Anuario estadístico del cine mexicano 2022

Por Andrea Villanueva

El 9 de junio se llevó a cabo en la Casa Universitaria del Libro de la UNAM (CASUL) la presentación del Anuario del Instituto Mexicano de Cinematografía, con la presencia de María Novaro, Directora del IMCINE; Graciela Márquez, Presidenta del Instituto Nacional de Estadística y Geografía (INEGI); y Rosario Lara, Coordinadora del Área de Investigación en IMCINE; moderadas por Abril Alzaga, Directora ejecutiva del Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM).

La presentación inició con las palabras de María Novaro sobre los esfuerzos que se han realizado para poder crear este Anuario, haciendo énfasis en las mejoras que se han visto en el cine mexicano a pesar de las muchas dificultades que se presentan. Novaro destacó que “por segundo año consecutivo, los índices han subido fuertemente. El indicador principal es el número de largometrajes producidos, que en el año fueron 258”. De estas películas, 88 fueron dirigidas por mujeres y 21 por personas indígenas y afrodescendientes, lo cual representa un aumento significativo con respecto al año anterior.

Para crear este anuario, es necesario contar con la ayuda y cooperación de la ciudadanía para poder obtener los datos necesarios, “para nosotros, la confianza de la ciudadanía es muy importante”. También se requiere la colaboración de las cadenas comerciales cinematográficas. Novaro destacó el vacío que dejan los datos recolectados por las plataformas digitales, ya que estas no deciden compartirlos debido a sus políticas.

Dentro del anuario se revisa el estatus de cada una de las películas que se producen y presentan en México. El trabajo del IMCINE se va modificando a partir de las cifras presentadas, que muestran tanto las áreas que necesitan crear como las que pueden ser fortalecidas. Esto implica la creación e impulso de nuevos programas y el otorgamiento de apoyos económicos para la producción y exhibición cinematográfica. A su vez, Graciela Márquez comentó: “queremos que los datos no se queden enterrados en los anuarios, sino que se apliquen en nuevas políticas públicas que beneficien a los productores, las empresas y los ciudadanos. Esto va más allá de simples números”.

Con la información recopilada se busca construir el otro lado del cine, el que no es comercial. En la actualidad, el cine mexicano cuenta con un reconocimiento nacional e internacional mucho mayor que en años anteriores. Es importante que el cine se encuentre presente en todos los ámbitos y que seamos capaces de leer y comprender los datos para apoyar aún más las propuestas del cine mexicano, María Novaro recalcó que “la información empodera y nos ayuda a visibilizar problemas”. 

Abril Alzaga finalizó diciendo que “el cine no debe ser visto únicamente como un producto mercantil”, el anuario de IMCINE es una herramienta perfecta para crear las rutas necesarias para analizar nuevas realidades y conductas para el cine. 

Se realizó la Ceremonia de Premiación de la decimotercera edición del FICUNAM. Conoce a los ganadores.

La gran pantalla sigue demostrándonos que es nuestra mejor amiga. Es también nuestra primera ventana para unirnos a un mundo indudablemente globalizado y también ese majestuoso espejo que nos refleja lo más íntimo del ser humano. Hoy, llegamos a nuestro octavo día de actividades con un crisol lleno de historias de vida provenientes de distintos rincones del mundo hasta la Ciudad de México, convirtiendo a FICUNAM 13 en un evento de experiencias inolvidables.

Este jueves 8 de junio de 2023 a las 19:00 horas se llevó a cabo la ceremonia de premiación de la decimotercera edición del Festival Internacional de Cine UNAM, en el Anfiteatro Simón Bolívar del Antiguo Colegio de San Ildefonso. Abril Alzaga, Directora Ejecutiva, y Maximiliano Cruz, Director Artístico, fueron los encargados de conducir la ceremonia, en la que se premió a los ganadores de las secciones en competencia de esta edición.

Aquí los ganadores de la decimotercera edición del Festival Internacional de Cine UNAM:

ACIERTOS. ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Jurado Aciertos:

• Simon(e) Jaikiriuma Paetau (Colombia)
• Kim Torres (Costa Rica)
• Alfredo Ruiz Arias (México)

Medalla Puma de Plata al Mejor Cortometraje
Entre las sombras arden mundos, de Ismael García Ramírez (Colombia). Politécnico Colombiano Jaime Isaza Cadavid

Mención Especial al Cortometraje
Cuaderno de agua, de Felipe Rodríguez Cerda (Chile – Francia, 2022). UACh. Universidad Austral de Chile

UMBRALES: 

Competencia mexicana de vanguardias cinematográficas

Jurado Umbrales:

• Niles Atallah (EUA)
• Carlos Casas (España)
• Alejandra LaBastida (Representante DGAV)
• Guillermo González Montes (Representante ENAC)
• Jaime Aparicio (Representante Filmoteca UNAM)

Premio UMBRALES a Mejor película, otorgado por la Filmoteca UNAM
Xiuhtecuhtli, de Colectivo Los Ingrávidos

Premio UMBRALES de Estudios Churubusco
Desechos tóxicos, de Arian Sánchez Covisa

Mención Especial
Primitiva, Azucena Losana

AHORA MÉXICO

Jurado Ahora México:

• Andrea Bussmann (Canadá)
• Pierre-Emmanuel Finzi (Francia)
• Saodat Ismailova (Uzbekistán)
• Elena Pardo (México)

Jurado “Fósforo”:

• Rafael Méndez García
• Néstor Felipe Espitia Cabrejo
• Luis Alberto Patiño Arellano

Puma de Plata Ahora México a la Mejor Película, presentado por Banco Santander 
El prototipo, de Bruno Varela (México – Ecuador – Bolivia, 2022)

Premio TV UNAM
A través de Tola, de Casandra Casasola (México, 2023)                               

Premio Estímulo Churubusco UNAM
La Colonial, de David Buitrón (México, 2022)

Premio LCI Seguros, que entregó el Jurado “Fósforo”
La Colonial, de David Buitrón (México, 2022)

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Jurado Competencia Internacional:

• Nadav Lapid (Israel)
• Nahuel Pérez Biscayart (Argentina)
• Fernanda de la Peza (México)
• Andréa Picard (Canadá)

Puma de Plata a la Mejor Película, presentado por Freightliner   
Nous, étudiants!, de Rafiki Fariala (República Centroafricana – Francia – República Democrática del Congo – Arabia Saudita, 2022)

Puma de Plata a la Mejor Dirección, presentado por MUBI
Alice Diop por Saint Omer (Francia, 2022)

Mención Especial
Astrakan, de David Depesseville (Francia, 2022)                    

Premio del Público 
Samsara, Lois Patiño (España, 2023)

En la ceremonia participaron: Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas-Filmoteca UNAM; Abril Alzaga y Maximiliano Cruz, Directores del FICUNAM; Juan Ayala, Secretario Técnico de Planeación y Programación de Cultura UNAM; Lola Díaz-González García, Directora de Promoción del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE); Erwin Newmayer, Director de los Estudios Churubusco; Iván Trujillo, Director de TV UNAM; Sandra Gómez, representante de MUBI Latinoamérica; y los miembros del Jurado de las secciones en competencia de esta decimotercera edición.

Para FICUNAM, otorgar estos premios es reconocer el esfuerzo de cada una de las personas que han colaborado con entusiasmo y esmero en la creación de una película que, más allá de lo visto y escuchado en la pantalla, le demuestra a su público que hacer cine es una forma de vida. 

Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine. Programa 2

Por Frida Mendoza

Como parte del segundo programa de la competencia: Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine se realizó la proyección de 5 cortometrajes en la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas de la UNAM.

Se inició con la proyección de “Mater Inerta”, Adrià Expòsit Goy, España, 2022. Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid. Este cortometraje mostró de una manera muy interesante la temporalidad del campo, haciendo un juego de apariciones y desapariciones fusionando las imágenes. El director no se encontraba presente. 

Como segundo cortometraje se proyectó “Quem de direito/ Quien por derecho”, Ana Galizia, Brasil 2022. Universidade Federal do Rio de Janeiro. El cortometraje abarca el tema de la lucha por la tierra y el agua en el valle de Guapiaçu, Brasil, en el cual se puede observar una diversa recopilación de diferentes archivos, que juntos crean una magnífica experiencia sensorial y visual, ya que se utilizan y combinan sonidos e imágenes para crear un importante impacto. La directora Ana Galizia contestó algunas preguntas que tenía el público presente sobre su cortometraje, también menciono “el montaje como un gesto de valorización de los materiales”.

Como tercer cortometraje tuvo lugar “El cielo es muy bonito”, Aracely Méndez, México, 2022. Escuela de Cine Documental de San Cristóbal de las Casas. Este cortometraje tiene lugar en un albergue que le da espacio a mujeres y niñas en movilidad, por lo tanto rápidamente se cuentan historias desgarradoras de mujeres que han tenido que salir de su país por la violencia, las identidades de las mujeres son cuidadas, por lo que no podemos observar sus rostros. Al finalizar la proyección, la directora Arely Méndez habló sobre la gran sensibilidad que se tienen que tener para ver y escuchar, pues era algo sumamente importante para el cortometraje, además que es un tema que se debe tratar con respeto y empatía, pues no quería caer en revictimizar a las mujeres. “Las emigrantes querían que sus historias se supieran” dijo Arely, además enfatizó su felicidad por estar en FICUNAM, tomando las cámaras como acto de resistencia. 

Como siguiente cortometraje se proyectó “Cuaderno de agua”, Felipe Rodriguez Cerda, Chile-Francia, 2022. Universidad Austral de Chile. Un corto que nos lleva directamente al mar y a los canales de la Patagonia, se trata de un escrito narrado por una mujer, sobrina del dueño del cuaderno quien fue un político durante la dictadura de Pinochet. El director no estaba presente. 

Por último se proyectó “Teguacigalpa no tiene Street View”, Manuel Muñoz, Argentina, 2023. Universidad Torcuato di Tella. El director habló de la mirada poética que tiene su corto, se pueden observar una recopilación de filmes de Teguacigalpa, capital de Honduras, Manuel menciona que está ciudad no está filmada ni tiene Street View, por lo que si no has viajado hasta allí, tendrás que imaginar cómo es la ciudad, de ahí el título.

Para finalizar, el director Manuel Muñoz agradeció el espacio a FICUNAM y la experiencia enriquecedora. “Una película le habla a otra y uno sale con muchas ideas”.

El cine experimental: Un punto de vista 
Por Andrea Villanueva

El 7 de junio se llevó a cabo el conversatorio, El cine experimental: Un punto de vista en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC). El evento estuvo encabezado por Naomi Uman, cineasta experimental y artista visual; Gloria Vilches, doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia; Selene Galindo, cineasta experimental; Ximena Cuevas, cineasta, realizadora de vídeo y artista de performance mexicana; y Ana Fernández-Cervera, especialista en gestión cultural.

La plática comenzó con las experiencias personales de cada una de las participantes, quiénes compartieron cuándo y cómo se acercaron al cine experimental. Aunque cada una tenía un contexto y enfoque diferentes, todas llegaron a la conclusión de que esta forma cinematográfica les brindó la libertad de expresar y experimentar con sus vivencias y deseos de compartir emociones, y trascender más allá del cine comercial, Naomi Uman añade: “El cine es una extensión de mi ser”.

Ximena Cuevas comenta: “El cine experimental nace en alguien como yo, un bicho raro, aquellos que tenemos una herramienta para encontrarnos”, lo que quiere decir es que se desarrolla principalmente en grupos de personas que desean hacer cine de manera diferente, recalca que “todos los cineastas deben experimentar la esencia y la experiencia que implica realizar este tipo de cine”. Selene Galindo añade: “El proceso de creación de películas experimentales es una reflexión que sigue creciendo durante el proceso”.

El cine experimental puede resultar impactante si no estás familiarizado con él; el primer acercamiento puede ser violento, pero lo interesante radica en sumergirse en las imágenes, sonidos y conceptos que se manejan. No se trata solo de hacer cine, sino también de ejercitar la habilidad de ver cine. Para crearlo y apreciarlo es necesario atreverse a explorar más.

Gloria Vilches menciona: “El cine experimental siempre ha sido un espacio de libertad, una forma alternativa de crear. Por eso existe una gran cantidad de cine creado por mujeres, aunque recientemente ha comenzado a recibir más atención”, es el proceso de filmar lo que amas.

Uno de los temas que enfatizaron es la importancia de preservar las grabaciones análogas, respetar los complejos procesos de producción y proteger las copias de estas películas. Además, cómo las nuevas herramientas tecnológicas, como los teléfonos celulares y las plataformas digitales como “TikTok”, están impulsando y facilitando la creación de cine experimental. Este tipo de cine surge como una urgencia de vida, una experimentación a la mirada, un cine que no puede ser engañado, ya que nace de algo personal.

Un acercamiento a las representaciones queer desde el cine

Por Leo Ovalle

En el séptimo día de FICUNAM 13 se llevó a cabo dentro de sus mesas reflexivas Punto de vista: Encuentro de nuevas narrativas, Un acercamiento a las representaciones queer desde el cine, el miércoles 7 de Junio en colaboración con la Cátedra Bergman en el Auditorio del Museo de Arte Contemporáneo (MUAC). 

La charla comenzó con Abril Alazaga, directora ejecutiva de FICUNAM, quien expresó su emoción por lograr esta conversación después de un largo tiempo planeándolo, así como dio la bienvenida a las artistas presentes: Luisa Almaguer, moderadora de la sesión y  Simon(e) Jaikiriuma Paelau, actriz y cineasta.

Tanto Simon(e) como Luisa comenzaron hablando sobre cómo el arte ha logrado romper barreras de identidad pero quedándose aún muy atrás en relación con los productos cinematográficos que se presentan actualmente. El concepto propio que cada una tiene sobre el cine varía dependiendo el espacio, para Simon(e) Jaikiriuma “El ciné es crear las imágenes que aún no existen, así como muchas personas no existen”. 

Poco después se integraron el cineasta portugués João Pedro Rodrigues y el actor argentino Nahuel Pérez Bizcayart, este último se refirió a su trabajo como actor como una experiencia más allá de una representación. El mismo Nahuel añadió que muchas veces el mismo interpreta personajes cisgénero pese a ser parte de la comunidad LGBT, lo que lo hace cuestionarse si de verdad es un ejemplo de las diversidades que se pueden apreciar en el cine queer. 

Por su parte João Pedro Rodrigues destacó que en sus más de 20 años haciendo cine siempre ha tratado de contribuir a abrir una conversación sobre la diversidad sexual, apuntando que a su visión como cineasta y que no crea cine porque es homosexual, si no que a lo largo de su descubrimiento artístico encontró esa oportunidad de diálogo.

Luisa Almaguer abrió cuestionamientos hacia los artistas presentes sobre si hay buena o mala representación del cine queer en México y el mundo, en donde ella misma mencionó la retribución hacia el cine queer y como toda una sociedad le debe a este tipo de arte. “El cine queer debería ser enseñado en escuelas de cine” sugirió Almaguer, quien agradeció la invitación a FICUNAM por la invitación y sobre todo por el hecho de crear estos espacios que tantas veces hacen falta para fomentar el cine queer, ya que este no esta al alcance de todo el público, sobre todo en gran parte de la comunidad LGBT. 

La mesa de reflexión terminó con una serie de preguntas de parte de los asistentes a los artistas presentes quienes llegaron a la conclusión de que el cine queer no tiene la suficiente representación actualmente pero se agradece el esfuerzo que se hace por presentar trabajos dignos que reflejen una visión de la diversidad sexual, en donde todes tienen derecho de representar tanto personajes cisgéneros como queer, a pesar de su identidad sexual. 

Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine. Programa 1

Nhaga + Gaitán Sierra + García + Farré + Coelho

Por Leo Ovalle

Como parte de la selección de la competencia Aciertos del Festival Internacional de Cine UNAM, se presentó el programa 1 de esta competencia: Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine. Se llevó a cabo el 7 de Junio en la Sala González Casanova de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC).

El encuentro estuvo presentado por Laura Alderete y Sébastien Blayac, ambos programadores de FICUNAM, quienes dieron la bienvenida y agradecieron la presencia de cada uno de los jóvenes cineastas que venían de distintas partes del mundo para presentar su producto cinematográfico. Nicolás Gaitán Sierra, Ismael García Ramírez y Sofia Farré Flotats estuvieron presentes compartiendo sus experiencias en la realización de cada uno de sus productos cinematográficos.

Mistida, del director portugués Falcão Nhaga de la Escola Superior de Teatro e Cinema – Instituto Politécnico de Lisboa (ESTC) fue la encargada de inaugurar este encuentro. Laura Alderete destacó “Mistida es un retrato de la relación conmovedora de una madre y su hijo” en palabras de Falcão, quien no pudo estar presente.

El turno de Nicolás Gaitán Sierra llegó y presentó Tráfico, una película realizada en su país natal Colombia, de la Universidad Central, Futuro Digital Tecnología. Tráfico es un retrato de la madre de Nicolás que interpreta a un personaje ficticio llamado Sofía y que entre recuerdos, cartas y líneas, la onda del pasado se vuelve imágenes que cuentan una historia que está en un punto de no lugar. “El reto de la peli es retratar el personaje en ficción de mi mamá y el fantasma de mi papá” fueron palabras del colombiano.

Con gran entusiasmo, el director Ismael García Ramírez se apropió del espacio para presentar por unos minutos su película Entre las sombras arden mundos, del Politénico Colombiano Jaime Isaza Cadavid. Esta pieza fue producida por Crisálida Cine, Rara Colectivo y Rueda Sonido. El director colombiano fue cuestionado sobre la atmósfera cinematográfica que logró crear y como se puede apreciar una originalidad en su trabajo, a lo que este respondió que trató de no naturalizar su proyecto audiovisual y justo eso fue lo que hizo que se lograra un resultado orgánico en todos los aspectos, desde el cast y su forma de improvisar, hasta las escenas más representativas de la película.

“Entre las sombras arden mundos es un proyecto realizado por un sin fin de amigues que le han puesto todo el amor” fueron palabras de Ismael, quien hizo énfasis en que este proyecto se creó con todo tipo de limitaciones, sobre todo económicas. Lo anterior hizo en gran parte que se midiera con exactitud cuáles eran las posibilidades a la hora del montaje, dando como resultado escenas visualmente atractivas con una particular magia. Su obra relata el encuentro entre una madre y su hijo, quienes en compañía de otros amigos crean un espacio de disfrute y protección. 

El cuarto cortometraje en presentarse fue Nàdia, escrito y dirigido por la española Sofia Farré Flotats de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC), que cuenta la historia de una joven con aspiraciones a modelo que desea operarse una mínima deformidad que tiene en las orejas. Nàdia es un proyecto con tintes autobiográficos, comenta su directora, quien se inspiró en su vida, sobre todo en su adolescencia para crear el guion que sirvió como base. 

Durante la sesión se realizaban una serie de preguntas por parte de los asistentes, en donde Sofía  comentó que este trabajo audiovisual es una forma de liberación hacia los momentos en donde se pueden sentir encarcelados por la falta de atención en el entorno. “La obsesión es la contracara de su retrato familiar” refiriéndose al personaje principal de su obra, detalló Sofia.

Este primer programa del encuentro de Aciertos finalizó con la exhibición de la película de Michelle Coelho, O mar também é seu, de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), una colaboración entre Cuba, Brasil  y Suiza. En este relato una mujer sueña durante una noche que se convierte en un animal, mediante un reencuentro de recuerdos en donde las mujeres son las principales víctimas de la violencia en su país. 

Las primeras luchas feministas por la pantalla en México: Colectivo Cine Mujer

Por Naela Hernández

El miércoles 7 de junio se llevó a cabo la mesa de reflexión Las primeras luchas feministas por la pantalla en Méxic, en el Canal 22, una presentación que forma parte de la décima tercera edición del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), y que detalla las raíces de lo que fue el Colectivo Cine Mujer, activo de 1975 a 1987.

La mesa contó con la participación de algunas de las cineastas que formaron parte del Colectivo: Maricarmen de Lara, Guadalupe Sánchez, Rosa Martha Fernández y María Novaro, quien fungió como moderadora y reconoció que gracias a la creación de este proyecto que apoyaba al feminismo, se logró atraer a más mujeres al cine.

“Estamos reunidas para hablar de un legado cinematográfico que por más de 40 años había sido invisibilizado, olvidado incluso por nosotras mismas que algún día tuvimos la suerte de participar en el Colectivo Cine Mujer”, dijo María Novaro, Directora general del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).

Novaro precisó que la charla tenía el objetivo de recuperar la memoria, los materiales y el significado cinematográfico de toda una organización que hubo en los años setenta, así como el movimiento, la derrama de saberes y colecciones que caracterizan al Colectivo Cine Mujer hasta el momento.

El eje fundamental que articuló su trabajo en conjunto estuvo relacionado a cortometrajes de temas sobre el aborto, con la cinta Cosas de mujeres (1978); la sexualidad en una sociedad machista, en Rompiendo el silencio (1979); y el trabajo doméstico, con Vicios en la cocina (1978), entre otros proyectos.

Las cuatro cineastas coincidieron que si bien el Colectivo —que en su momento fue su hogar— ha sido olvidado incluso por ellas mismas, ahora en FICUNAM se está recuperando y los espectadores no lo olvidan, pues las problemáticas relacionadas al cine de ese entonces, siguen vigentes hoy en día.

Novaro agregó que el Colectivo las fortaleció como mujeres cineastas y que a pesar de que terminó, dejó una semilla muy valiosa que ahora está en recuperación. También reconocieron al movimiento feminista como algo que les dio la oportunidad de conocerse, expresarse y aprender de sí mismas en un país misógino.

“Hay que reconocer todo lo que vino (del Colectivo) para que en el cine mexicano actual la presencia de las mujeres sea tan fuerte como lo es hoy en día”, concluyó Novaro. 

El material encontrado como espacio de imaginación política y poética. Jerónimo Atehortúa conversa con Andrés Suárez.

Por Leo Ovalle

En colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM, como parte de las actividades de FICUNAM 13, el martes 6 de junio en el Auditorio del Museo de Arte Contemporáneo (MUAC) se realizó la clase magistral El material encontrado como espacio de imaginación política y poética, en donde participaron el cineasta Jerónimo Atehortúa en conversación con Andrés Suárez. 

Jerónimo Atehortúa es un director de cine colombiano, egresado de la Universidad del Cine (Argentina) y MFA de Film Factory de la Academia de Cine de Sarajevo (Bosnia y Herzegovina), que en esta ocasión habló del enorme labor que ha significado hacer cine desde una perspectiva en donde la imagen es más que solo lo visible, aquí significa la contextualización y la interpretación que cada persona elige. 

Para el también autor, justo este término comprende en gran parte la importancia de lo que una imagen conlleva, ya que la realidad se hace presente cuando uno está  trabajando con tal archivo y ve la forma de auto apropiarse de una obra. Porque a pesar de no considerarse un archivista, gran parte de su obra está envuelta en archivos, lo que representa un papel difícil de entender en el ámbito cinematográfico.

Andrés Suárez, moderador de esta conversación, hizo énfasis en el gran trabajo que ha hecho el cineasta colombiano y las referencias que ha tenido a la hora de crear, así como al hecho de que a través de sus libros la gente se puede dar cuenta de lo buen conversador que es. Para Jerónimo, su libro Los cines por venir es más que hablar del cine, es una forma de hablar de deseos.

Atehortúa comentó que hacer una película es porque hay algo dentro de uno que se tiene que decir y no solamente porque el arte es para decir las cosas, si no para crearlas y a través de estas se logra obtener una relación entre dos elementos que conforman el cine, la imagen y el sonido. Pero también es la palabra la representación más clara de lo que es el séptimo arte.

“Lo importante de la identidad de una persona  es quién la controla, al igual que la imagen”, con esto Jerónimo manifestó que la identidad es algo que cada persona ya tiene y es muy complicado de cambiarla, pero el verdadero poder está en saber manejar dicha identidad y como es la misma línea lo que describe a la imagen. La imagen y su valor es mediante la creación de distintas asociaciones y como en varias o ocasiones es un replicado de lo que se está diciendo. 

Al momento de describir el archivo, el autor colombiano se refirió a dicho concepto utilizando el futuro para canalizarlo: “El futuro es una fricción, el futuro surge de una relación intensa con el pasado. Eso es lo que es el archivo”, dijo.

Uno de los últimos aspectos que se ubicaron en la conversación, fue el poder de la restauración y como ha sobrepasado el valor de la digitalización de las imágenes. Estos dos términos son dos cosas totalmente diferentes y para Jerónimo restaurar una imagen es un proceso mucho más  poético. Mencionó que en su país natal las oportunidades de restaurar una imagen son limitadas y cómo gracias a la era digital la fotografía ya no va envejecer. 

La clase magistral terminó con una serie de preguntas por parte de los asistentes, en donde se destacó la siguiente frase: “Algo es específico cuando generalmente en su particularidad puede manifestar el género que pertenece”, dicha por Jerónimo Atehortúa.

Punto de vista Ellas miran: entre el cine experimental de Duras y el cine realista de Tanaka
Por Andrea Villanueva

Ellas miran: entre el cine experimental de Duras y el cine realista de Tanaka, se llevó a cabo el 5 de junio en el Auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC). En este evento participaron Andréa Picard, curadora y escritora; Satomi Miura, profesora e investigadora; y Lucrecia Arcos, poeta, profesora e investigadora. Durante la conversación, se ensamblaron reflexiones sobre el trabajo cinematográfico de Marguerite Duras y Kinuyo Tanaka, ambas parte de las retrospectivas presentadas en FICUNAM 13, esta colaboración fue posible gracias a la Cátedra Bergman y el FICUNAM, con el apoyo de la Embajada de Francia en México-IFAL y la Fundación Japón en México.

Marguerite Duras, escritora, y Kinuyo Tanaka, actriz, son recordadas como emblemáticas cineastas. Aunque sus trabajos son distintos, abordan temas con muchas similitudes, como el melodrama, la soledad, la guerra, el amor, la ruina interna y la sexualidad, ambas en busca de variantes de identidades. Estas dos cineastas realizan un papel significativo en el cine realizado por mujeres. Según las palabras de Andréa Picard: “Duras y Tanaka son dos cineastas radicales, pero con diferentes lenguajes”.

El cine de Tanaka es político, retoma temas como la Segunda Guerra Mundial y las trabajadoras sexuales, buscaba tener a mujeres como protagonistas que aspiraban a tener una vida mejor, siempre dejando un rastro de empatía hacia el espectador. Aunque su vida era la actuación, cuando cumplió 40 años tomó las riendas y decidió dedicarse a la dirección de cine, gracias a sus muchos años de experiencia en la industria, recibió mucho apoyo y su trabajo se volvió muy cooperativo; en su momento sus películas fueron objeto de críticas debido a los temas que abordada, sus productos eran divertidos, refrescantes y con temas novedosos, siempre jugando con la pantalla. El lenguaje y sus diálogos eran rebeldes y provocadores, a pesar de las limitaciones que enfrentaba.

Por otro lado, el cine de Duras era mucho más experimental, y es considerada una cineasta “punk”. Retoma temas como la pérdida, el colonialismo, los deseos sexuales de las mujeres, las relaciones fraternales, las relaciones entre amantes, la destrucción y cómo a partir de esto todo se vuelve a construir. Duras comenzó a hacer cine porque no le gustaba cómo los hombres adaptaban sus novelas; su trabajo es tan experimental que incluso resulta difícil de ver, ya que existe una línea borrosa entre lo “real” y lo “ficticio”, esto la hacía completamente libre, jugaba con su voz y sus personajes, quienes vivían y morían bajo la literatura y el cine. De esta manera, creó un espacio para confrontar a la audiencia. Duras era completamente rebelde y seductora en todos los aspectos de su trabajo.

La “libertad” es un concepto que ambas cineastas compartieron, aprendieron de las personas que las rodeaban, de sus contextos, de los sonidos, imágenes y colores, creando nuevos espacios de tiempo que se extendían a sus personajes, fueron precursoras en el cine que provoca.

Bailar con los espíritus: Saodat Ismailova en conversación con Maximiliano Cruz

Por Leo Ovalle

Empezó una nueva semana y con ella el quinto día de FICUNAM 13 este lunes 5 de junio, en donde se llevó a cabo en el auditorio del MUAC el conversatorio Bailar con los espíritus: Saodat Ismailova en conversación con Maximiliano Cruz, presentado por Centro en colaboración con la Cátedra Bergman y el FICUNAM, con el apoyo de TV UNAM.

La conversación comenzó con Max Cruz, director artístico de FICUNAM, el cual mencionó una breve semblanza de la cineasta originaria de Uzbekistán en donde destacaba su gran labor en el mundo del cine, así como su libertad de identidad a la hora de crear cualquier tipo de arte.

A la cineasta uzbeka se le cuestionó sobre sus sueños y cómo es que parecen ser tan importantes para realizar sus obras y cómo utiliza estos para canalizar dichas piezas, con esto Saodat habló de la importancia de crear desde una lógica que existe a través de los sueños y del cual no todos son afortunados o al menos no lo han descubierto aún “Los sueños tienen una lógica que no puedes racionalizar” apuntó la cineasta.

Durante la sesión Ismailova hizo énfasis en la importancia que han tenido sus ancestros a la hora de crear y como esto la ha llevado a visualizar el cine como una forma de perseverancia hacia el pasado, aunado a un baraje experimental.

Uno de los aspectos que más recalcó fue el cómo en su vida de cineasta, la mayoría de las veces no utiliza un guion de base para crear una historia, señaló lo siguiente: “Cuando dices una frase y la vuelves a decir, sabes que ya hay una obra hecha”. 

Para la artista uzbeka el poder de la imagen y el sonido es imprescindible a la hora de crear, sobre todo cuando este último muchas veces no necesita estar del todo presente si no solo hacerse notar ligeramente a través del silencio. Las imágenes y el sonido son el experimento de cada historia. Así como recalcó el como el monólogo se ha convertido en una forma más cercana a la hora de realizar una obra.

Antes de finalizar este conservatorio se les dió la oportunidad a los asistentes a realizar preguntas en donde Saodat contó brevemente sobre su forma de trabajar y cómo funciona en la mayoría de las veces. Para Saodat su equipo de trabajo depende de la naturaleza de la obra que esté  haciendo en dicho momento y como en ocasiones le resulta más viable trabajar sola.

Con la frase “Se necesita fuerza para realizar lo que de verdad quieres” Saodat Ismailova finalizó la conversación.