Nadav-Fijo

Conferencia de Nadav Lapid en Catapulta

Conferencia Nadav Lapid, en conversación con Iván Granovsky

Como parte de las actividades de Catapulta, el domingo 4 de junio se realizó una Conferencia con el cineasta israelí Nadav Lapid, en el Cine Tonalá de la Ciudad de México. Catapulta es un programa de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), a través de la Coordinación de Difusión Cultural y el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM). Además de la conferencia, se proyectaron en función de estreno sus dos cortometrajes más recientes, The Star y La première.

Catapulta es un laboratorio de producción internacional cuya finalidad es estimular y concluir proyectos cinematográficos de todos los géneros y estilos con propuestas innovadoras provenientes de todo el mundo. Incluye encuentros de networking y sesiones de tutorías para proyectos en desarrollo a cargo del cineasta portugués Joao Pedro Rodrigues y la realizadora y productora colombiana, Diana Bustamante (Memoria, Cómprame un revólver, Los viajes del viento).

Nadav Lapid ha dirigido los premiados filmes That Kindergarten Teacher (2014), Synonyms (2019) y Ahed’s Knee (2021).

Fotos: Michelle Jaramillo

Incrustaciones

Presentación del libro Incrustaciones: Coreo-cinema desde la lengua

Presentación del libro Incrustaciones: Coreo-cinema desde la lengua 

Por Andrea Villanueva

El 4 de junio se llevó a cabo la presentación de Incrustaciones: Coreo-cinema desde la lengua, el primer libro presentado en el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM). El libro presenta un entrelazado danzante inspirado en los poemas “Hendiduras y rendijas” de Mardonio Carballo, acompañado de proyecciones de películas videodanzas. Este evento fue posible gracias a la alianza establecida con la Cátedra Extraordinaria Gloria Contreras.

La presentación estuvo a cargo de Mariana Mendivil, cineasta; Raissa Pomposo, Maestra en Filosofía por la UNAM, bailarina y creadora de poesía escénica; y Maximiliano Cruz, Director Artístico de FICUNAM.

Incrustaciones nace en 2020 como respuesta a la pandemia del Coronavirus (COVID-19) y a la necesidad de explorar una nueva forma de danza y poesía, enfrentando el miedo a la muerte. En palabras de Raissa Pomposo: “Queríamos encontrar una nueva forma de abrazarnos”.

 Para todo el equipo que trabajó en este proyecto interdisciplinario, la crisis de salud se tomó como un punto de inflexión para la videodanza. Se experimentó mucho más en este campo del arte audiovisual, fusionando poesía, danza, video, presentación y experimentación. Se buscó encontrar nuevas formas de transmitir el erotismo y la respiración en un contexto tan difícil y doloroso como fue la pandemia.

Un coreo-cinema es una construcción compleja y profunda que explora la relación entre el cuerpo y la cámara, donde la cámara se convierte en una extensión del cuerpo. Esto significa que no solo se busca capturar el cuerpo físico, sino también sumergirse en las texturas, la luz y la naturaleza; este concepto se va desarrollando a lo largo del proceso creativo. La Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM (DAJU) y el Taller Coreográfico de la UNAM (TCUNAM) fueron elementos indispensables para la realización de estos proyectos interrelacionados.

Los poemas de Mardonio Carballo fueron clave para crear este collage de emociones, Mariana Mendivil comenta: “Con el collage, cada artista encuentra su propio lenguaje e interpreta los poemas de una forma única”. La poesía actúa como detonante, moviendo los cuerpos y sumergiéndose en la música.

Avalanche-Fijo

Avalanche, de Carlos Casas, celebra su presentación en FICUNAM con una improvisación musical en vivo

Avalanche, de Carlos Casas, celebra su presentación en FICUNAM con una improvisación musical en vivo .

Por Naela Hernández

Avalanche, del director español Carlos Casas, se presentó este domingo 4 de junio en el Pabellón de la Biodiversidad como parte de su participación en la décima tercera edición del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), donde exhibió su performance audiovisual con una improvisación musical en vivo.

La cinta, que forma parte de la sección Umbral Expandido del FICUNAM, tiene una duración de 59 minutos y proyecta imágenes del pueblo de Hichigh, una de las aldeas más altas del mundo en las montañas del Pamir, en Tayikistán, sitio que Carlos Casas ha documentado en sus diversas visitas al país asiático.

“Tuve el placer de conocer Hichigh. Voy a volver a la montaña y documentar todas las veces que pueda este pueblo de cinco, seis casas”, comentó Casas.

El director refirió que el material está organizado en microsecuencia, a un ritmo improvisado basado en los momentos que se filmaron. Durante la presentación, el músico mexicano Ariel Guzik, realizó la banda sonora con música en vivo, apuntando a tonos experimentales como sonidos de instrumentos de viento.

Guzik expuso que Casas le había anticipado el material filmado con imágenes editadas en tiempo real, por lo que el performance se basó en una improvisación en vivo con sonidos relacionados a la actividad en la montaña, acompañados de instrumentos de 40 años de edad, pero que el músico sigue atesorando. 

Si bien, el performance experimental de Casas se estrenó en 2010, la cinta se presentó este domingo 4 de junio para despertar en los cinéfilos una meditación audiovisual donde se distingue la naturaleza del pueblo de Hichigh, montañas alrededor, su flora y fauna, así como el retrato de su día a día de los pobladores.

La música de fondo le da otro sentido a Avalanche, ya que transporta al espectador a un estado de flotación, como de concentración. En realidad esta cinta —de hace mucho tiempo—, es un proyecto vivo, porque cada vez que se presenta, el sentido es diferente, dijo Casas.

En tanto, el director agradeció y reconoció el estilo único que caracteriza a la música de Guzik, así como la sintonía que existe entre ambos artistas, la cual proyecta una combinación de imágenes y sonidos uniformes.

Por su parte, el Director Artístico del Festival, Maximiliano Cruz, reconoció que es un honor tener a Avalanche como parte del programa y destacó que Casas cuenta con una trayectoria importante en el cine de arte contemporáneo.

Simone-Fijo

Simon(e) Jaikiriuma Paetau presentó Mourning Stage en el Salón de Danza del CCU.

Simon(e) Jaikiriuma Paetau presentó Mourning Stage: Las caras del duelo en el Salón de Danza del CCU.

Por Andrea Hakim

Este sábado 03 de junio a las 12:00p.m. se llevó a cabo el performance y conversatorio de la artista Simon(e) Jaikiruma Peateau, titulado Mourning Stage: Las caras del duelo.

El evento inició con un agradecimiento a la Cátedra Gloria Contreras por permitir esta colaboración con el festival e inaugurando el salón de danza DGD en Ciudad Universitaria como sede de FICUNAM. Se realizó una breve introducción a las personas involucradas en el montaje del performance, dando a conocer la participación del artista Carlos Motta, quien estuvo a cargo de ilustrar los dibujos que más tarde funcionarían como una partitura de actuación y la mezcla en vivo de estos realizada por el artista interdisciplinario Renato González. Al igual, cabe destacar en la cámara a Miguel Gadia, la iluminación de Cesar Mendoza y al equipo técnico en sonido de Danza UNAM, Germán Miranda y Juan Ortiz. 

Seguido a esto, Simon(e) inició el performance, en donde utiliza su cuerpo en conjunto con la imágenes de Carlos Motta, las cuales son un retrato de distintas representaciones del diablo en el infierno. Entre estos demonios hay personajes feminizados que sugieren las perversiones sexuales tipificadas por el imaginario católico. Estas ilustraciones son acompañadas de las expresiones faciales de la performer, en un ritual donde el cuerpo fetichizado y colonizado por la moral se lamenta. 

Terminando el performance, Maximiliano Cruz, director artístico del festival hizo énfasis que para FICUNAM es muy importante explorar los cruces del lenguaje cinematográfico con otras disciplinas, agradeciendo a Simon(e) por su participación en el festival, donde además forma parte de los jurados de la competencia aciertos. 

Simon(e) inició el conversatorio recalcando su admiración por Carlos Motta, gracias a su trabajo que aborda la intersección entre la sexualidad. La performer explica el trabajo a distancia que realizaron como colaboración para el performance, creando la serie “We Are the Enemy”, inspirada en la pintura colonial que habla de la otredad marica, con la necesidas de evidenciar cómo la colonialidad también tuvo un impacto en los cuerpos, a través de la imposición del sexo y el género. 

“Yo me encerré 10 días, 2 semanas en mi taller y comencé a responder a esos dibujos, esa partitura y dramaturgia. Después hicimos una versión de video, un cortometraje. La primera vez que se presentó en vivo utilizamos solo mi cuerpa. Para mí todos los procesos nunca se terminan. La pieza es un proceso que nunca se acaba. La primera vez que lo presentamos, sentía que le hacía falta algo, entonces decidieron crear un software hackeado, tomando inspiración de los filtros de Instagram.”

Renato agradeció a Simon(e) por hacerle parte de este manifiesto. El artista menciona que el tracking face normalmente es utilizado en instalaciones más pop o de una manera más plástica. Él llegó al proyecto gracias a que en esta pieza podemos percibir la materia análoga del dibujo, la cual permite vislumbrar la cara como tal, que nos hace olvidarnos de la tecnología utilizada. Renato menciona que estos softwares la mayoría del tiempo nos someten a ciertas dinámicas sociales y que lograr hackearlos nos hace que esa herramienta se pueda llevar a un espacio de transformación y discursivo. 

Simon(e) menciona su necesidad de convertir las cuerpas disidentes en un performance y romper la línea entre el miedo y lo demoníaco, gracias a que el cuerpo se reconfigura y se adecúa todo el tiempo dependiendo del entorno, la violencia del espacio público y la identidad. 

El conversatorio terminó con Maximiliano Cruz preguntando a la performer qué viene después en su carrera. Simon(e) respondió que ella no quiere caer en espacios del cine como industria, a pesar de ser espacios que le dan visibilidad a su trabajo. 

GAIA-Fijo

Gaia: El último refugio.

Gaia: El último refugio

Por Frida Mendoza

El Pabellón Nacional de la Biodiversidad fue sede de la inauguración de Gaia: El último refugio, la cual se llevó a cabo el viernes 2 de junio como parte de FICUNAM13. Un ciclo sobre biodiversidad y derechos de la tierra en donde tuvieron presencia diversos representantes institucionales como la Dra. Susana Magallón, directora del Instituto de Biología UNAM, la Dra. Ana María Beatriz Cetto y Bruno Velázquez, director de la Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes. Como parte de la inauguración se proyectó “Manchas del Río Oxus” y se contó con la presencia de la artista y cineasta Saodat Ismailova, autora de la película proyectada. 

En este ciclo se abordó la importancia de la justicia y conciencia ambiental. La Dra. Ana María mencionó la importancia de tener un espacio para la reflexión en donde se puede promover un diálogo basado en la justicia ambiental. La Dra. Susana Magallón hizo mención a este ciclo como un espacio de exhibición y diálogo en donde las culturas de las ciencias y las artes convergen. El Mtro. Bruno Velázquez comentó ‘Con este ciclo se busca seguir rompiendo paradigmas’.

“De la tierra son todas las cosas y a la tierra regresan todas las cosas”, dijo Bruno Velázquez. Enseguida, tuvo lugar la proyección de ‘Manchas del Río Oxus/ Stains of Oxus’ 2016, una vídeo-instalación a tres canales, de la artista y cineasta Saodat Ismailova. Al término de la proyección, Maximiliano Cruz, director artístico de FIUNAM, presentó de manera más amplia a Saodat Ismailov hablando de su formación como artista y abriendo un espacio para que Saodat platicara más a fondo sobre los orígenes de su proyecto.

“Para mi era importante seguir el río desde su fuente hasta su muerte, yo quería trabajar con el agua, con los sueños, con la gente que vive a las orillas de este río. La totalidad de mi obra es un aproximado a un trabajo documental, construir  una conexión con la gente, jamás llegar y extraer experiencias, hay que pasar tiempo con ellos para generar confianza, es importante tener el permiso de la gente y del río. Fue más que nada trabajo de campo lo que hice y esto me permitió juntar mucho material para otras películas” mencionó Saodat. 

Para finalizar, el público hizo preguntas sobre la proyección, en donde Saodat pudo hablar aún más a fondo sobre los aspectos de su película, como la historia del río y su problemática con el agua en su país, el proceso de montaje al ser una proyección a tres pantallas y en bucle.  “Desde el principio pensé en que iba a ser un bucle, pero también tenía claro que debía tener un principio y un final, así como lo tiene el río”, finalizó la artista y cineasta.  

Este ciclo es presentado por la Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes, la Cátedra UNESCO de Diplomacia y Patrimonio de la Ciencia, el Pabellón Nacional de la Biodiversidad del Instituto de Biología de la UNAM, junto con el FICUNAM.

Serra-Fijo

Interpelar el desafío, Albert Serra en conversación con Lázaro Gabino Rodríguez

Interpelar el desafío, Albert Serra en conversación con Lázaro Gabino Rodríguez

Por Leo Ovalle

El auditorio del MUAC fue sede de la conferencia magistral Interpelar el desafío: Albert Serra en conversación con Lázaro Gabino Rodríguez, la cual se llevó a cabo el 2 de junio como parte de las actividades de la Cátedra Bergman en el marco de  FICUNAM 13, en colaboración con MUBI y con el apoyo de Acción Cultural Española AC/E y TV UNAM, con el fin de conocer la perspectiva del cineasta español entorno a cómo comprende la ficción.

La conversación inició con una interrogante de Lázaro Gabino a Alber Serra, en donde le cuestionaba sobre la importancia de hacer cine y cómo vivirlo, lo que provocó el despliegue de emociones del director español y comenzó a reflexionar sobre el hecho de que hacer cine es realmente vivir una vida diferente no vivir la vida misma. 

Rápidamente llegó la palabra que fue crucial para esta conversación, la ficción y como Alberte Serra comprende que esta no se puede preservar por sobre la vida de cada persona o en este caso, cada actor, pero a pesar de todo es la misma ficción la que es la clave de todo, es lo que le da ambición a todo.

Para Albert Serra la ficción se construye de elementos que no conforman al artista, a excepción de su cuerpo, el cual es indispensable para sentirla, así como darle más  importancia de la que se merece uno mismo a la hora de actuar. “Centrarse en el propio yo es imponerse a una cosa que es infinitamente  más compleja”, mencionó. 

La conferencia magistral abarcó la visión que tiene Serra sobre los teléfonos celulares y como han sido un distractor enorme a la hora de realizar una obra cinematográfica, haciendo énfasis en la filmación. Para el artista español, los teléfonos celulares detonan los imperfectos de cada persona, lo que lo vuelve interesante, pero sumamente triste.

Durante la conversación se hizo énfasis en la ficción actual y como se ha llevado a desarrollar personajes negativos, lo que responde a una increíble realidad, en donde, en palabras de Albert Serra “La gente es cada vez peor”.

La sesión finalizó con interrogantes de los asistentes, en donde tanto Lázaro como Albert respondieron con honestidad y congruencia basándose en su experiencia propia a la hora de hacer cine y teatro, reafirmando que estos dos últimos son dos mundos diferentes.

Cine-Colectivo-Fijo

Conversación Contra-individuo: Creando en colectivo

 

CONVERSATORIO Contra Individuo: Creando en colectivo

YI Hagamos lumbre + Unidad de Montaje Dialéctico + Los Ingrávidos +Maxa Huyeya

Por Leo Ovalle

En el marco de la celebración del cine, se llevó a cabo el viernes 2 de Junio a las 12:30 hrs en el auditorio del Museo Tamayo, el conversatorio Contra Individuo: Creando en colectivo. Dicha conversación fue moderada por Max Cruz, director artístico de FICUNAM, en donde recalcó la importancia de la variedad que existe entre los colectivos que se encontraban presentes: YI Hagamos lumbre, Unidad de Montaje Dialéctico, Colectivo Colmena, Los ingrávidos y Maxa Huyeya. 

La importancia de realizar este conversatorio surge de la necesidad de explorar los oficios de colaboración no convencionales, mediante las prácticas contemporáneas. Así como compartir y reflexionar sobre los hechos que los han llevado a nombrarse como colectivos y todas las relaciones que surgen entorno a esta  característica tan peculiar. 

Las contradicciones de la época enfocadas al arte fue un aspecto que se sostuvo, en donde todos los colectivos coincidieron en que a pesar de tener un trabajo colaborativo sano, cada uno presenta una atmósfera diferente que los llevan a tomar direcciones basadas en su razón de existir o sus principios establecidos. “Si nuestros ideales de vida son suficientemente distintos para no caminar juntes o si caminar juntes, es decir en colectivo” mencionó Luna M, directora general del colectivo YI Hagamos lumbre. 

La clandestinidad fue posiblemente una de las palabras que tuvo mayor énfasis, en donde se habló de lo que representa esta característica para componerse como colectivo, así cómo la realidad que representa en el ámbito cinematográfico. 

Max Cruz, director artístico de FICUNAM, cerró la conversación con lo siguiente: “Los colectivos en cuanto a su postura también son reactivos en cuanto a su entorno”.

En este mismo espacio se abrió otra mesa redonda con distintos directores de cine, todos estos con algo en común, cineastas que presentan su ópera prima en el marco de FICUNAM 13. Aquí se expusieron cada una de las realidades y experiencias que han llevado a la construcción de una primera obra cinematográfica. 

David Buitrón, creador y director de “La colonial” presente en la sección Ahora México en FICUNAM 13 sostuvo “Mi opera prima comenzó como un ejercicio de la búsqueda del retrato”. 

La sesión finalizó dejando en claro que las oportunidades para hacer cine en México son relativamente escasas pero en base a la perseverancia se puede lograr realizar una ópera prima. 

Latinoamerica Experimental

Latinoamérica y el descentramiento del cine experimental

Latinoamérica y el descentramiento del cine experimental  

Por Andrea Villanueva

El Foro de la crítica: Latinoamérica y el descentramiento del cine experimental se llevó a cabo el 2 de junio como parte de las actividades de la Cátedra Bergman en el marco del FICUNAM 13. Contó con la destacada participación de Adriana Bellamy, Abraham Villa Figueroa y Federico Windhausen. Durante este evento, se abordó el desarrollo del cine experimental en Latinoamérica, examinando sus avances, limitaciones y planteando la necesidad de fomentar la creación de espacios dedicados a la reseña y comentario de este tipo de material cinematográfico.

El cine experimental siempre ha generado discusiones, generalmente se presenta en ámbitos reducidos, entre directores, amigos y algunos críticos, especialmente en contextos como Nueva York u otros lugares propicios para esta forma de expresión. Sin embargo, esa percepción está cambiando. En realidad, el cine experimental ha estado presente todo este tiempo. No se puede negar que es una actividad exclusiva y a veces se limita a conversaciones e intercambios íntimos entre el emisor y el receptor, no obstante, en la actualidad, se ha potenciado la creación y recuperación de este tipo de materiales provenientes de diversas partes del mundo. Federico Windhausen, académico de cine y escritor, menciona: “Hace 10 años, se comenzó a prestar atención al cine experimental en varias partes del mundo, especialmente en América Latina”.

Adriana Bellamy, maestra en Literatura Comparada por la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, enfatiza: “El cine experimental es uno de los conceptos en la historia del cine que resulta difícil de definir. Sin embargo, estamos presenciando un momento de mayor apertura y nuevos enfoques creativos”. También destaca que, a pesar de estos nuevos espacios para el público, es importante recordar que siguen siendo espacios reducidos y la crítica del cine experimental sigue siendo limitada y rara vez se hace pública. “La crítica en México presenta deficiencias en todos los aspectos, desde lo general hasta lo particular. Esto no demerita la creación de nuevos espacios de diálogos, sino que impulsa a su desarrollo aún más”.

Adriana Bellamy recalca que siempre ha existido una inquietud en el cine experimental, desde los años sesenta y setenta, pero que en realidad se remonta aún más atrás. Se busca establecer una interrelación entre los movimientos vanguardistas, con el objetivo de reflexionar sobre el propio cine a través de las historias que se cuentan.

Uno de los temas más abordados por Abraham Villa Figueroa, crítico cinematográfico, fue la inexistencia de “categorías” en el cine experimental. Todo es subjetivo y nada es verdaderamente original. Se plantea la importancia de formular preguntas que exploren el espacio temporal y que marquen una diferencia significativa, y en el caso de abordar “categorías”, estas no deben ser demasiado amplias, ya que se perdería la intención del cine y dejaría de ser abierto. Por su parte, Adriana Bellamy comentó: “Los términos van cambiando y los modos de creación evolucionan. Se busca que el espectador piense desde nuevos panoramas y siempre en diálogo”.

El cine experimental es un cine complejo que involucra una nueva sensibilidad. Te invita al descentramiento y te desafía a abandonar los lugares comunes de lo que conocemos como cine.

Cine-Mujer-Fijo

En torno a un cine femenino: encuentro entre Márgara Millán y El Colectivo Cine Mujer

En torno a un cine femenino: encuentro entre Márgara Millán y el Colectivo Cine Mujer 
Por Andrea Villanueva

El 2 de junio se llevó a cabo la primera actividad del Foro de la crítica, En torno al Cine Femenino: Encuentro entre Márgara Millán y el Colectivo Cine Mujer, en la que participaron Márgara Millán, Beatriz Mira, Maricarmen de Lara, Guadalupe Sánchez y Rosa Martha Fernández, moderadas por Karina Solórzano, como parte de las actividades de la Cátedra Bergman en el marco del FICUNAM 13, con el fin de hablar de su trabajo y visión sobre la situación del cine realizado por mujeres. 

En el Foro se abordaron muchos temas significativos, entre ellos los estragos que las mujeres han sufrido en la cinematografía, las estructuras patriarcales en las que nos regimos como sociedad, los estereotipos a los que se enfrentan las mujeres a diario y las limitaciones impuestas por las instituciones o el Estado al no otorgar fideicomisos o apoyos suficientes.

Rosa Martha Fernández, directora, guionista y productora de cine, comenta: “Queríamos desintegrar los mitos y los prototipos de la mujer, no solo en la pantalla, sino también en su propia concepción. Destruir el lenguaje machista y crear el nuestro”. El Colectivo Cine Mujer fue un hito para el cine realizado por mujeres en México, creando nuevas narrativas, tanto ficticias como reales, que retratan la vida de las mujeres. No buscaban darles una voz, sino proporcionarles una plataforma para contar historias y generar diálogos. Además, enfatizó en la importancia de transformar la percepción de la mujer a través del cine, desafiando la conciencia y sacando al espectador de su zona de confort. En la mayoría de sus proyectos como colectivo, buscaban replantear y exponer tres aspectos que aún son tabú en la sociedad: el aborto, el trabajo doméstico y la violación, como manifestación de la violencia institucional hacia la mujer.

“El colectivo fue el espacio donde cada una de nosotras podía poner en práctica lo que tenía. Después de una película, podía surgir un debate, algo que nunca antes había experimentado”, expresa Guadalupe Sánchez, ilustradora, animadora y directora de arte.

Las ponentes hablan sobre la forma de hacer cine, no solo desde el punto de vista artístico, sino también desde los aspectos necesarios e indispensables para lograr la creación de un producto cinematográfico, como el apoyo de las universidades, el gobierno, los compañeros y compañeras, así como la importancia de aprender a trabajar en equipo y establecer “jerarquías” en los proyectos, siempre con respeto hacia todas las personas involucradas.

Maricarmen de Lara, cineasta y docente, puso sobre la mesa la lucha económica y comentó: “La lucha de las mujeres está ligada a la lucha de clases”. Para combatir estos sistemas, es necesario crear espacios donde las mujeres se sientan cómodas trabajando juntas. Maricarmen, mencionó una práctica que se llevaba a cabo en el Colectivo Cine Mujer, denominada “el pequeño grupo”, donde todas compartían sus problemas y se daban cuenta de que todos se entrelazaban y no eran individuales, sino colectivos. Sus pasiones, miedos y experiencias eran valiosas para construir una imagen de lo que deseaban sentir y cuestionar a través de la pantalla, se discutía abiertamente y eran completamente inclusivas para construir juntas.

Para finalizar, hablaron sobre alguna escena de sus propias películas o proyectos en los que han participado y que las cautivaron, impulsándolas a seguir aventurándose al cine que provoca. 

Rosa-Beltrán-Fijo

Arranca la décima tercera edición del FICUNAM

Arranca la décima tercera edición del FICUNAM

Por Andrea Villanueva

Rosa Beltrán, Coordinadora de Difusión Cultural de la UNAM, dio por inaugurada la décima tercera edición del Festival Internacional de Cine UNAM en una ceremonia que se llevó a cabo en el Centro Cultural Universitario. FICUNAM 13 tendrá lugar del 1 al 11 de junio del 2023 y se proyectarán más de 150 películas, encuentros, retrospectivas y mucho más. 

La ceremonia inició con las palabras de Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas – Filmoteca UNAM, quien ofreció un breve resumen de las actividades que se llevarán a cabo a lo largo del festival. Además, dio la bienvenida a la nueva Competencia Mexicana de Vanguardias Cinematográficas y anunció las nuevas sedes, como la Sala Multimedia del Pabellón de la Biodiversidad, así como la primera alianza entre el Festival Internacional de Cine de Locarno y FICUNAM, en la que se presentará de forma conjunta Locarno Industry Academy México.

Posteriormente, María Novaro, Directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), destacó el poder e importancia del cine en el apoyo a las minorías en nuestro país. Expresó su entusiasmo por la retrospectiva del Colectivo Cine Mujer, comentando: “Estoy muy agradecida de haber tenido la oportunidad de colaborar con este colectivo y trabajar con estas maravillosas mujeres”. Además, por primera vez se presentará el Anuario del IMCINE en el marco del festival.

Abril Alzaga, Directora Ejecutiva de FICUNAM, expresó su emoción por la existencia de espacios de crítica y las nuevas narrativas que el cine genera. 

El Director Artístico del festival, Maximiliano Cruz, manifestó su admiración al trabajo de Albert Serra, Saodat Ismailova y Marguerite Duras, quienes forman parte de las retrospectivas del festival. 

Para finalizar la ceremonia, Rosa Beltrán, Coordinadora de Difusión Cultural de la UNAM, comentó sobre la importancia de ofrecer espacios tanto para el cine contemporáneo como para los clásicos. Destacó la relevancia de películas como Orlando. Mi biografía política, ópera prima de Paul B. Preciado, con la que se inaugura el festival.

Con gran entusiasmo damos inicio a esta edición del FICUNAM, un espacio para el cine que provoca.