• Michel Lipkes deja la dirección artística del Festival y queda en su lugar Maximiliano Cruz, programador, curador, fundador del sello Interior XIII, y parte esencial del equipo del festival desde sus inicios  
• El equipo del FICUNAM agradece a Michel Lipkes su labor como director artístico imprimiendo un sello a una programación con rangos más amplios y arriesgados 
• Lipkes retoma su labor creativa en sus proyectos cinematográficos 

La Dirección General de Actividades Cinematográficas (Filmoteca de la UNAM) y el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM), anuncian que, tras tres exitosas ediciones, Michel Lipkes deja la dirección artística del FICUNAM para retomar sus proyectos cinematográficos. Maximiliano Cruz queda a cargo de la programación. Abril Alzaga continúa en la Dirección Ejecutiva. 

El equipo de FICUNAM agradece profundamente la labor y empeño de Michel Lipkes. Sin duda, sus aportaciones hicieron crecer aún más al festival: ayudó a mantener la esencia de un festival propositivo, enfocado en la exploración del lenguaje cinematográfico y en la búsqueda de voces únicas, y le imprimió un sello a una programación con rangos más amplios y arriesgados.  

Después de tres años, FICUNAM ha constatado las virtudes de una codirección; cuenta de ello son los excelentes resultados que dejó la décima primera edición, la cual, haciendo frente a la pandemia, planteó un festival en línea con la energía y el dinamismo que lo caracterizan y un compromiso sin reservas con el público. Presentó una programación con lo mejor del cine contemporáneo para que el público pudiera descubrirlo a través de las plataformas de Cinépolis Klic®, MUBI y Cine en línea de Filmoteca UNAM, TV UNAM, Canal 22 y los canales de Facebook y YouTube del Festival. 

En la más reciente edición participaron 139 invitados nacionales e internacionales. Se sumaron más de 48.000 espectadores en plataformas y redes sociales que disfrutaron de las 109 películas que componían las secciones de cine y retrospectivas y de las 38 actividades paralelas, así como más de dos millones ochocientos mil espectadores a través de las transmisiones especiales televisadas en TV UNAM y Canal 22.  

La décima primera edición contó con la colaboración de 13 instituciones culturales y embajadas y 23 medios aliados, entre los que destacan el Ministerio de Cultura de Taiwán, la Academia de Taiwán en la Oficina Económica y Cultural de Taipei en Los Ángeles, el Centro Cultural de España en México, el IFAL, el Goethe-Institut, el Instituto Ramon Llull, el Foro Cultural de Austria en México, la Fundación Ford, la Fundación Japón y el SAE Institute, así como el Canal 22, Cinépolis Klic, MUBI y Banco Santander, sin los que no hubiera sido posible realizar la más reciente de nuestro Festival. 

Maximiliano Cruz, nuevo titular de la Dirección Artística del FICUNAM, se ha desempeñado en las últimas ediciones como parte del equipo de programación del Festival, siendo la Competencia Internacional una de sus principales encomiendas. Cuenta con experiencia de más de 15 años como programador y curador en festivales de cine, entre los que se cuentan el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México – FICCO, el Festival Internacional de Cine de Cali, el Festival Internacional de Cine en Guadalajara y el Riviera Maya Film Festival. En la mayoría de ellos ha participado en el planteamiento conceptual, incluyendo el FICUNAM, al que fue convocado por Eva Sangiorgi para aportar al diseño de la programación y colaborar en las cuatro primeras ediciones del festival.  

En 2010 fundó, junto con Sandra Gómez, el sello Interior XIII dedicado a la distribución y producción de películas, curaduría, consultorías y publicaciones especializadas en cine, en donde se ha desempeñado como productor ejecutivo, escritor y por supuesto distribuidor. De forma paralela ha sido curador del programa de cine del Museo de Arte Moderno de Medellín – MAMM. 

Por Mauricio Rosas Hernández

Despedimos el último día de actividades de la décima primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM, FICUNAM, con una mesa de reflexión en torno al cine mexicano contemporáneo. En colaboración con TVUNAM, la directora del IMCINE María Novaro habla con las y los realizadores de las películas presentadas en la competencia mexicana Ahora México.

La sesión comenzó con una serie de preguntas en referencia al quehacer cinematográfico de las películas de este año, en específico sobre la manera de articular la ficción y las realidades en el mismo discurso narrativo, la manera en que se han financiado estas producciones mexicanas y finalmente las nuevas perspectivas sobre metodologías creativas. Participaron en esta mesa las siguientes personas:

Rodrigo Reyes, director de 499
Eloísa Diez, sonidista de La mami
Bruno Santamaría, director de Cosas que no hacemos
Diego Hernández, director de Los fundadores
Alejandro Guzmán, director de Estanislao
Sandra Luz López Barroso, El compromiso de las sombras
Rodrigo Ruiz Patterson, director de Blanco de verano
Rodrigo Fiallega, director de Ricochet
Hugo Villaseñor, director de ¿Qué harás cuando Dios muera?
Carlos F. Rossini, director de Ciudad
Emmanuel Massú y Eduardo Giralt Brun, directores de Los plebes

Enseguida les compartimos las claves de la sesión:

La cinta de Rodrigo Reyes, 499, posiblemente es el ejemplo más emblemático del entrecruzamiento del documental más tradicional y la ficción, al respecto el cineasta mexicano comentó: “De alguna manera la realidad es la que nos llama a retratar ciertas situaciones. El arquetipo del conquistador es algo muy presente en América Latina y en especial en la historia de México, en ese sentido se vale ficcionalizar sobre algo que ya existía previamente. Creo que este es un camino muy interesante y muy profundo por el que podemos seguir excavando”. 

Desde una perspectiva parecida, la sonidista de La Mami, Eloísa Diez compartió lo siguiente: “Aunque filmamos La Mami con un acercamiento parecido al del cine directo, en realidad la construcción de la película y su desarrollo narrativo tiene mucho que ver con la ficción y esto está íntegramente relacionado con la manera en que fue grabada, pues pasamos horas y horas dentro de ese baño”. En el mismo sentido Diego Hernández apuntó que el elemento personal dentro del cine es muy importante, sobre su proceso creativo aseguró: “la mayoría del cine que me es más cercano trata de borrar las fronteras entre lo documental y la ficción. Creo que Los fundadores funciona como un retrato de autoficción y al mismo tiempo de exploración, donde utilizo elementos de mi propia vida”. 

En ejemplos contrastantes, María Novaro hizo alusión al largometraje Estanislao, del director mexicano Alejandro Guzmán y éste señaló el trabajo que hicieron en el guion: “En el caso de Estanislao sí teníamos un guion, únicamente adecuamos las escenas o las locaciones a lo que teníamos disponible en la realidad, lo que llevó la película a otros lados.” Por otro lado, en la película dirigida por la dupla Massú-Giralt Brun sucedió una integración total con el lugar de filmación, como pudo compartir Eduardo Giralt: “Lo que hicimos en Los Plebes era que especulábamos sobre las escenas que eran factibles dentro de esa realidad. Nos mudamos cerca del lugar y estábamos listos en cualquier momento para grabar, como una ambulancia”. Por su parte Emmanuel Massú agregó: “Yo no estudié cine y es la primera vez que me acerco a este arte, pero puedo decir que el crear una idea y partir de su objetividad puede ser suficiente para finalizar los proyectos, creo que la distinción entre una película y un documental no importa si enfrentas directamente el problema de la idea como lugar de la creatividad”. 

La directora de El compromiso de las sombras, Sandra Luz López Barroso compartió algunas ideas sobre su proceso creativo: “El ritual fue el esqueleto narrativo de la película. Hubo una gran resignificación de las imágenes en el momento de la edición. Desde esa visualización fuimos construyendo atmósferas que partían de lo sensorial. Este camino fue muy bello, íbamos descubriendo qué es lo que se escondía detrás de cada canto”. 

En cuanto a la manera de financiar los proyectos las y los cineastas compartieron con la mesa distintas maneras en que consiguieron los apoyos, desde autofinanciamientos, apoyos gubernamentales y fondos privados: “En el caso de 499 tuvimos que hacer un primer corte para buscar apoyos, surgió del autofinanciamiento y de aportaciones de privados. A partir de esto me parece muy importante generar más herramientas para impulsar proyectos arriesgados”. Se señaló la importancia que tienen los comités evaluadores en estos procesos pues en ocasiones, los requerimientos tradicionales como lo son los guiones, no pueden dar cuenta de la complejidad y la importancia de llevar a cabo ciertos proyectos. Otro ejemplo de la financiación de cine independiente fue Los fundadores, Diego Hernández nos compartió: “La producción de la película tuvo mucho que ver con nuestras realidades materiales. Al principio comenzamos con aportaciones personales y luego pedimos un préstamo, finalmente llevamos a cabo una campaña en Kickstarter para pagar ese préstamo”. 

Un elemento que estuvo presente en varias de estas producciones fue la colaboración entre amigos y amigas, entre personas de la misma generación y la concepción de un cine colaborativo; entre estas cintas se encuentra Cosas que no hacemos y que, como apunta Bruno Santamaría, “solo fue posible porque la hicimos entre amigas y amigos, comenzamos con un presupuesto personal para los viáticos, y poco a poco recibimos más apoyos como la beca de Jóvenes Creadores y posteriormente del IMCINE”. 

La directora del IMCINE agradeció a todas y todos los realizadores presentes en la mesa y agradeció la existencia de sus películas.

Presentación de la monografía Tsai Ming-Liang: Cuerpos entregados

Por Ariana Graciano

Tras una semana llena de interesantes conversatorios, encuentros en vivo y muchas películas, el FICUNAM 11 presentó este domingo 28 de marzo la monografía “Tsai Ming-liang: Cuerpos entregados”, como parte de la retrospectiva cinematográfica que el festival preparó sobre el director taiwanés. Recordemos que el proyecto se realizó en colaboración con el Ministerio de Cultura de Taiwán, el proyecto Síntesis, la Cátedra Bergman y la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC). 

Durante el evento, Michel Lipkes, Juan Ayala y Juan Mora fueron los académicos encargados de hablar sobre la publicación que reúne cinco interesantes ensayos cuyo objetivo principal es profundizar en la obra de Tsai Ming-liang. En ese sentido y de acuerdo con Lipkes, lo que podremos encontrar a lo largo del libro serán “agudos y muy diversos puntos de vista que dialogan entre sí y con el lector”.

“El resultado arroja tonos de reflexión que van desde lo analítico y lo historiográfico hasta lo poético. Lecturas sustanciales que amplifican el corpus textual de lo que hasta ahora se ha publicado alrededor de la obra del cineasta”, expresó Michel Lipkes. 

A continuación, te compartimos la lista completa de autoras y autores que participan: 

• Juan Mora (decano en la ENAC) se encargó de escribir el prólogo. 
• Javier Betancourt reflexiona en el primer ensayo sobre el estilo de los primeros largometrajes de Tsai Ming-liang.  
• Chris Fujiwara (académico y crítico norteamericano) habla sobre la significación y la forma en los largometrajes The River y The Hole.
• Aliza Ma (crítica y programadora de cine en el cine club de arte Metrograph de Nueva York) aborda en su ensayo las películas What Time Is There?  y Goodbye Dragon Inn. 
• Jennifer Barker (crítica de cine en la revista canadiense Cinemascope), escribe desde una perspectiva psicoanalítica sobre las películas The Wayward Cloud, I Don’t Want to Sleep Alone  y Face. 
• Andréa Picard (crítica de arte y programadora en el Festival de Cine de Toronto) se encarga de abordar poéticamente los más recientes trabajos del cineasta.  

Por otra parte, Juan Mora habló sobre el estilo cinematográfico de Tsai Ming-liang, en el cual la contemplación toma un papel fundamental en contraposición con la serie de acciones que traman a una película. Posteriormente, reflexionó sobre la meditación, el budismo y las cuatro funciones de los objetos con base en las ideas formalistas rusas, para explicar el paralelismo que existe con la obra del director taiwanés, pues según Mora “[la obra de Tsai] nos obliga a ver las cosas de nuevo. Lleva al espectador a observar la naturalidad y nos lleva a una especie de reflexión interna”.   

Para finalizar la presentación de la monografía, Juan Ayala expresó su entusiasmo por un proyecto que observa la obra del cineasta desde diversas aristas y memorables aspectos filmográficos que los expertos participantes han estudiado a lo largo de sus trayectorias profesionales.  

Recuerda que encuentras todas las actividades del FICUNAM 11 en su página oficial de Facebook y YouTube. 

¡Conoce a los ganadores de FICUNAM 11!

SE REALIZÓ LA CEREMONIA DE PREMIACIÓN DE LA DÉCIMA PRIMERA EDICIÓN DEL FICUNAM

El sábado 27 de marzo de 2021 a las 19:00 horas se llevó a cabo la ceremonia de premiación de la décima primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM, de manera virtual a través de TV UNAM y las redes sociales de FICUNAM. Abril Alzaga y Michel Lipkes, directores del Festival, fueron los encargados de conducir la ceremonia, en la que se premió a los ganadores de las secciones en competencia de esta edición.

Aquí los ganadores de la décima primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM:

ACIERTOS. ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Jurado Aciertos:

• Clemente Castor Reyes (México)
• Aliza Ma (EUA)
• Nina Rodríguez Lima (Alemania)

Premio Medalla Puma de Plata al Mejor cortometraje

Los niños lobo, de Otávio Almeida, EICTV (Cuba, 2020)

Mención especial al cortometraje

Construcción, de Leonardo da Rosa (Brasil, 2020)

COMPETENCIA AHORA MÉXICO

Jurado Ahora México:

• Cecilia Barrionuevo (Argentina)
• Lázaro Gabino Rodríguez (México)
• Astrid Rondero (México)

Jurado “Fósforo”:

• Gilberto Cornejo Alvarez
• Matilda Grace Hague
• Renata Iberia Muñoz Chapa
• Camila González López

Premio Puma de Plata Ahora México a la Mejor película

*Premio otorgado gracias al apoyo de Banco Santander       

Los fundadores, de Diego Hernández (México, 2021) 

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El compromiso de las sombras, de Sandra Luz López Barroso (México, 2021) 

Premio TV UNAM

Cosas que no hacemos, de Bruno Santamaría Razo (México, 2020)

Premio LCI Seguros, que entregó el Jurado “Fósforo”

La Mami, de Laura Herrero Garvín (México – España, 2019)                                    

Premio Estímulo Churubusco UNAM

Ciudad, de Carlos F. Rossini en colaboración con Maya Goded, Julio Hernández Cordón y Nuria Ibáñez (México, 2020)

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Jurado Competencia Internacional:

• María Alché (Argentina)
• Kleber Mendonça Filho (Brasil)
• Beatriz Navas Valdés (España)

Premio Puma de Plata a la Mejor película   

Domesticando al jardín (Taming the Garden), de Salomé Jashi (Suiza – Georgia – Alemania, 2021)

Premio Puma de Plata a la Mejor dirección   

Carolina Moscoso Briceño por Visión nocturna (Night Shot) (Chile, 2019)

Mención especial

Seguir adelante (Moving On), de Yoon Dan-bi (Corea del Sur, 2021)

Premio del Público 

Domesticando al jardín (Taming the Garden), de Salomé Jashi (Suiza – Georgia – Alemania, 2021)    

Participaron en la ceremonia Abril Alzaga y Michel Lipkes, Directores del FICUNAM; Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas (Filmoteca) de la UNAM; Iván Trujillo, Director General de TV UNAM; y lxs miembrxs del Jurado de las secciones en competencia de esta décima primera edición.

“EL CINE QUE PROVOCA”

La mirada animal. Viktor Kossakovsky en conversación con Paulina Suárez

Por García Jiménez Javier

El antropomorfismo tan característico de nuestros modos de vida y de nuestras formas de habitar el mundo, se ve hoy reflejado en el antropoceno, o las consecuencias catastróficas del cambio climático marcado, a su vez, por un desprecio de la Naturaleza como si esta fuera algo distinto de nosotros. Los animales, cosificados y dispuestos a la hiperproducción a través de métodos mercenarios, han perdido su dignidad, de modo que los vemos ya no como alguien, sino como algo. Y frente a ello el cine nos devuelve lo común, colocado en la pantalla, en un registro diferente. Estos son algunos de los temas abordados en el trabajo de Victor Kossakovsky, con quien tuvimos oportunidad de hablar en el festival.

En la decimoprimera edición del FICUNAM, llevada hasta sus casas de manera completamente virtual, se dio lugar a la Clase magistral Viktor Kossakosvky a propósito de su película Gunda. Presentada por Abril Alzaga, directora ejecutiva de FICUNAM, la cual señaló la gran sensibilidad del cineasta, ‘‘para encontrar lo extraordinario en lo ordinario’’, y en compañía de Paulina Suárez, directora general de Ambulante, se le hicieron una serie de preguntas al artista ruso durante aproximadamente noventa minutos.

Gunda es un filme que apuesta por otro tipo de sensibilidades. Ante la mirada secular condicionada por la ciencia, por el arte, que nos impide ver, o nos hace solamente percatarnos de determinados objetos en la realidad, ¿Cómo percibir, cómo observar? Son preguntas a las que el espectador se ve invariablemente orillado al apreciar estas imágenes de cerditos. Paulina precisamente resalta dicho aspecto elemental: ‘‘pasas de unos animales a otros, te enfocas en gallinas, cerdos, vacas y en el paisaje también. Me pregunto qué tan difícil es cambiar la relación vital que se establece. El ente y la mirada en la cámara.’’ Acaso un mensaje de esperanza se deja entrever en esta apuesta por lo animal.

La interpretación del director en torno a los seres que existimos en el planeta es sumamente amplia. Desde un centrismo dislocado, considera esencial tanto la aparición de elefantes, cóndores, ballenas, perros, como la lava, el pasto, las rocas, y demás. Vale la pena recordar que el asumirse como superior en tanto ser humano es una decisión. Y en una lectura a contracorriente de la Biblia, de los modos de producción capitalista, el autor restituye la calidad de ser alguien a los animales, a nuestras mascotas, a Gunda. Así, el individuo asesina a un animal cuando se lo come, pero no es uno, sino son millones a diario, millones de pollos, millones de cerdos, millones de reses, con la capacidad de sentir.

Tratar el tema como una tensión sin caer en la propaganda es un elemento a considerar, ya que aquí es donde su papel como cineasta se pone de relieve. El uso de la imagen como recurso primario, en vez de instalarse en la narrativa, se vuelve un recurso verdaderamente valioso. ‘‘No creo en las historias, el cine nos puede mostrar algo. A través del cine puedes verte a ti mismo’’ nos comparte Kossakovsky. Eso nos da cuenta de la evasión de los mataderos por ejemplo durante la grabación: ‘‘quería filmar a los animales, ver sus personalidad, ver que no son una cosa sino que son alguien, por eso no es necesario filmarlos en un matadero, sino cómo experimentan igual que nosotros’’ añadió.

Las decisiones estéticas y técnicas como la ausencia de música, o el uso del blanco y negro etc., aportan mucho a esta inclinación por concientizar. Respecto a esto último, además de remitirnos de algún modo inconscientemente a ver la obra como un documento, de hacerlo atemporal, como algo que no va a morir, la ausencia de color obliga sobre todo a las personas a ver a los ojos a los animales, a descifrar su personalidad. El rodaje en ese sentido se pareció al de un individuo. Le diseñaron una casa, colocaron la cámara afuera aunque con el lente dentro, y se familiarizaron mutuamente. Adentrarse en la vida animal, no requiere de palabras, sino de una disposición genuina de entender lo que estamos viendo. 

Por Mauricio Rosas Hernández

Dentro de las actividades programadas para esta décima primera edición del Festival Internacional de Cine UNAM, FICUNAM, el director taiwanés Tsai Ming-liang ofreció un taller con convocatoria limitada organizado por la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM y la Cátedra Extraordinaria Ingmar Bergman en cine y teatro, en colaboración con el Ministerio de Cultura de Taiwán, Taipei Economic and Cultural Office in Los Angeles, MUBI, Síntesis y la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas. A continuación les compartimos las claves de la sesión en 24 cuadros:

1.- A partir de la filmación de Goodbye Dragon Inn mi cine comenzó una transformación radical. Desde entonces fijé mi atención en el espacio y cómo era que éste podía adquirir una importancia igual o mayor que la del resto de mis personajes.

2.- Esta película en particular está construida adrede para conocer el cine a través del tránsito de los personajes. En ese sentido considero que es un acercamiento a las artes plásticas dadas las condiciones estéticas de los planos.

3.- Me interesan los momentos que aparentemente no significan mucho, donde ocurren pocas acciones pero que en el fondo yo los pienso sumamente significativos, tan solo estar parado observando la calle puede ser algo muy fuerte.

4.- Cada vez que comienzo a filmar, mis actores ya conocen los términos generales de las escenas, pero una vez dentro del set abrimos un espacio para encontrar factores sorpresa dentro de la improvisación y es entonces como los cortes de los planos surgen entre esos descubrimientos.

5.- Yo no escribo mis guiones de una manera convencional; por el contrario, escribo pequeños borradores sobre escenas en específico bajo situaciones determinadas. Nunca escribo diálogos, estos los decido en el rodaje junto con mis actores, establecemos un diálogo y por lo general ellos son quienes los proponen. 

6.- Si bien en mi obra se ve reflejado el ambiente social que se vive en Taiwán, no me gusta emitir juicio al respecto, simplemente trato de situar los contextos en los cuales sucede.

7.- Tanto en Goodbye Dragon Inn, como en The River y Vive l’amour pongo en contraste estas situaciones y trato de actuar como un mero observador. Retrato las consecuencias que se ven reflejadas en la vida de mis personajes.

8.- Los objetos que usualmente utilizo, y que se repiten en mis películas, son objetos que han aparecido en momentos distintos en mi vida personal. Encuentro un interés muy profundo en la repetición de todo lo que se va manifestando en la vida. 

9.- Otra cualidad importante de estos objetos es que dependiendo del momento en que aparecen tienen un significado distinto. En ese sentido me gusta pensar el cine que hago como la lectura de un diario personal.

10.- Tengo muy poca confianza en mí mismo para operar una cámara, el trabajo técnico me es muy desconocido, pero tengo un gusto muy particular por la composición de la imagen, solo en ocasiones muy específicas trato de hacer la fotografía en mis películas. Por fortuna he construido una relación muy estrecha con mi fotógrafo de cabecera: Liao Pen-Jung.

11.- Mis películas están fundamentadas en la expresión de los deseos y también están pobladas de una parte carnal: Creo que ese deseo siempre está relacionado con la evolución de mis personajes, pero sobre todo de la vida real de mis actores.

12.- El deseo está conectado a nuestro cuerpo en todo momento, por lo que, al igual que nuestra vida, va cambiando en todas nuestras etapas de crecimiento; desde nuestra niñez, la juventud y finalmente la vejez. Un ejemplo muy particular es Stray Dogs, donde el protagonista entra en conflicto por la insatisfacción que le genera no haber realizado ciertas cosas.

13.- En largometrajes más tempranos hablo sobre los deseos de un joven; una exploración tanto sensorial como psicológica. Lee Kang-sheng se encuentra en una búsqueda sexual y emotiva.

14.- En varias de mis películas busco hablar sobre el cambio y la evolución de nuestros cuerpos, a la par que la evolución de los deseos.

15.- Me gustan mucho las canciones populares que se escuchaban en la década de los setenta en Taiwán. Las películas que veíamos aquellos años en Hong Kong, Taiwán y Malasia imitaban el estilo de las grandes producciones hollywoodenses con bandas sonoras extraordinarias. Esas funciones quedaron grabadas en mi memoria y las recuerdo con mucho cariño.

16.- Otra función que busco con el uso de la música es la de generar contrastes: En The Hole, el ambiente es muy lúgubre por lo que la música genera un contrapunto muy significativo.

17.- Precisamente el uso del elemento sonoro también tiene que ver con el deseo, estas canciones populares hablan sobre el amor o sobre la búsqueda del amor aún cuando lo hacen desde lugares comunes o de manera trivial, es un tema que siempre está presente.

18.- Los actores con los que trabajo son muy introvertidos en la vida real, por lo que las escenas musicales juegan un papel importante enriqueciendo y contrastando el ritmo, por ejemplo en The Wayward Cloud.

19.- En China, el concepto de las galerías de arte es algo muy nuevo. La primera vez que se vio videoarte fue mucho tiempo después de lo que aconteció en Europa. Generalmente el público en Asia no está tan acostumbrado a estas dinámicas. Es un fenómeno cultural que se ha expresado poco a poco. 

20.- En el caso de Taiwán existen muchas galerías de arte y desde hace mucho tiempo yo he tenido la iniciativa de exhibir mis trabajos ahí, desde los largometrajes hasta las series de cortometrajes.

21.- Considero que este fenómeno es muy importante, en primer lugar para cultivar el gusto de las personas e incentivarlos a acudir a las galerías.

22.- Y la otra razón es debido a las transformaciones que ha sufrido el cine en años recientes, en especial el cine comercial; un ejemplo muy claro son las producciones de Netflix con sus aproximaciones reduccionistas. Mis películas siempre han sido diseñadas para la pantalla grande, y es frente a este contexto que me preocupa mi aproximación artística al cine, la utilización de estos espacios es algo muy importante.

23.- Creo que no puede existir nada sin el tiempo, ni la vida, ni el cine. Creo que una cosa es el tiempo presente que va transcurriendo y otra muy distinta la manera en que somos conscientes de ese tiempo, la apreciación de una temporalidad o el abandono de ese presente. En las películas comerciales no importa esa distinción, nunca ha interesado la consciencia del tiempo, al contrario. Creo que una de mis inquietudes cinematográficas más profundas es la de encontrar un flujo continuo del tiempo.

24.- El tiempo es el mayor regalo que nos ha dado la vida. Cuando yo era joven me preocupaba porque llegué a creer que la vida solo me alcanzaría para hacer 10 películas. Days ha sido la onceava y creo que ha sido un gran regalo.

Antes de concluir con la sesión virtual, Tsai Ming-liang agradeció a todas y a todos los asistentes del taller y a modo de despedida afirmó: “Nunca imaginé que mi filmografía viajaría a un lugar tan lejano como México, me encuentro muy feliz de poder estar con ustedes. Muchas gracias”.

Encuentro Punto de Vista: Disidencias sexuales y cine

Por Fernanda Garza

El día viernes 26 de marzo en FICUNAM contamos en nuestro Encuentro punto de vista con la presencia de tres grandes mujeres disidentes sexuales en la industria del cine: Ángeles Cruz, cineasta y activista indígena; Astrid Rondero, cineasta y María Renée Prudencio, actriz y guionista; junto a Alejandro Pérez Eyzell, investigador sobre cine queer latinoamericano; moderados por Kani Lapuerta.

En dicho encuentro se abordaron distintas narrativas que atraviesan y atravesaron a las panelistas en su experiencia en el cine como creadoras del mismo así como espectadoras; el apoyo (o no) que recibieron del cine mainstream y la representatividad que reciben como marginades.

Nos encontramos entonces con PELÍCULAS de disidencia sexual más no con un cine meramente disidente; es decir, cine homosexual hecho y dirigido por heterosexuales o bien, cine sobre la comunidad trans dirigido por hombres gay. Se desplazan las voces, por lo que las historias son contadas por otres. 

“Lo que siempre tengo claro es no pensar que tengo yo una obligación de hacer nada que tenga que ver con lo que yo deseo hacer”, comenta Astrid Rondero cuando le preguntan cómo cambiar el panorama en el cine heteronormado. Se plantea en el panel dejar de lado la narrativa heterosexual donde el personaje LGBTTTIQ es el apoyo del protagonista blanco privilegiado y que se vuelvan centrales; cambiar la estructura aristotélica de inicio, desarrollo, clímax y resolución ya que el movimiento disidente sexogenérico ha aportado algo muy importante que es el concepto de la fluidez y por lo que el cine debería ser así, fluido.

Ángeles Cruz comenta que quisiera ser todos los papeles posibles, acceder a todo el abanico de interpretaciones pero que no puede, porque “aquí” no es así, en México es la que sirve, la que limpia, la ama de casa; comenta que ella nunca se sintió identificada con los personajes que le llegaron a su comunidad y hoy en día sigue sin sentirse identificada…”yo quiero dejar siempre a mis personajes femeninos un espacio de decisión, donde  yo como creadora no determino qué va a decidir pero sí determino crear ese espacio para decidir…no sentenciar ese espacio de sentencia que por ser hombre o mujer, negro o blanco, debes comportarte de alguna manera porque esas etiquetas nos han hecho muchísimo daño..” comentó, y es su forma de cambiar el cine.

Existe un intento de guerrilla de que el cine disidente penetre en el cine mainstream y se cuenten las historias del margen, las historias que ayudan a sobrevivir, tal como fue el caso de María Renée. Por otro lado, es para que se cuenten las historias de deseo, como en el caso de la mayoría de las historias de mujeres trans, donde generalmente se retrata el rechazo, la enfermedad y el trabajo sexual y no el deseo o un enfoque distinto al morbo.

A pesar de que hoy en día sí existen inclusiones de personajes homosexuales y distintas sexualidades, la apertura sexual sigue teniendo un color y se rige dentro de ciertos cánones. María Renée hace una crítica donde siguen siendo los hombres heterosexuales homosexuales cis heteronormados o gays quienes tienen mayor visibilidad en pantalla así como mejores oportunidades a acceso a presupuesto. La disidencia debe incidir en esos circuitos cerrados donde vuelve a la comunidad LGBTTTIQ+ en un producto sin voz y estereotipado.