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FICUNAM 12 marca el regreso a los espacios universitarios de la UNAM

El regreso de festivales como el FICUNAM recuerdan la importancia de la cultura como catalizadora de ideas y el sentimiento de comunidad que tanto anhelábamos. FICUNAM es además, una oportunidad de intercambio intenso con otras culturas y expresiones artísticas.

El Festival de la Universidad tuvo un alcance de más de 4.5 millones de espectadores entre los asistentes en sala, la programación virtual y la audiencia televisiva, muestra el poder del cine para convocar al encuentro con el mundo a través de las pantallas, los diálogos y las actividades artísticas. 

Con una convocatoria que contó con 360 trabajos fílmicos, se seleccionaron 12 películas en la Competencia Internacional; 12 en Ahora México y 9 en Aciertos. 26 actividades académicas, la participación de 63 invitados internacionales y 62 nacionales. 170 títulos de 43 países y 235 funciones fílmicas en total.

Además, se publicó Umbrales, se realizó el diario sonoro del FICUNAM a través de El Retorno a la razón y se produjo el Podcast Ecos, para entrar en una dimensión distinta de la creación cinematográfica. 

FICUNAM, con 12 sedes presenciales y 18 salas o espacios de exhibición en la Ciudad de México, se propuso ir más allá a través de 3 plataformas de streaming: MUBI, FilminLatino y Cine en línea de Filmoteca UNAM; y 2 dos canales de televisión: TV UNAM y Canal 22, llegando a todos los rincones del país y, por primera vez, a algunos países de  Latinoamérica.

Siempre apostando por la innovación, sin dejar los referentes históricos y el valor del cine de archivo, el FICUNAM se mantiene como un referente de la exhibición del cine en México. 

Punto de vista: Encuentro de nuevas narrativas. Subversiones experimentales – Una perspectiva latinoamericana

Por Leonardo Yeldan

La conversación tuvo lugar en el Complejo Cultural Los Pinos, moderada por Elena Pardo, donde se dio un espacio de discusión y reflexión bajo las perspectivas de las cineastas Alexandra Cuesta, Laura Huertas Millán y Jessica Sarah Rinland.

Las directoras, además de vincularse en la creación de cine experimental, conversaron acerca de su formación académica cinematográfica. Coincidieron en recibir su educación lejos de su país de origen, lugares como Francia, Estados Unidos e Inglaterra, fueron las comunidades que las acogieron. Esta similitud generó la pregunta: ¿a qué se debe esta migración creativa en el cine? Las cineastas respondieron que, a pesar de compartir una filmografía que teje un vínculo de identidad latinoamericana, la falta de espacios, de apoyo y oportunidad para generar comunidades, es algo constante en el ecosistema artístico de Latinoamérica. Asimismo, se habló de la importancia del apoyo a las escuelas de cine, pues son espacios donde las nuevas voces pueden focalizar sus propias reflexiones creativas.

De igual forma, Laura Huertas Millán recalcó que el extranjero no es el mejor lugar para reafirmar la identidad latinoamericana, debido no sólo a la distancia geográfica que hay con sus ciudades natales, sino a la carga racista que sigue existiendo hacia las y los latinoamericanos.

Asimismo, la charla dio a lugar a una suerte de epifanía alrededor del adjetivo “experimental” y cómo las directoras se sentían poco identificadas con el término. Lo experimental, contaron, siempre ha sido una noción que es determinada en los espacios intelectuales hegemónicos, donde éstos deciden qué obras portan esta cualidad. Las características experimentales de los filmes están ligadas, casi siempre, a un jurado que parte de la escuela estadounidense, escuela que plasma una realidad delimitada y que, la mayoría de las veces, ignora lo que puede llegar a ser experimental desde la experiencia latina. Laura Huertas Millán añadió que el cine experimental hegemónico está íntimamente relacionado con las posibilidades digitales y de producción de los países primermundistas. De ser así, las oportunidades de las y los cineastas de entrar en esta categoría son limitadas, lo que llegaría a discriminar las nuevas nociones de lo experimental latinoamericano, pues, en palabras de Jessica Sarah Rinland, “todos estamos experimentando de alguna manera”.

De esta forma, lo experimental llega a reivindicar una metodología cinematográfica no comercial, sin embargo, limita las posibilidades del cine latino en los festivales y en otros espacios, donde las valiosas propuestas de la perspectiva latinoamericana pueden llegar a ser ignoradas.

La cineasta Elena Pardo presentó Pulsos Subterráneos en el Museo Experimental ‘El Eco’

Por Ximena Piña

Este viernes 18 de marzo en el Museo Experimental el Eco, y como parte del programa Umbral Expandido de la nueva sección Umbrales, se llevó a cabo la presentación de “Pulsos subterráneos” de Elena Pardo, una función de cine expandido con sonorización en vivo realizada por Juan Sebastián Lach y Misha Marks y presentada en colaboración con Síntesis.

Paola Santoscoy, directora del Museo, fue quien dio inicio al evento expresando su alegría por poder retomar las actividades culturales en el recinto después de estar suspendidas durante dos años debido a la pandemia. Por su parte, Maximiliano Cruz, Director artístico del FICUNAM, continuó la presentación agradeciendo a Elena, Juan y Misha por haber aceptado la aventura y al programa Síntesis por darle vida al evento.

Con esto dio inicio la función, que se realizó en un patio del Museo donde en un extremo se proyectaban imágenes y en el otro Elena, Juan y Misha trabajaban para darle vida. Elena controlaba tres proyectores de 16mm que usaba de manera alterna; Juan manejaba la computadora y el sintetizador: y Misha tocaba la tuba. 

La proyección incluía imágenes de raíces, árboles, bosques, minas, dinamita y paisajes de Oaxaca y Zacatecas. En estos paisajes se podían escuchar voces que expresaban: “Sin nuestro territorio no existimos”, “en Oaxaca es donde hay más esperanza y resistencia”, y “ya se nos está acabando nuestro pueblito, por todos lado está completamente corroído”.

Una vez que terminó la proyección, después de los aplausos recibidos, Elena, Juan y Misha pasaron al frente para platicar un poco más sobre su proyecto y la crítica que este realiza contra la minería, la cual no puede ser sustentable en ningún sentido. Para conocer más sobre el tema visita: https://pulsossubterraneos.com/.

Por último, Elena comentó que los materiales presentados fueron filmados a lo largo de tres años y era la primera vez que realizaba la función en su totalidad, subrayando: “La posibilidad en el cine expandido, nunca está cerrada”.

Te compartimos nuestra galería de fotos, cortesía de Incendiarios.

Seminario El público del futuro. Mutaciones y cine de vanguardia, movimientos del cine experimental. Clase magistral con Richard Peña en 16mm

Por Giselle Vidal

El formato de película cinematográfica 16mm fue introducido por Eastman Kodak en 1923 como una alternativa económica al formato convencional de 35mm.

El 18 de marzo de 2022 se llevó a cabo en Cine Tonalá el Seminario El público del futuro, una clase magistral del prestigioso programador estadounidense Richard Peña, quien para dar comienzo a la clase magistral dio el contexto histórico acerca del Super 8. 

Aquí un resumen en 16mm:

1.- Los medios portátiles no son exclusivos del presente, son extensiones de nuestro ser físico y sensorial, fungen como interfaces entre nosotros y los contenidos culturales.

2.- Cuando los medios son portátiles, surgen conceptos afines: accesibilidad, asequibilidad, facilidad de uso, durabilidad, adaptabilidad y programabilidad, lo que hace cuestionarnos acerca de la experiencia y uso de los mismos.

3- Los medios portátiles han permitido transformaciones de conceptos y prácticas básicas, no solo de hacer, mirar y escuchar, sino de la educación y el ocio. 

4.- Las salas de cine son difícilmente transportables, la construcción y creación de estos espacios son fundamentales para las experiencias para las historias grabadas.

5.- Nuestra fascinación por las salas de cine va de la mano de estas construcciones arquitectónicas con la iluminación, ampliación y actuación a gran escala. Sin embargo, ha empañado nuestra capacidad para ver la gama completa de dispositivos de grabación de películas.

6.- Estos dispositivos portátiles han permitido que surjan formas distintas del cine teatral.

7.- Esta visión ampliada de la historia de los medios también demuestra que las cámaras portátiles y los dispositivos de visualización, descienden de este linaje de dispositivos del siglo XX.

8.- Una parte del comercio estadounidense utilizó cámaras y proyectores portátiles para sus actividades de comunicación, relaciones públicas, publicidad e incluso exhibición y a finales de los años treintas el uso en escuelas, domicilios particulares.

9.- El formato Super 8 de calibre pequeño fue desarrollado por la compañía KODAK en 1965, tiene orificios de entrada dentada que su predecesor regular estándar, lo que significa que la imagen se extienden sobre una franja más amplia y que hay una imagen más clara y más definida.

10.- El formato de calibre pequeño 16mm tenía una imagen tres veces más grande, además fue el indicador de uso para aficionados de películas caseras o de consumo familiar. Después de la guerra, este formato era donde comúnmente se grababan las noticias de televisión, lo que en consecuencia hizo que hubiera mejoras en las películas disponibles. 

11.- 16mm se volvió la película preferida para una nueva generación de cineastas independientes, era más accesible económicamente y estaba a disposición de nuevas plataformas como cineclubes universitarios o cines independientes. 

12.- Para los cineastas entre el Super 8 y el 16mm, la fragilidad y la delicadeza del calibre se utilizaron para reflejar los espacios físicos y psicológicos más privados de la vida cotidiana.

13.- El bajo costo del Super 8 permitió a las personas experimentar en proyectos.

14.- Bolívar, Sinfonía Tropical fue la primer película originada en Super 8 que se mostró en la sección oficial del festival de cine de Cannes.

15.- El punk retomó una idea que había sido pionera en los años sesentas: la creación de instalaciones visuales. 

16.- Super 8 hizo avances en las universidades estadounidense, el bajo costo del equipo y procesamiento convirtieron en una alternativa atractiva, debido a que cada vez más los estudiantes querían estudiar cine. 

Seminario El público del futuro. Relación viva entre la creación, los agentes culturales y el pensamiento fílmico

Por Giselle Vidal

El pasado 18 de marzo se celebró el Seminario El público del futuro, cuyo tema central fue la relación viva entre la creación, los agentes culturales y el pensamiento fílmico. Como ponentes contamos con la participación de Clemente Castor, Davani Varillas de Los Ingrávidos, Alexandra Cuesta, Maximiliano Cruz y Juan Ayala.

Maximiliano Cruz nos habló acerca del programa de comisionado Umbrales, y explicó su finalidad de dar más visibilidad al cine experimental y congregarse en el Festival Internacional de Cine UNAM; confesó que está idea no es nueva, ya se había planteado y realizado en otras ediciones, pero que en esta ocasión se decidió dar comienzo oficialmente con este espacio.

“Fue una gran coincidencia esta idea, me agrada hacer este cine experimental y darle cabida a nuevos lenguajes, es una fortuna que se dio el lugar, el espacio y el tiempo”, comentó con emoción Juan Ayala. Además, la cineasta y artista visual Alexandra Cuesta coincide con que esta es una gran oportunidad para dar visibilidad a este cine no tan convencional y que, en consecuencia, se rompan las limitantes hegemonías en latinoamérica, ya que en general estos espacios sólo existen en el hemisferio norte. 

Alexandra nos comparte que el trabajar con varias limitaciones, en específico el tiempo, ha sido todo un proceso bastante complejo y nos relata su proceso de creación: “encontré una película 16mm de hace 15 años aproximadamente, era uno de mis primero trabajos… y retomar este material que era el retrato de una población de Ecuador fue muy enriquecedor e inspirador”.

Maximiliano señala que la idea de Umbrales es romper las hegemonías limitantes del hemisferio norte porque llegó a abrir espacios para este tipo de cine latinoamericano; además, el director de cine Clemente Castor añadió al comentario que Umbrales no tiene esta forma típica de accionar, no es como con otro tipo de convocatorias y/o financiamientos.

“Cuando comencé a filmar esta película tuve ciertas dificultades al crearla, sentía cierta incomodidad sobre cómo estaba haciéndola y me centré en buscar a nuevos actores y quien pudiera apoyarme en la fotografía”, compartió en esta charla Clemente Castor quien nos habla acerca de el proceso de investigación e inspiración de su película y está recolección de datos. 

Posteriormente, Davani del colectivo Los Ingrávidos, nos habla de su experiencia cuando comisionaron su obra Teponaztli, quienes en su momento comenzaron a investigar acerca del pensamiento mágico/chamanico, además de hablar acerca del retorno de los dioses y el cuerpo de la película/celuloide. Expone que los espacios son especialmente los personajes como chalma, Tehuacán y otros y esta relación con lo prehispánico en tiempos actuales. Además, comenta que hicieron esta relación con el cine chamanico de Raúl Ruiz, que es un llamado a nuestros ancestros. 

“Esta obra es muy distinta a las anteriores, no deja de tener similitudes pero es distinta, mi proceso de trabajo no es principalmente crear un guion, yo hacía foto fija y me agrada pensar cómo desde atrás de la cámara”, nos comparte Alexandra Cuesta. “El cine no es una representación de la realidad, es más bien una manifestación del tipo documental y espiritual. El cine es algo más físico, más como una escultura que hay que trabajar.”

Davani, de Los Ingrávidos, expone que la percusión es algo importante dentro de las obras del colectivo, es una influencia importante. Además, Clemente Castor nos relata que en su adolescencia su forma de comunicarse era la imagen, “la sensación de algunas imágenes sueltas y una búsqueda de comunicación a través de las imágenes sin una narrativa establecida”. Asimismo, Juan Ayala concuerda que la adición de la música y el cine es un eje muy acertado con los procesos de integración en la experimentación, es una ruptura constante, una apertura en la experimentación, quien además hace una remembranza del voguing. 

Maximiliano expone con emoción que “el saber que Umbrales de estas dinámicas con los cineastas y el cine en general, da cabida en el cine experimental, este portal para romper estos cánones y visibilizar la variada experimentación del cine”. Además señala que la comisión de obra está alejada de lo mercantil, se salta la convocatoria, es muy complicado, debido a que no hay tantos espacios de diálogo. La pandemia dio la oportunidad de abrir la puerta a este cine experimental que ya existía. Umbrales se concibió con esta visión nacional, hay una intención muy clara de que existe este tipo de cine, y que los creadores tanto como el público sean parte de este procesos.

Conferencia-performance: Shadowboxing, de Laura Huertas Millán

Por Sofía Roa 

¿Contra qué estás peleando?
Laura Huertas Millán

En la décima segunda edición del FICUNAM el jueves 17 de marzo en el Auditorio MUAC, con el apoyo de la DRAC Île-de-France – Ministère de la Culture y de Mécènes du Sud, en la sección Umbral Expandido se llevó a cabo la conferencia performática Shadowboxing (2021), dirigida por Laura Huertas Millán, cineasta y artista visual franco-colombiana cuya práctica se posiciona en el cruce entre cine, arte contemporáneo e investigación histórica. 

Shadowboxing (2021) es la obra más reciente de Laura y que está en permanente proceso, en la que mediante el boxeo —deporte que practica la cineasta— se presentan las múltiples búsquedas de emancipación vividas individual y colectivamente, las cuales están inspirada en las peleas de los rings para relacionarlas con las luchas constantes contra la violencia racial y de género.

Las primeras imágenes del material proyectan un álbum de fotos que nos muestra a la persona que le heredaría el gusto por el boxeo a Laura, su abuelo, posteriormente la voz del padre de Laura da inicio al performance presentándola como la artista Laura Huertas. 

Al igual que en el box, a través del ritmo Laura crea una melodía con “Lento” de Karlek & JH Beats, en la que explica cómo se siente la práctica del boxeo, sea el uso del cuerpo, la pelea misma, la libertad del movimiento o la fuerza con la que se actúa. En las rimas se escucha: “me puse el traje anticuado de la habilidad para que al oírme murmure sus secretos, voy buscando cuerpo en libertad”, “subir al ring es una cuestión de actitud bling bling bling…”. Esta es una de las muchas formas en la que la artista presenta su obra, pues dependiendo del lugar su proyección puede variar. 

Durante el performance y en la puesta en escena el tema del boxeo y género es parte esencial del proyecto de Laura, ya que a través de una construcción histórica se habla de la lucha de las mujeres anglosajonas contra las restricciones que limitaban sus actividades, así como de la búsqueda de crear un tipo de boxeo menos combativo y menos agresivo. 

Por otro lado, son representadas imágenes de Laura practicando boxeo relacionadas con la lucha que día a día tiene consigo misma, pues en su diálogo menciona: “en el club de boxeo me siento emancipada del género, mi cuerpo elástico se mueve a todas las direcciones, me convierto en otra persona, alguien que siempre he sido, pero con un color resaltado por otro”, a la vez que se muestran imágenes de las luchas por parte de la comunidad LGTB+.

“¿Cómo reconciliar los dos polos, el de la hipermasculinidad del boxeo y el de la consciencia de su toxicidad?”, mencionó Laura mientras reflexiona sobre su entorno en el Club deportivo, lugar donde practica boxeo, con el que nos muestra como en un espacio puedes mirarte, mirar al otro y cuestionarte sobre ¿qué hacemos?, ¿quiénes somos?, ¿qué encontramos? Sobre esto, fueron también proyectadas imágenes de París y de protestas colombianas, ambas cercanas a Laura, comentó: “filmar París ya no como un lugar de deriva y romanticismo, sino un lugar de lucha y ultra capitalismo”.

Poco antes de finalizar el performance se escucha “Too Correct” de Crayon & Rema con la que transcurrían las imágenes de boxeadores de alto reconocimiento para pasar a las imágenes en movimiento de dos boxeadores, uno francés y otro colombiano a quien se le pregunta: ¿Contra qué estás peleando?

Al finalizar la conferencia, la cineasta contestó algunas de las inquietudes del público; sobre los orígenes de Shadowboxing (2021) Laura mencionó: “empecé a hacer boxeo porque desde niña siempre he tenido una fascinación por las artes marciales y además sin tener idea de que mi abuelo era boxeador (…) entonces todas la veces que iba a entrenar salía del entrenamiento y empezaba a escribir en mi teléfono frenéticamente, de hecho son esas las notas que leo en el performance”.

Por último, acerca de la decisión de hacerlo desde un performance, Laura comentó: “desde hace muchos años hago películas y veo documental experimental, y hubo en mí una fatiga de las voces en off en vínculos con imágenes. De repente incluir algo que viene a crear otra tensión como desafío para mí me llevó a esto, y también me inspiró mucho cuando di clase en una universidad como los poetas y las poetas leen su obra, siempre tiene algo performativo y al mismo tiempo siempre tiene el texto, pero igual tiene que ver mucho con la historia del cine como tal”.

Se realizó la Ceremonia de Premiación de la décima segunda edición de FICUNAM

El jueves 17 de marzo de 2022 a las 18:00 horas se llevó a cabo la ceremonia de premiación de la décima segunda edición del Festival Internacional de Cine UNAM, en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario. Abril Alzaga y Maximiliano Cruz, directores del Festival, fueron los encargados de conducir la ceremonia, en la que se premió a los ganadores de las secciones en competencia de esta edición.

Aquí los ganadores de la décima segunda edición del Festival Internacional de Cine UNAM:

ACIERTOS. ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Jurado Aciertos:

• Jessica Beshir
• Laura Huertas Millán
• Oona Mosna

Medalla Puma de Plata al Mejor Cortometraje

Pacaman, de Dalissa Montes de Oca (República Dominicana, 2021). Chavon La Escuela de Diseño

Mención Especial al Cortometraje

El pastor, David Paredes (Cuba, 2022). EICTV. Escuela Internacional de Cine y TV

AHORA MÉXICO

Jurado Ahora México:

• Cintia Gil
• Vadim Kostrov
• Genevieve Yue

Jurado “Fósforo”:

• Luis Eduardo Pérez López
• Óscar Daniel Badillo Pérez
• Rosalina Estrada Medina

Puma de Plata Ahora México a la Mejor Película, presentado por Banco Santander       

Si pudiera desear algo / If I Could Wish for Something, de Dora García (México, 2021)

Premio TV UNAM

Las hostilidades / The Hostilities, de M. Sebastian Molina (México, 2021) 

Premio Estímulo Churubusco UNAM

Lumbre / Embers, de Santiago Mohar (México, 2021)

Premio LCI Seguros, que entregó el Jurado “Fósforo”

Pobo‘ Tzu‘ – noche blanca, de Tania Ximena y Yollotl Gómez Alvarado (México, 2021)

Mención especial del Jurado “Fósforo” 

Las hostilidades / The Hostilities, de M. Sebastian Molina (México, 2021)

Mención especial del Jurado “Fósforo” 

Hope, Soledad, de Yolanda Cruz (México, 2021)

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Jurado Competencia Internacional:

• Niño de Elche
• Bette Gordon 
• Ariane Labed
• María Secco
• Saul Williams

Puma de Plata a la Mejor Película   

El gran movimiento / The Great Movement, de Kiro Russo (Bolivia – Francia – Qatar- Suiza, 2021)

Puma de Plata a la Mejor Dirección, presentado por MUBI

Payal Kapadia por Una noche de no saber nada / A Night of Knowing Nothing (Francia – India, 2021)

Mención Especial

Malintzin 17, de Mara Polgovsky y Eugenio Polgovsky (México, 2022)    

Premio del Público 

El gran movimiento / The Great Movement, de Kiro Russo (Bolivia – Francia – Qatar- Suiza, 2021)

CATAPULTA. LABORATORIO CINEMATOGRÁFICO INTERNACIONAL DE LA UNAM

Mención Especial Primer Corte: 

La mala familia, de Nacho A. Villar & Luis Rojo

Premio Estudios Churubusco Azteca:

Love Dog, de Bianca Lucas

Premio Estudios Churubusco Azteca:

Peter Pan, de Natacha Samuel & Florent Klockenbring

Premio Catapulta Primer Corte

India, de Telmo Churro (Portugal)

Premio Catapulta Desarrollo

El romance de la negra rubia, de Agustina Comedi (Argentina)        

Participaron en la ceremonia la Dra. Rosa Beltrán, Coordinadora de Difusión Cultural de la UNAM; Abril Alzaga y Maximiliano Cruz, Directores del FICUNAM; Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas-Filmoteca UNAM; Juan Ayala, Secretario Técnico de Planeación y Programación de Cultura UNAM; María Novaro, Directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE); Erwin Newmayer, Director de los Estudios Churubusco; Héctor Ramirez, Subdirector de Vinculación de TV UNAM; Sandra Gómez, representante de MUBI Latinoamérica; y lxs miembrxs del Jurado de las secciones en competencia de esta décima segunda edición.

El Dr. Enrique Luis Graue Wiechers, Rector de la Universidad Nacional Autónoma de México, dio por concluida la décima segunda edición del FICUNAM.

Olla en Cine Tonalá

Por Diana Galán

Como parte de la programación de la sección Atlas del FICUNAM 12 y en colaboración con MUBI, este miércoles 16 de marzo se proyectó en Cine Tonalá el cortometraje Olla (2019), de Ariane Labed, el cual marca su debut como directora. 

Ariane Labed, conocida por su obra como actriz en películas como Attenberg (Athina Rachel Tsangari, 2010) y Alps (Yorgos Lanthimos, 2011), explora en Olla diversas problemáticas de género: la protagonista (Romanna Lobach) contesta un anuncio en internet en una página web de citas para mujeres de Europa del Este y se muda con Pierre y su madre. Desde ese instante se disparan una serie de circunstancias que llevan a Olla a reapropiarse de su corporalidad y autonomía en una sociedad patriarcal llena de expectativas hacia las mujeres. Labed insiste en un precioso contraste entre lo privado y lo íntimo, y la fotografía en 16mm permite al espectador captar esto a través de los colores y las texturas. 

Luego de la función, la directora, quien también forma parte del jurado en la Competencia Internacional en esta edición, ofreció una charla en compañia de Verónica Ortiz. Uno de los temas destacados en la platica fue admiración que  Labed confesó hacia Pina Bausch, en quien se inspiró para construir ciertas particularidades de Olla; asimismo, Verónica Ortiz y ella discurrieron sobre la significación del lenguaje corporal dentro de la película, pues es a través de este que el personaje principal puede afirmarse dentro del espacio. 

En el mismo sentido, Ariane Labed afirmó que Olla está íntimamente relacionada con su experencia como mujer, pero sobre todo con su experiencia como mujer dentro de la industria cinematográfica, por ello, resalta la violencia hacia las mujeres en distintos ámbitos como el hogar, el espacio público, las relaciones, etc. 

Finalmente, la directora comentó con los asistentes lo relevante que resulta para ella poder filmar en película y no en un formato digital, pues son recursos que permiten una experiencia más real con el cine y cierta “concreción” en las imágenes, por ello piensa seguir creando de esta manera y espera que los temas que aborda en Olla se sigan discutiendo y poniendo en pantalla pues es importante escucharnos y ser escuchadas.

The Tyger Burns. El Puma arde: Un diálogo entre Ana Carolina Teixeira y Gerwin Tamsma

Por Giselle Vidal

Durante la décima segunda edición del Festival Internacional de Cine UNAM, el 16 de marzo se celebró la actividad especial en línea de su sección El Puma arde (The Tyger Burns), dedicada a una selección de cine contemporáneo que destaca el trabajo de cineastas veteranos, que evidencia que la pulsión creativa sigue ardiendo con la misma intensidad que hace décadas.

En esta ocasión, la directora veterana Carolina Teixeira nos comparte las razones detrás de su producción documental, el surrealismo de su feminista, así como las múltiples facetas que ha desempeñado en el cine dentro de una industria dominada por hombres.

Para comenzar Carolina nos habla acerca de las dificultades que tuvo al crear su último film en una playa tropical de Curitiba al sur de Brasil, a sabiendas del contexto político que se presentaba en ese momento, fue muy complicado acceder a esa locación con su equipo de trabajo, aunque menciona que es un lugar hermoso pero complicado por las condiciones en las que trabajaban, aunque le ofrecía una cierta libertad y satisfacción.

Su mayor preocupación como directora es cual es la discusión acerca del poder que hay sobre su persona, es una meta en sus films, además de hablar acerca de la mujer y el feminismo, sin embargo no es de los puntos más importantes a tratar, como señala la directora Carolina Teixeira.

Carolina Teixeira confiesa que el documental es más sencillo/económico de crear, a pesar de ser interesante le parece que es muy aburrido, menciona que prefiere jugar y divertirse; el documental le confiere demasiada responsabilidad, no le agrada tener la última palabra. asimismo declara que no le interesa ser una cineasta para el mercado comercial, quiere crear cine que sea muy propio de ella, siempre desde su punto de vista, y el que Brasil haya cambiado sus condiciones para crear cine le beneficio en esto. 

Latinoamérica está siempre mezclada, menciona Carolina, actualmente es muy triste la cultura de cine, es peligroso. No existe el poder bueno o malo por separado es una misma cosa, las políticas de Latinoamérica destruye nuestra cultura, nuestra identidad que ahora es muy débil, no podemos identificar quien es quien (Argentina, Brasil, México) son lo mismo, la cultura ha sido abandonada, es como se siente actualmente. La cultura es la que hace nuestra cara, nuestra identidad. 

La directora brasileña afirma que para sus siguientes proyectos es más difícil filmar actualmente, “es más difícil tener mi nombre en las pantallas, la gente joven está viniendo con nuevas ideas y preocupaciones, y quizá algún día me detenga, será muy triste no saber qué hacer, pero me gusta crear películas, amo hacer cine”. 

Además de conocer el contexto, Carolina señala que Brasil es un país muy violento, y el que el carnaval es como una especie de escape, y que en algún momento participó, pero es muy peligroso actualmente por la cantidad de gente que hay en él; en este último film no hay violencia, menciona Teixeira, “quiero mostrar el sentimiento de fracaso, abandono, que es un sentimiento permanente que acompaña a las mujeres de mi familia”.

“Las mujeres sueñan con el hombre todo el tiempo, pero no estoy hablando de esta generación, porque el sueño del hombre es más “interesante”, porque quiere conocer el mundo, el gran amor, o el dinero, un gran sueño a comparación, yo tengo grandes sueños, pero es muy peligroso tener grandes sueños” 

“Yo se que es lo que la gente en Brasil dice de mi: cuidado ella no es normal; es difícil pero es lo que ellos decían/dicen cuando recién comencé a crear cine; en uno de los festivales de Portugal, en mi segunda película, cuando la proyección terminó y encendieron las luces, un hombre me pidió que bajara y que pidiera disculpas por la película que hice. No iba a pedir disculpas por la película que hice.” Portugal ahora es diferente, es menos conservador expresa con emoción  Carolina.

“Crear buen cine es muy difícil, ir a crear cine es complicado, trabajar en un nuevo cine es difícil, y las mujeres por lo general no les gusta este tipo de cosas porque creen que es muy difícil, pero necesitamos más apoyo para poder soñar en grande” concluye Teixeira. 

The Tyger Burns: El Puma arde. Un diálogo entre Sergio Olhovich y Olaf Möller

Por Alma Acevedo

Este miércoles 16 de marzo, en el auditorio del Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la UNAM, se llevó a cabo la primera mesa que forma parte de una nueva sección del FICUNAM, como extensión del programa “The Tyger Burns” del Festival Internacional de Cine de Rotterdam, en la que se celebra a realizadoras y realizadores de la tercera edad que comparten sus experiencias y la sabiduría desarrollada a lo largo de sus carreras: The Tyger Burns: El Puma arde.

Michel Lipkes, parte del equipo de programación, agradeció en primer lugar la asistencia del crítico de cine y programador alemán Olaf Möller, quien junto con el programador holandés del Festival de Rotterdam, Gerwin Tamsma, crearon un espacio para la mirada de estos directores que ahora se retoma en esta sección. Asimismo, habló de la larga carrera cinematográfica del director mexicano Sergio Olhovich y su papel en el cine independiente de autor.

En esta mesa redonda, realizada en colaboración con la Cátedra Bergman en cine y teatro, Olhovich habló sobre la diferencia entre el cine que se hacía en México y el que él había aprendido a hacer durante sus años de estudios cinematográficos en la Unión Soviética, diciendo al respecto que era más sencillo realizar películas en la URSS pero que reconocía la gran labor que había para la difusión y proyección de cine en México.

Tras su regreso a México después de estudiar en el extranjero, habló de un país que se encontraba en una producción cinematográfica de género, la gran época de oro del cine mexicano, del cual mencionó diferentes personajes que representaron para él mentores, amigos y colaboradores, como a Ricardo Gavaldón, Alejandro Galindo y Luis Buñuel, por mencionar algunos.

El diálogo abarcó también lo referente a la época de movimientos sociales que vivió el director y de la que surgió la que se conoció como la generación de los setentas,  que comenzó a crecer en el marco del concurso de cine experimental y que significó una revolución cinematográfica dentro del cine nacional.

Durante el evento se presentaron 12 minutos de la próxima película del director mexicano: 1938, que representaría, de acuerdo con el mismo Olhovich, la película número 13 dentro de su carrera. Asimismo, expresó su deseo por continuar haciendo más cine por al menos otros 26 años.

Para finalizar, Sergio Olhovich dio un consejo a los jóvenes cineastas latinoamericanos: en primer lugar, el estudio cinematográfico constante y, sobre todo, que ”valoren la experiencia que ya tienen aunque sean jóvenes, y maduren esa experiencia”. Remarcó, además, la gran responsabilidad que es hacer una película.

Revive lo que se habló en esta mesa redonda haciendo click aquí.