DARK LIGHT VOYAGE; una búsqueda mística

Por Sébastien Blayac

Segunda película de la tetralogía Light and the Beginning of Future y última obra del realizador mexicano Tin Dirdamal, Dark Light Voyage relata el viaje a Vietnam que hizo el cineasta junto con su hija. Un viaje místico que explora la oscuridad del ser humano, sus contradicciones, pero también su belleza. Sujeto a las reglas del dogma de Hanoi, el filme es el proyecto de una sola persona, no de un equipo de filmación. 

Al enterarse de que su amigo está en un hospital psiquiátrico por haber matado a una señora y después de doce años de haber perdido contacto con él, el cineasta emprende un recorrido en tren de 1 700 kilómetros —Vietnam de norte a sur— por la necesidad de estar en movimiento para encontrar claridad y respuestas acompañado de su hija, la narradora del filme. Inmersa en el tren, la cámara de Dirdamal observa a la gente en tránsito, intervalo que revela su intimidad como si esta estuviera al descubierto. La película es también una mirada a un país marcado por una guerra, como la parada en la ex frontera norte-sur, el lugar donde más bombas han caído en la historia de la humanidad; una evocación sobre sus raíces tribales, la subetnia de los Ruc; así como una reflexión sobre la paternidad y la empatía, y sobre la percepción de la complejidad humana desde los ojos e inocencia de una niña. 

Viaje intimista e iniciático, meditación sobre la muerte, búsqueda mística, Dark Light Voyage se adentra en las profundidades de la esencia humana a través de un lenguaje visual singular y de sensibilidad poética. Filme también enigmático cuando una voz infantil nos cita las palabras del budista zen Lin-chi, quien vivió hace más de mil años: “si encuentras al Buda en el camino, mátalo”.

A RIFLE AND A BAG; fantasmas del cambio

Por Luis Rivera

Los naxalitas son un grupo maoísta y opositor al gobierno de la India que desde 1967 reclama mejores condiciones para las comunidades tribales. El gobierno los ha considerado como una amenaza terrorista debido a distintos asesinatos en aldeas, ataques a la infraestructura estatal y por el reclutamiento de niños para adherirse a las filas del movimiento de carácter comunista. 

A Rifle and a Bag, ópera prima del colectivo NoCut Film conformado por Cristina Hanes, Isabella Rinaldi y Arya Rothe, nos adentra en el entorno de Somi y su esposo, una pareja de ex naxalitas que abandonaron el movimiento para construir una nueva vida y concentrarse en la crianza de sus hijos. El camino es complicado, puesto que su condición de ex guerrilleros y, por ende, de ciudadanos de tercera categoría, impide que su hijo mayor pueda asistir al colegio. Sufrir la burocracia en su nivel más obsoleto, la rendición ante la policía a cambio de condiciones económicas precarias y de una vivienda marginal, todo para tener la libertad de forjar un futuro mejor. Sin embargo, los ideales que años atrás perseguían como insurgentes naxalitas siguen presentes como fantasmas que atienden sus conversaciones frente a una fogata nocturna.

Filmado con cámara cercana pero en apariencia imperceptible para los que aparecen en pantalla, A Rifle and a Bag opera como mecanismo de escucha y empatía; de encontrarse con un tipo de comunidad que está presente de muchas maneras en todo el mundo, esa que no tiene opciones de cambio, pues la imposibilidad de su condición sobrepasa cualquier sueño, cualquier intento de salir de ahí.

THE INHERITANCE; resistencia en movimiento

Por Rafael Guilhem

La casa bautizada como House of Ubuntu es mucho más que el conjunto de sus pasillos, paredes y cuartos. Es la herencia de una mujer para su nieto; un salón de clases teóricas y prácticas; el epicentro organizativo de un grupo de activistas afroestadounidenses; una merienda para la familia extendida; el «poder negro» de Stokely Carmichael; es espacio pero también tiempo; una sala de conciertos de jazz; un vinilo de Max Roach; el color rojo, amarillo y azul; una biblioteca con libros de Angela Davis y Du Bois; un modelo de vida comunitaria; una alusión explícita a La chinoise de Jean-Luc Godard y una secreta a las películas de Charles Burnett y Spike Lee; un pequeño teatro militante; es también la memoria de otra casa, habitada por el colectivo marxista MOVE y bombardeada atrozmente por la policía de Filadelfia en 1985.

Esta singular vivienda, tan artificial como un plató de cine, tan ligera como una maqueta en miniatura y tan ficticia como una quimera, revela, sin embargo, una bella verdad: que la transmisión de los pensamientos, las emociones y los sueños es el mejor cimiento para afrontar a un sistema tan desigual y discriminatorio como el estadounidense; pero también, que la historia del racismo es, en primer lugar, la historia de una resistencia. Y cuando el cine logra capturar el murmullo vivo de ese movimiento, pasa de ser un pétreo testigo a convertirse en una estancia más donde alojar el aliento de quienes luchan.

VISIÓN NOCTURNA; desandar el camino

Por Maximiliano Cruz

Con un cuadrante del modo night-shot de la cámara digital, la directora Carolina Moscoso trazó un camino conceptual y formal hacia un hecho decisivo del pasado. Tres estados lumínicos animan —advertidos al inicio— este diario de sanación: oscuridad, luz encandiladora y la penumbra. Ninguno de los tres brinda, de modo natural a la mirada, nitidez ni certeza. Pero en el punto de vista en clave nocturna, cobran uniformidad cromático-emotiva, contraste y claridad. 

Desandar el camino que ocho años antes recorrió junto a su agresor por la costera de un balneario cerca de la ciudad de Valparaíso y el resto del trayecto hasta los matorrales aciagos, aceleró el trasegar legal, afectivo, psicológico y existencial, en todo caso, con repercusiones en tiempo real ante la cámara y expresivas en lo cinematográfico.

Documental, autorretrato, ensayo cinematográfico de denuncia. Esta luminosa ópera prima reflexiona sobre un pasado dinámico, maleable con el tiempo y el pulso artístico, y un presente visto como materia prima de algo posterior. El epifánico nacimiento de un ser humano a través del visor nocturno —secuencia medular en la película— desjerarquiza la imagen y nos lleva al núcleo de la tribu para luego desembocar, entre otros afluentes, en una variante del perdón. En un memorable ejercicio de capoteo al trauma, con recursividad de material, soltura en el montaje y el relato oral, Visión nocturna nos recuerda esa contraparte de la luminosidad que ameritan ciertas visitas

MOVING ON; aspiraciones y recuerdos

Por Rubén Corral

Convalecientes del tsunami del filme Gisaengchung (Parasite), vemos ventanucos elevados, una vivienda en un sótano y una familia en marcha: no podemos dejar de pensar en el largometraje de Bong Joon-ho. Pronto se irá de la mente, porque el tono de la película lo da ese tema nostálgico del padrino del rock coreano, Shin Joong Hyun, que suena durante el viaje que el padre y los dos hijos protagonistas de Moving On hacen en una furgoneta Daewoo cargada hasta los topes hacia casa del abuelo. Tienen que mudarse. En un caluroso atardecer del mes de agosto, las calles del barrio aparecen abandonadas y las paredes de los edificios marcados con aspas delatan su futura desaparición. La joven realizadora Yoon Dan-bi sugiere una vida que se queda atrás: la moderna Corea también ha cambiado y sigue transformándose. Si la mirada a generaciones precedentes desde el entorno familiar nos recuerda al Japón de Ozu, quizá sea porque es igual de universal en Asia que en Europa o América.

Moving On destaca por el trabajo de construcción de sus pequeños héroes; por el esmerado tratamiento del sonido y el encuadre riguroso; y por el sutil retrato de ritos y detalles de cotidianeidad familiar.

Aspiraciones y recuerdos, heridas (la ausencia de la madre, el encuentro con la muerte) emergen a lo largo de unos días de verano junto al abuelo, y trazan el recorrido de transición a la madurez de la adolescente protagonista, Okju, que persigue la seguridad en una casa que convertirá en hogar durante algunas semanas de estío.

FICUNAM anuncia su nuevo podcast

FICUNAM anuncia su nuevo Podcast, un espacio dedicado a hablar de las películas que forman parte del festival, con la conducción de Ximena Piña y Pablo Rendón, y que estará disponible en Spotify. 

Realizado con el apoyo de Radio UNAM y la participación especial de Rolling Stone México, la primera temporada del Podcast FICUNAM consta de 5 episodios que se estrenarán próximamente. ¡Descúbrelo!

Episodio 1:  Tsai Ming-liang: Cuerpos entregados – Parte 1
Cineasta taiwanés de gran relevancia internacional, cuya filmografía retrata mágicamente los tiempos que vivimos.
Plática con Michel Lipkes

El FICUNAM, Festival Internacional de Cine UNAM y MUBI se complacen en anunciar los títulos que conforman la retrospectiva “Tsai Ming-liang: cuerpos entregados”, a celebrarse en el marco de la décima primera edición del festival. Las películas estarán disponibles a partir del 18 y hasta el 24 de marzo a través de la plataforma MUBI. Además, gracias a esta alianza, el público podrá disfrutar de 30 días gratis ingresando desde mubi.com/ficunam.

Estos serán los filmes presentados:

1. Rebeldes del dios neón / Rebels of the Neon God (Tsai Ming-liang, Taiwán, 1992, 106 min)
2. Viva el amor / Vive L’amour (Tsai Ming-liang, Taiwán , 1994, 120 min)
3. El río / The River (Tsai Ming-liang, Taiwán, 1997, 115 min)
4. El agujero / The Hole (Tsai Ming-liang, Taiwán, 1998, 89 min)
5. ¿Qué hora es allá? / What Time is it There? (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2001, 110 min)
6. Adiós, Dragon Inn / Goodbye, Dragon Inn (Tsai Ming-liang, Taiwán, 2003 / 2019, 82 min)
7. La nube errante / The Wayward Cloud (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2005, 114 min)
8. No quiero dormir solo / I Don’t Want to Sleep Alone (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia – Austria, 2006, 118 min)
9. Rostro / Face (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia – Bélgica – Países Bajos, 2009, 141 min)
10. Perros perdidos / Stray Dogs (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2013, 138 min)
11. Días / Days (Tsai Ming-liang, Taiwán, 2020, 127 min) *Disponible únicamente por 72 horas

Cortometrajes

1. Chicos / Boys (Taiwán, 1991, 49 min)
2. El puente ya no está / The Skywalk Is Gone (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2002, 22 min)
3. Caminante / Walker (Tsai Ming-liang, Hong Kong, 2012, 27 min)
4. Viaje hacia el oeste / Journey to the West (Tsai Ming-liang, Taiwán – Francia, 2014, 56 min)
5. No No Dormir / No No Sleep (Tsai Ming-liang, Taiwán- Francia, 2015, 34 min)

Por si esto fuera poco, en el marco de la retrospectiva, MUBI contará con una sección especial de películas elegidas por el propio realizador que llevará por título “Seleccionadas a mano por Tsai Ming-liang”, y que consiste en los siguientes títulos:

1. City Lights (Charlie Chaplin, Estados Unidos, 1931, 87 min)
2. The 400 Blows (François Truffaut, Francia 1959, 99 min)
3. Mouchette (Robert Bresson, Francia, 1967, 78 min)
4. A Short Film About Love (Krzysztof Kieślowski, Polonia, 1988, 87 min)
5. Chimes at Midnight (Orson Welles, España – Suiza, 1965, 119 min)

EL COMPROMISO DE LAS SOMBRAS; el transitar del alma

Por Andrés Suárez

Resulta paradójico que en un continente donde la expectativa de vida promedio de una mujer trans es de 35 años de edad, sea una de ellas Lizbeth Domínguez Marín, quien oficie como sacerdotisa de un pueblo en Guerrero para guiar el tránsito de las almas de los muertos. Es como si, contrario al destino trágico de tantas otras como ella, a esta mujer le hubiera sido reservado un don y, por él, la longevidad necesaria para dar continuidad a los tradicionales ritos sincréticos que permitirán a los difuntos abandonar esta vida y desprenderse de sus familiares y amigos. 

López Barroso no solo ha encontrado en San Nicolás Tolentino y Montecillos un personaje cuya entereza y cuya fe son admirables, sino que ha evidenciado aquí la celebración de la vida y los vínculos comunitarios que entrañan estos ritos funerarios: cantos, rezos, flores, telas de satín, velas, trombones y largas procesiones componen los fervorosos y últimos homenajes al espíritu —sagrado y precioso— de quienes han vivido sus últimos días en esta tierra y, a pesar del olvido, se dirigen a una vida nueva.

CIUDAD; los contrastes de la urbe

Por Luis Rivera

Narrar la Ciudad de México como un todo es un reto imposible para una película. Una ciudad de tal dimensión, compuesta por tantas ciudades distintas con una vasta gama de contrastes, la vuelven inenarrable. Pareciera pues, un ejercicio inane desde su planteamiento. Pero en Ciudad, Carlos F. Rossini no propone un retrato de la gran urbe, sino un diálogo de vivencias entre él y tres cineastas más que la habitan: Nuria Ibañez, Maya Goded y Julio Hernández Cordón. Juntos mantienen una conversación de la que se recogen distintas maneras de aproximarse a la realidad para formar una suerte de colectivo que salta a las calles y logra capturar una veta narrativa de lo que más les atrae de la ciudad, lo que en su conjunto otorga una mayor perspectiva de un proyecto que en sus inicios se planteó desde la mirada de una sola persona.

La visión íntima de la que partió Rossini para gestar la película se expande por necesidad hacia varias manos, que navegan ese espacio físico para configurarlo como un universo de gestos y pulsiones vitales fílmicas. Esta es una charla visual que parece tener en común acuerdo no interrumpir con la cámara las voluntades predeterminadas que conviven en una Ciudad de México inundada de experiencias de una fuerte carga emocional, misma que avanza a ritmos distintos y en direcciones opuestas en todo momento.

Más que narrarla, Ciudad deja que la urbe ‘sea’ y permite que su tránsito suceda bajo un registro blanco y negro -de cerca o a la distancia- para, de esta manera, permearla con un único tono bitonal porque, como dijo Ted Grant, “cuando fotografías a una persona en color, fotografías su ropa, cuando lo haces en blanco y negro, fotografías su alma”.

ESTANISLAO; lo fantástico en lo familiar

Por Magaly Olivera

Mateo, un soberbio contador desempleado regresa a la casa de su infancia después de quince años de ausencia. El motivo es la muerte de su madre. Al llegar se encuentra con su padre alcohólico y con su hermano, una enorme criatura que viste con varias telas de la fábrica textil en la que habita su familia. Mateo, quien se encuentra en pleno proceso de divorcio y se obsesiona con negar su fracaso, no ha perdido la habilidad de ignorar la sordidez que encuentra a su alrededor en ese lugar. Sin embargo, hay algo sobre el monstruo familiar que todavía le causa pánico, a pesar de haberle acompañado durante toda la vida. 

El segundo largometraje de Alejandro Guzmán se inclina por el corte fantástico al insertar en un melodrama familiar la presencia de una figura extraña, la cual se asemeja a un pájaro gigante. Aunque la historia detrás de la creación de este ser no queda explícita, la metamorfosis de su personalidad (o al menos la concepción que de ella tiene el espectador) es clave para el destino del protagonista. Estanislao propone un ambiente que fusiona una realidad tosca y desoladora con la bondad que reside en los mundos de fantasía.