imágenes de archivo con Pascual Reyes, Alex Otaola, Juan Morales, Luca Ortega, el productor Milo Froideval y anteriores integrantes, junto con emblemáticos conciertos en salas como el Teatro Metropólitan o el ya extinto Plaza Condesa, articulan las anécdotas y testimonios de la banda de “dark guapachoso”, estilo con el que se define a San Pascualito Rey. Imágenes que se desdoblan y una polifonía de voces y perspectivas nos hacen testigos de las dificultades que orillaron al proyecto a prácticamente desaparecer. 

Y sin embargo, el compromiso de hacer y compartir su música prevalece en la historia de San Pascualito Rey.

Ana Fernández-Cervera

DISCO BOY, DE GIACOMO ABBRUZZESE

Francia – Italia – Bélgica – Polonia, 2023, 91’

De Bielorrusia escapa una pareja de amigos en búsqueda de un futuro en Francia, pero solo uno de ellos consigue llegar: Aleksei (Franz Rogowski). Empecinado en olvidar su vida anterior y comenzar una nueva allí, el lacónico protagonista se une a la Legión Extranjera por la promesa de convertirse, terminado su servicio, en ciudadano “francés por la sangre derramada”.

En términos visuales y narrativos, la ópera prima del italiano Giacomo Abbruzzese, formado en Le Fresnoy, exhibe la influencia del quinto largometraje de Claire Denis, Beau travail (Buen trabajo, 1999), pero también se adscribe a un creciente conjunto de obras en el mundo que actualmente cuestionan las enseñanzas de los grupos militares, las ideas de masculinidad que allí se exaltan y la legitimidad de hacer la guerra por una patria propia o ajena. 

Una puesta en escena hipnótica, no solo por su singular atención en los cuerpos en entrenamiento sino por un uso expresivo de la música y la sensualidad de su cinematografía —a la cabeza de Hélène Louvart, reconocida por el jurado de la Berlinale—, permite que víctima y victimario se amalgamen espiritualmente para señalar los daños provocados por esta rama del ejército francés y conceder a Aleksei una oportunidad, aun simbólica, para exorcizar la culpa que lo atormenta por participar en un sistema que solo concede ese futuro que anhelaba inicialmente a quienes han sido capaces de imponer a otros la muerte.

Andrés Suárez

El acto de escuchar. Una playlist para la música del Colectivo Cine Mujer

Por Karina Solórzano

El bolero como una educación amorosa —ese es el título de una película de la chilena Carmen Castillo de 1993— que se extiende al melodrama, a la radio novela, a una suerte de universo de “lo femenino” con letras de canciones que hablan sobre “el despertar de los sentidos y el anhelo obsesivo de un amor inmortal”, como dice Castillo en su película. 

En Vicios en la cocina (1978), dirigida por Beatriz Mira, la voz de Alberto Beltrán con la Sonora Matancera habla de esa obsesión: “Aunque me cueste la vida, sigo buscando tu amor, te sigo amando, voy preguntando dónde poderte encontrar”. La secuencia inicial nos introduce a la vida de una ama de casa, asistimos al registro de un día entre interminables labores. El trabajo con el sonido —y la música— en la primera etapa del Colectivo es parte de la tensión entre la ficción y el documental; el bolero se encuentra con la poesía de Silvia Plath para describir el tedio doméstico. 

Ese interés por la música popular, compartido con distintas cineastas de diversos países de Latinoamérica, es un eje que guía el cine del Colectivo Cine Mujer. Del bolero y la música de la Sonora Matancera pasamos a la música de la Banda de Música Autóctona de Yalalag en Yalaltecas (1984) y a las voces de distintas mujeres que se organizan en contra del cacicazgo de la región. La música está presente hasta en las demandas populares de esta segunda etapa del Colectivo, como en el título de una canción de Daniela Romo un sindicato de mujeres no pide la luna; pide buenas condiciones de trabajo.

ORLANDO, MI BIOGRAFÍA POLÍTICA

Paul B. Preciado, Francia, 2023, 98 min

“La primera metamorfosis revolucionaria es la poesía, la posibilidad de cambiar el nombre de todas las cosas”, declara el filósofo y curador de arte Paul B. Preciado en su ópera prima, un ingenioso y vigoroso ensayo cinematográfico sobre las identidades trans y no binarias inspirado en la novela homónima de Virginia Woolf.

Al recibir la propuesta de realizar una película autobiográfica, Preciado decide escribir y dirigir una adaptación de la obra escrita hace casi un siglo, mezclando indistintamente recursos del documental y la ficción, con la seguridad de que en ella ya se encontraba su propia vida. La plasticidad de la escritura se desplaza con grandes aciertos al lenguaje cinematográfico y si bien la rigurosidad académica del pensador se refleja aquí en el minucioso análisis que hace de algunos importantes pasajes de la novela (y la Historia), la originalidad y el inconformismo de su pensamiento consiguen hacer de esta una película impredecible, llena de vitalidad y festivamente política. Esta es también una acusación de la discriminación estatal, médica y social que sufren a diario las personas trans, pero un grito que no se olvida de la música y el goce. 

Esta (auto)biografía no es una serie de eventos o aventuras sentimentales, sino una continua transformación de su protagonista en otros: son veintiséis voces las que Preciado reúne para que hablen en primera persona a través de la novela, y así logra materializar un vínculo tangible y emotivo entre el arte, la vida y el porvenir. 

Andrés Suárez

GAIA: EL ÚLTIMO REFUGIO

Ciclo sobre biodiversidad y derechos de la tierra

La Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes, la Cátedra UNESCO de Diplomacia y Patrimonio de la Ciencia, el Pabellón Nacional de la Biodiversidad del Instituto de Biología de la UNAM, junto con el FICUNAM, han decidido crear un espacio desde la cultura de la ciencias y las artes, para la reflexión poética, dialógica, didáctica e interactiva en torno a los Derechos de la Tierra, la conciencia ecológica, el conocimiento y el aprecio por la Naturaleza y las responsabilidades que la especie humana tiene con el cuidado del hogar común que compartimos con todas las formas de vida terráquea.

Esta selección de documentales, cortometrajes, piezas instalativas y performances demuestran que el arte cinematográfico en diálogo con las ciencias y las humanidades, puede contribuir a la incorporación de inquietudes medioambientales en el imaginario colectivo. Incluye Fuego interior: Un réquiem para Katia y Maurice Krafft (2022) de Werner Herzog, Interacciones. Cuando el cine mira la naturaleza (2022), Semilla de Fuego (2022) de Cooperativa Pasaporte Cultural, el programa Interactions de ART of the World, con cortometrajes para la toma de acción medioambiental dirigidos por Isabella Rossellini, Yulene Olaizola y Rubén Imaz, Mishelle Muñoz, entre otros; la instalación Stains of Oxus de Saodat Ismailova y el performance audiovisual meditativo Avalanche, del catalán Carlos Casas, entre otros trabajos nacionales e internacionales.

Con el fin de promover un diálogo reflexivo entre creadores, comunidad científica y público, las proyecciones estarán acompañadas de conversatorios con la participación de los realizadores cinematográficos y académicos de Instituto de Biología, y moderados por las cátedras Nelson Mandela de derechos humanos en las artes y UNESCO de diplomacia y patrimonio de la ciencia, a cargo de Bruno Velázquez, Ana María Cetto, Parsifal Islas y Yudy Tibaduiza.

VIERNES 2 DE JUNIO

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
12:00 – 17:00

Proyección
Interacciones. Cuando el cine mira la naturaleza
El programa Interactions de ART of the World, reúne cortometrajes para la toma de acción medioambiental. Dirigidos por Isabella Rossellini, Yulene Olaizola y Rubén Imaz, entre otros
2023 | Suiza | 69′

Inauguración
Gaia: El último refugio – Ciclo sobre biodiversidad y derechos de la Tierra
Presentado por la Cátedra Nelson Mandela, la Cátedra UNESCO Diplomacia y Patrimonio de la Ciencia, el Instituto de Biología y el FICUNAM
19:00 – 19:30
*Con presencia de representantes institucionales y Saodat Ismailova

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus con presencia de Saodat Ismailova
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
19:30 – 20:00

SÁBADO 3 DE JUNIO

Proyección + Conversatorio
Semilla de Fuego / Seed of Fire
Cooperativa Pasaporte Cultural | 2022 | México | 24′
12:00 – 12:24

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24 min. en proyección continua
12:30 – 16:00

Proyección
Fuego interior: Un réquiem para Katia y Maurice Krafft
Werner Herzog | 2022 | Estados Unidos | 84′ | DCP
16:00 – 17: 24

DOMINGO 4 DE JUNIO 

Performance + Conversatorio
Avalanche
Carlos Casas | 2009-en proceso | 59′ | * Performance meditativo audiovisual
12:00 – 13:00
*Con la presencia de Carlos Casas

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24 min. en proyección continua
13:30 – 17:00

MIÉRCOLES 7 DE JUNIO

Proyección + Conversatorio
Yvuuhza Okaina
Ferney Noé Iyokina Gittoma | 2022 | Colombia | 29′
12:00 – 13:00
*Con presencia de Ferney Noé Iyokina Gittoma, Vitilio Iyokina

Proyección + Conversatorio
Aribada
Simon(e) Jaikiriuma Paetau, Natalia Escobar | 2022 | Colombia | 30′
13:00 – 14:00
*Con presencia de Simon(e) Jaikiriuma Paetau

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
14:00 – 17:00

JUEVES 8 DE JUNIO

Proyección + Conversatorio
Quien por derecho | The Rightful
Ana Galizia | 2022 | Brasil | 21′
12:00 – 13:00
*Con presencia de Ana Galizia 

Proyección
Mater Inerta
Adrià Expòsit Goy | 2022 | España | 28′
13:00 – 14:00

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
14:00 – 17:00

VIERNES 9 DE JUNIO

Proyección + Conversatorio 
Interacciones. Cuando el cine mira la naturaleza
Programa de cortometrajes de Isabella Rossellini, Yulene Olaizola y Rubén Imaz, entre otros | 2023 | 69′ 
12:00 – 14:00
*Con presencia de los realizadores Yulene Olaizola y Rubén Imaz

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
14:00 – 16:00

Proyección + Conversatorio
Semilla de Fuego / Seed of fire 
Cooperativa Pasaporte Cultural | 2022 | México | 24′
16:00 – 17:00
*Con presencia de Cooperativa Pasaporte Cultural

SÁBADO 10 DE JUNIO

Proyección
Aral: Pescando en un mar invisible
Carlos Casas, Saodat Ismailova | 2004 | Uzbekistán-Italia | 54′
11:30 – 13:00

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
13:00 – 16:00

Proyección + Conversatorio
Deja lo que te espanta | Bucan tu Rhachhidu’
Colectivo YI hagamos Lumbre | 2023 | México | 28′
16:00 – 17:00

DOMINGO 11 DE JUNIO

Proyección + Conversatorio
Metztitlán: Tierra de gigantes | Meztitlan: Land of Giants
Territorios del saber| 2022 | México| 10′
11:30 – 12:00
*Con presencia de de Parsifal Islas y Yudy Tibaduiza

Proyección
El acechado | The Haunted
Saodat Ismailova | 2017 | Uzbekistán-Noruega | 23′
12:00 – 13:00

Proyección – Video-instalación a tres canales
Manchas del río Oxus | Stains of Oxus
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24′ en proyección continua
13:00 – 17:00
Presentado por la Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes, la Cátedra UNESCO de Diplomacia y Patrimonio de la Ciencia, el Pabellón Nacional de la Biodiversidad del Instituto de Biología de la UNAM y el FICUNAM

Sede oficial: Sala Multimedia del Pabellón de la Biodiversidad (ubicado entre los estacionamientos 3 y 4 del Centro Cultural Universitario)

Dos video-instalaciones de Saodat Ismailova en FICUNAM 13

En el marco de la retrospectiva La mirada encantada. El cine de Saodat Ismailova, que FICUNAM 13 dedica a la realizadora de origen uzbeko, referente del arte y del cine contemporáneo de Asia Central, se presentarán dos de sus video-instalaciones en el Pabellón de la Biodiversidad y en Casa del Lago. Además, el festival contará con la presencia de la realizadora presentando sus trabajos e impartiendo una conferencia magistral en el MUAC. 

MANCHAS DEL RÍO OXUS
de Saodat Ismailova

Manchas del río Oxus | Stains of Oxus * Video-instalación a 3 canales
Saodat Ismailova | 2016 | Francia-Países Bajos | 24 min.
Sede: Sala Multimedia – Pabellón de la Biodiversidad

En tres pantallas, la artista Saodat Ismailova sublima en imagen y sonido los sueños ligados al mito y a la tradición oral de algunos habitantes de las riberas del mayor río de Asia Central —Amu Dariya, conocido en la época griega como Oxus—, testigos de la transformación del paisaje a través del tiempo. Las manchas del Oxus abarcan la alta meseta de Tayikistán y los desiertos de las tierras bajas de Uzbekistán, un país sin salida al mar —tierra natal de la artista— donde el río encuentra su final tras recorrer su trayecto más largo portando el elemento más sagrado de la región.

Manchas del río Oxus celebra la memoria de rituales de veneración y relación con el agua. El relato onírico a viva voz fluye como un río que une países, idiomas y tradiciones desde su punto inicial en las fuentes del lago Bulunkul en Murgab, Tayikistán, hasta su muerte en el mar de Aral, Karakalpakistán. Un viaje onírico-topográfico que trata la cuestión del ecosistema y el paisaje de Asia Central, y saca a relucir de forma poética las tradiciones de cuidado del agua y su influjo en el imaginario colectivo.

Sede:
Sala Multimedia – Pabellón de la Biodiversidad

Fechas:
VIERNES – JUNIO 2      12:00 – 17:00
SÁBADO – JUNIO 3       12:30 – 16:00
DOMINGO – JUNIO 4     13:30 – 17:00
MIÉRCOLES – JUNIO 7  14:00 – 17:00
JUEVES – JUNIO 8        14:00 – 17:00
VIERNES – JUNIO 9      14:00 – 16:00
SÁBADO – JUNIO 10     13:00 – 16:00
DOMINGO – JUNIO 11 13:00 – 17:00 

DOS HORIZONTES
de Saodat Ismailova

Dos horizontes | Two Horizons * Video-instalación a 2 canales
Saodat Ismailova | 2017 | Uzbekistán-Kazajistán-Francia | 24 min.
Sede: Casa del Lago – Sala de exposiciones

“Por la estrella cuando se pone, tu compañero no se ha extraviado ni errado; ni habla por capricho. No es más que una revelación revelada, que le ha enseñado alguien con un poder asombroso. Poseído de vigor, se mantuvo erguido cuando estaba en el horizonte más alto.”
El Corán. Capítulo An-Najm (la Estrella)

Dos horizontes es una video-instalación a doble pantalla que especula entre un mito turco y el programa espacial soviético. El primer gran chamán de la estepa de Eurasia, Qorqud, intentó escapar de la muerte a lo largo de su vida. Se le apareció cuando era un niño de siete años. La única manera en la que Qorqud podía esquivar a la muerte era levitando, derrotando la gravedad. Ocurrió al sur de la gran estepa. Los locales veneran este lugar, pues creen que Qorqud alcanzó la inmortalidad y reveló el cordón umbilical de la Tierra. Tiempo después, en el siglo XX, este lugar se dio a conocer al mundo como Baikonur, centro espacial de la Unión Soviética, en donde el hombre desafió la gravedad por primera vez en la misión llamada Vostok-1, viajando al espacio en búsqueda de la vida eterna.

“Dos horizontes surgió de mi experiencia del paisaje y la tierra; la memoria que yace dentro y más allá de los límites de los cuerpos; el miedo y la soledad; el sol y el tiempo; los silencios; y la línea del horizonte de la estepa kazaja que dio origen al mito de Qorqud. La película es un intento de entrar en comunión con la estepa y permanecer en ella, de adentrarse en un examen visual y auditivo del entorno. Contiene un componente vertical y otro horizontal: la liberación del cuerpo, por un lado, y la sujeción al plano del horizonte, la gravedad de nuestros cuerpos, por otro. He intentado experimentar con un sentido “vertical” del pensamiento a través de la interacción de dos pantallas, el montaje en dos pantallas que crea una dinámica multivectorial. Esto infunde la sensación de un cronotopo alternativo que, en mi opinión, se aproxima al del mito: una historia no localizada en el espacio y el tiempo familiares, como la historia de la búsqueda de la inmortalidad por parte de la humanidad.”

 Sede:
Casa del Lago – Sala de Exposiciones

Fechas: junio 2 – agosto 27, 2023
Horarios: 11:00 – 18:00 (excepto lunes y martes)

SAODAT ISMAILOVA

Saodat Ismailova (Tashkent) es una cineasta y artista que alcanzó la mayoría de edad en la era postsoviética y ha establecido una vida artística profundamente comprometida con su región natal como fuente de inspiración creativa. Se graduó del Tashkent State Art Institute de Uzbekistán y del National Studio of Contemporary Arts (Le Fresnoy) en Francia. Sus películas y videoinstalaciones se han presentado en la Bienal de Venecia, documenta Kassel, la Berlinale, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y en CPH:DOX, entre otros. Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Stedelijk (Ámsterdam), el Centre Pompidou (París) y el Museo de Arte Almaty (Kazajistán) y también se encuentran en colecciones privadas. En 2022, Saodat Ismailova fue la única artista en ser convocada a participar tanto de la 59ª Bienal de Arte de Venecia como de documenta 15, en Kassel, magnos eventos que coincidieron ese año. Tras ser galardonada con el Eye Art & Film Prize en Ámsterdam, en 2023 el Eye Filmmuseum celebra la primera retrospectiva integral de su obra instalativa.