Las primeras luchas feministas por la pantalla en México: Colectivo Cine Mujer

Por Naela Hernández

El miércoles 7 de junio se llevó a cabo la mesa de reflexión Las primeras luchas feministas por la pantalla en Méxic, en el Canal 22, una presentación que forma parte de la décima tercera edición del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), y que detalla las raíces de lo que fue el Colectivo Cine Mujer, activo de 1975 a 1987.

La mesa contó con la participación de algunas de las cineastas que formaron parte del Colectivo: Maricarmen de Lara, Guadalupe Sánchez, Rosa Martha Fernández y María Novaro, quien fungió como moderadora y reconoció que gracias a la creación de este proyecto que apoyaba al feminismo, se logró atraer a más mujeres al cine.

“Estamos reunidas para hablar de un legado cinematográfico que por más de 40 años había sido invisibilizado, olvidado incluso por nosotras mismas que algún día tuvimos la suerte de participar en el Colectivo Cine Mujer”, dijo María Novaro, Directora general del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE).

Novaro precisó que la charla tenía el objetivo de recuperar la memoria, los materiales y el significado cinematográfico de toda una organización que hubo en los años setenta, así como el movimiento, la derrama de saberes y colecciones que caracterizan al Colectivo Cine Mujer hasta el momento.

El eje fundamental que articuló su trabajo en conjunto estuvo relacionado a cortometrajes de temas sobre el aborto, con la cinta Cosas de mujeres (1978); la sexualidad en una sociedad machista, en Rompiendo el silencio (1979); y el trabajo doméstico, con Vicios en la cocina (1978), entre otros proyectos.

Las cuatro cineastas coincidieron que si bien el Colectivo —que en su momento fue su hogar— ha sido olvidado incluso por ellas mismas, ahora en FICUNAM se está recuperando y los espectadores no lo olvidan, pues las problemáticas relacionadas al cine de ese entonces, siguen vigentes hoy en día.

Novaro agregó que el Colectivo las fortaleció como mujeres cineastas y que a pesar de que terminó, dejó una semilla muy valiosa que ahora está en recuperación. También reconocieron al movimiento feminista como algo que les dio la oportunidad de conocerse, expresarse y aprender de sí mismas en un país misógino.

“Hay que reconocer todo lo que vino (del Colectivo) para que en el cine mexicano actual la presencia de las mujeres sea tan fuerte como lo es hoy en día”, concluyó Novaro. 

El material encontrado como espacio de imaginación política y poética. Jerónimo Atehortúa conversa con Andrés Suárez.

Por Leo Ovalle

En colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM, como parte de las actividades de FICUNAM 13, el martes 6 de junio en el Auditorio del Museo de Arte Contemporáneo (MUAC) se realizó la clase magistral El material encontrado como espacio de imaginación política y poética, en donde participaron el cineasta Jerónimo Atehortúa en conversación con Andrés Suárez. 

Jerónimo Atehortúa es un director de cine colombiano, egresado de la Universidad del Cine (Argentina) y MFA de Film Factory de la Academia de Cine de Sarajevo (Bosnia y Herzegovina), que en esta ocasión habló del enorme labor que ha significado hacer cine desde una perspectiva en donde la imagen es más que solo lo visible, aquí significa la contextualización y la interpretación que cada persona elige. 

Para el también autor, justo este término comprende en gran parte la importancia de lo que una imagen conlleva, ya que la realidad se hace presente cuando uno está  trabajando con tal archivo y ve la forma de auto apropiarse de una obra. Porque a pesar de no considerarse un archivista, gran parte de su obra está envuelta en archivos, lo que representa un papel difícil de entender en el ámbito cinematográfico.

Andrés Suárez, moderador de esta conversación, hizo énfasis en el gran trabajo que ha hecho el cineasta colombiano y las referencias que ha tenido a la hora de crear, así como al hecho de que a través de sus libros la gente se puede dar cuenta de lo buen conversador que es. Para Jerónimo, su libro Los cines por venir es más que hablar del cine, es una forma de hablar de deseos.

Atehortúa comentó que hacer una película es porque hay algo dentro de uno que se tiene que decir y no solamente porque el arte es para decir las cosas, si no para crearlas y a través de estas se logra obtener una relación entre dos elementos que conforman el cine, la imagen y el sonido. Pero también es la palabra la representación más clara de lo que es el séptimo arte.

“Lo importante de la identidad de una persona  es quién la controla, al igual que la imagen”, con esto Jerónimo manifestó que la identidad es algo que cada persona ya tiene y es muy complicado de cambiarla, pero el verdadero poder está en saber manejar dicha identidad y como es la misma línea lo que describe a la imagen. La imagen y su valor es mediante la creación de distintas asociaciones y como en varias o ocasiones es un replicado de lo que se está diciendo. 

Al momento de describir el archivo, el autor colombiano se refirió a dicho concepto utilizando el futuro para canalizarlo: “El futuro es una fricción, el futuro surge de una relación intensa con el pasado. Eso es lo que es el archivo”, dijo.

Uno de los últimos aspectos que se ubicaron en la conversación, fue el poder de la restauración y como ha sobrepasado el valor de la digitalización de las imágenes. Estos dos términos son dos cosas totalmente diferentes y para Jerónimo restaurar una imagen es un proceso mucho más  poético. Mencionó que en su país natal las oportunidades de restaurar una imagen son limitadas y cómo gracias a la era digital la fotografía ya no va envejecer. 

La clase magistral terminó con una serie de preguntas por parte de los asistentes, en donde se destacó la siguiente frase: “Algo es específico cuando generalmente en su particularidad puede manifestar el género que pertenece”, dicha por Jerónimo Atehortúa.

Punto de vista Ellas miran: entre el cine experimental de Duras y el cine realista de Tanaka
Por Andrea Villanueva

Ellas miran: entre el cine experimental de Duras y el cine realista de Tanaka, se llevó a cabo el 5 de junio en el Auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC). En este evento participaron Andréa Picard, curadora y escritora; Satomi Miura, profesora e investigadora; y Lucrecia Arcos, poeta, profesora e investigadora. Durante la conversación, se ensamblaron reflexiones sobre el trabajo cinematográfico de Marguerite Duras y Kinuyo Tanaka, ambas parte de las retrospectivas presentadas en FICUNAM 13, esta colaboración fue posible gracias a la Cátedra Bergman y el FICUNAM, con el apoyo de la Embajada de Francia en México-IFAL y la Fundación Japón en México.

Marguerite Duras, escritora, y Kinuyo Tanaka, actriz, son recordadas como emblemáticas cineastas. Aunque sus trabajos son distintos, abordan temas con muchas similitudes, como el melodrama, la soledad, la guerra, el amor, la ruina interna y la sexualidad, ambas en busca de variantes de identidades. Estas dos cineastas realizan un papel significativo en el cine realizado por mujeres. Según las palabras de Andréa Picard: “Duras y Tanaka son dos cineastas radicales, pero con diferentes lenguajes”.

El cine de Tanaka es político, retoma temas como la Segunda Guerra Mundial y las trabajadoras sexuales, buscaba tener a mujeres como protagonistas que aspiraban a tener una vida mejor, siempre dejando un rastro de empatía hacia el espectador. Aunque su vida era la actuación, cuando cumplió 40 años tomó las riendas y decidió dedicarse a la dirección de cine, gracias a sus muchos años de experiencia en la industria, recibió mucho apoyo y su trabajo se volvió muy cooperativo; en su momento sus películas fueron objeto de críticas debido a los temas que abordada, sus productos eran divertidos, refrescantes y con temas novedosos, siempre jugando con la pantalla. El lenguaje y sus diálogos eran rebeldes y provocadores, a pesar de las limitaciones que enfrentaba.

Por otro lado, el cine de Duras era mucho más experimental, y es considerada una cineasta “punk”. Retoma temas como la pérdida, el colonialismo, los deseos sexuales de las mujeres, las relaciones fraternales, las relaciones entre amantes, la destrucción y cómo a partir de esto todo se vuelve a construir. Duras comenzó a hacer cine porque no le gustaba cómo los hombres adaptaban sus novelas; su trabajo es tan experimental que incluso resulta difícil de ver, ya que existe una línea borrosa entre lo “real” y lo “ficticio”, esto la hacía completamente libre, jugaba con su voz y sus personajes, quienes vivían y morían bajo la literatura y el cine. De esta manera, creó un espacio para confrontar a la audiencia. Duras era completamente rebelde y seductora en todos los aspectos de su trabajo.

La “libertad” es un concepto que ambas cineastas compartieron, aprendieron de las personas que las rodeaban, de sus contextos, de los sonidos, imágenes y colores, creando nuevos espacios de tiempo que se extendían a sus personajes, fueron precursoras en el cine que provoca.

Bailar con los espíritus: Saodat Ismailova en conversación con Maximiliano Cruz

Por Leo Ovalle

Empezó una nueva semana y con ella el quinto día de FICUNAM 13 este lunes 5 de junio, en donde se llevó a cabo en el auditorio del MUAC el conversatorio Bailar con los espíritus: Saodat Ismailova en conversación con Maximiliano Cruz, presentado por Centro en colaboración con la Cátedra Bergman y el FICUNAM, con el apoyo de TV UNAM.

La conversación comenzó con Max Cruz, director artístico de FICUNAM, el cual mencionó una breve semblanza de la cineasta originaria de Uzbekistán en donde destacaba su gran labor en el mundo del cine, así como su libertad de identidad a la hora de crear cualquier tipo de arte.

A la cineasta uzbeka se le cuestionó sobre sus sueños y cómo es que parecen ser tan importantes para realizar sus obras y cómo utiliza estos para canalizar dichas piezas, con esto Saodat habló de la importancia de crear desde una lógica que existe a través de los sueños y del cual no todos son afortunados o al menos no lo han descubierto aún “Los sueños tienen una lógica que no puedes racionalizar” apuntó la cineasta.

Durante la sesión Ismailova hizo énfasis en la importancia que han tenido sus ancestros a la hora de crear y como esto la ha llevado a visualizar el cine como una forma de perseverancia hacia el pasado, aunado a un baraje experimental.

Uno de los aspectos que más recalcó fue el cómo en su vida de cineasta, la mayoría de las veces no utiliza un guion de base para crear una historia, señaló lo siguiente: “Cuando dices una frase y la vuelves a decir, sabes que ya hay una obra hecha”. 

Para la artista uzbeka el poder de la imagen y el sonido es imprescindible a la hora de crear, sobre todo cuando este último muchas veces no necesita estar del todo presente si no solo hacerse notar ligeramente a través del silencio. Las imágenes y el sonido son el experimento de cada historia. Así como recalcó el como el monólogo se ha convertido en una forma más cercana a la hora de realizar una obra.

Antes de finalizar este conservatorio se les dió la oportunidad a los asistentes a realizar preguntas en donde Saodat contó brevemente sobre su forma de trabajar y cómo funciona en la mayoría de las veces. Para Saodat su equipo de trabajo depende de la naturaleza de la obra que esté  haciendo en dicho momento y como en ocasiones le resulta más viable trabajar sola.

Con la frase “Se necesita fuerza para realizar lo que de verdad quieres” Saodat Ismailova finalizó la conversación.

Conferencia Nadav Lapid, en conversación con Iván Granovsky

Como parte de las actividades de Catapulta, el domingo 4 de junio se realizó una Conferencia con el cineasta israelí Nadav Lapid, en el Cine Tonalá de la Ciudad de México. Catapulta es un programa de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), a través de la Coordinación de Difusión Cultural y el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM). Además de la conferencia, se proyectaron en función de estreno sus dos cortometrajes más recientes, The Star y La première.

Catapulta es un laboratorio de producción internacional cuya finalidad es estimular y concluir proyectos cinematográficos de todos los géneros y estilos con propuestas innovadoras provenientes de todo el mundo. Incluye encuentros de networking y sesiones de tutorías para proyectos en desarrollo a cargo del cineasta portugués Joao Pedro Rodrigues y la realizadora y productora colombiana, Diana Bustamante (Memoria, Cómprame un revólver, Los viajes del viento).

Nadav Lapid ha dirigido los premiados filmes That Kindergarten Teacher (2014), Synonyms (2019) y Ahed’s Knee (2021).

Fotos: Michelle Jaramillo

Presentación del libro Incrustaciones: Coreo-cinema desde la lengua 

Por Andrea Villanueva

El 4 de junio se llevó a cabo la presentación de Incrustaciones: Coreo-cinema desde la lengua, el primer libro presentado en el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM). El libro presenta un entrelazado danzante inspirado en los poemas “Hendiduras y rendijas” de Mardonio Carballo, acompañado de proyecciones de películas videodanzas. Este evento fue posible gracias a la alianza establecida con la Cátedra Extraordinaria Gloria Contreras.

La presentación estuvo a cargo de Mariana Mendivil, cineasta; Raissa Pomposo, Maestra en Filosofía por la UNAM, bailarina y creadora de poesía escénica; y Maximiliano Cruz, Director Artístico de FICUNAM.

Incrustaciones nace en 2020 como respuesta a la pandemia del Coronavirus (COVID-19) y a la necesidad de explorar una nueva forma de danza y poesía, enfrentando el miedo a la muerte. En palabras de Raissa Pomposo: “Queríamos encontrar una nueva forma de abrazarnos”.

 Para todo el equipo que trabajó en este proyecto interdisciplinario, la crisis de salud se tomó como un punto de inflexión para la videodanza. Se experimentó mucho más en este campo del arte audiovisual, fusionando poesía, danza, video, presentación y experimentación. Se buscó encontrar nuevas formas de transmitir el erotismo y la respiración en un contexto tan difícil y doloroso como fue la pandemia.

Un coreo-cinema es una construcción compleja y profunda que explora la relación entre el cuerpo y la cámara, donde la cámara se convierte en una extensión del cuerpo. Esto significa que no solo se busca capturar el cuerpo físico, sino también sumergirse en las texturas, la luz y la naturaleza; este concepto se va desarrollando a lo largo del proceso creativo. La Compañía Juvenil de Danza Contemporánea de la UNAM (DAJU) y el Taller Coreográfico de la UNAM (TCUNAM) fueron elementos indispensables para la realización de estos proyectos interrelacionados.

Los poemas de Mardonio Carballo fueron clave para crear este collage de emociones, Mariana Mendivil comenta: “Con el collage, cada artista encuentra su propio lenguaje e interpreta los poemas de una forma única”. La poesía actúa como detonante, moviendo los cuerpos y sumergiéndose en la música.

Avalanche, de Carlos Casas, celebra su presentación en FICUNAM con una improvisación musical en vivo .

Por Naela Hernández

Avalanche, del director español Carlos Casas, se presentó este domingo 4 de junio en el Pabellón de la Biodiversidad como parte de su participación en la décima tercera edición del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), donde exhibió su performance audiovisual con una improvisación musical en vivo.

La cinta, que forma parte de la sección Umbral Expandido del FICUNAM, tiene una duración de 59 minutos y proyecta imágenes del pueblo de Hichigh, una de las aldeas más altas del mundo en las montañas del Pamir, en Tayikistán, sitio que Carlos Casas ha documentado en sus diversas visitas al país asiático.

“Tuve el placer de conocer Hichigh. Voy a volver a la montaña y documentar todas las veces que pueda este pueblo de cinco, seis casas”, comentó Casas.

El director refirió que el material está organizado en microsecuencia, a un ritmo improvisado basado en los momentos que se filmaron. Durante la presentación, el músico mexicano Ariel Guzik, realizó la banda sonora con música en vivo, apuntando a tonos experimentales como sonidos de instrumentos de viento.

Guzik expuso que Casas le había anticipado el material filmado con imágenes editadas en tiempo real, por lo que el performance se basó en una improvisación en vivo con sonidos relacionados a la actividad en la montaña, acompañados de instrumentos de 40 años de edad, pero que el músico sigue atesorando. 

Si bien, el performance experimental de Casas se estrenó en 2010, la cinta se presentó este domingo 4 de junio para despertar en los cinéfilos una meditación audiovisual donde se distingue la naturaleza del pueblo de Hichigh, montañas alrededor, su flora y fauna, así como el retrato de su día a día de los pobladores.

La música de fondo le da otro sentido a Avalanche, ya que transporta al espectador a un estado de flotación, como de concentración. En realidad esta cinta —de hace mucho tiempo—, es un proyecto vivo, porque cada vez que se presenta, el sentido es diferente, dijo Casas.

En tanto, el director agradeció y reconoció el estilo único que caracteriza a la música de Guzik, así como la sintonía que existe entre ambos artistas, la cual proyecta una combinación de imágenes y sonidos uniformes.

Por su parte, el Director Artístico del Festival, Maximiliano Cruz, reconoció que es un honor tener a Avalanche como parte del programa y destacó que Casas cuenta con una trayectoria importante en el cine de arte contemporáneo.

Simon(e) Jaikiriuma Paetau presentó Mourning Stage: Las caras del duelo en el Salón de Danza del CCU.

Por Andrea Hakim

Este sábado 03 de junio a las 12:00p.m. se llevó a cabo el performance y conversatorio de la artista Simon(e) Jaikiruma Peateau, titulado Mourning Stage: Las caras del duelo.

El evento inició con un agradecimiento a la Cátedra Gloria Contreras por permitir esta colaboración con el festival e inaugurando el salón de danza DGD en Ciudad Universitaria como sede de FICUNAM. Se realizó una breve introducción a las personas involucradas en el montaje del performance, dando a conocer la participación del artista Carlos Motta, quien estuvo a cargo de ilustrar los dibujos que más tarde funcionarían como una partitura de actuación y la mezcla en vivo de estos realizada por el artista interdisciplinario Renato González. Al igual, cabe destacar en la cámara a Miguel Gadia, la iluminación de Cesar Mendoza y al equipo técnico en sonido de Danza UNAM, Germán Miranda y Juan Ortiz. 

Seguido a esto, Simon(e) inició el performance, en donde utiliza su cuerpo en conjunto con la imágenes de Carlos Motta, las cuales son un retrato de distintas representaciones del diablo en el infierno. Entre estos demonios hay personajes feminizados que sugieren las perversiones sexuales tipificadas por el imaginario católico. Estas ilustraciones son acompañadas de las expresiones faciales de la performer, en un ritual donde el cuerpo fetichizado y colonizado por la moral se lamenta. 

Terminando el performance, Maximiliano Cruz, director artístico del festival hizo énfasis que para FICUNAM es muy importante explorar los cruces del lenguaje cinematográfico con otras disciplinas, agradeciendo a Simon(e) por su participación en el festival, donde además forma parte de los jurados de la competencia aciertos. 

Simon(e) inició el conversatorio recalcando su admiración por Carlos Motta, gracias a su trabajo que aborda la intersección entre la sexualidad. La performer explica el trabajo a distancia que realizaron como colaboración para el performance, creando la serie “We Are the Enemy”, inspirada en la pintura colonial que habla de la otredad marica, con la necesidas de evidenciar cómo la colonialidad también tuvo un impacto en los cuerpos, a través de la imposición del sexo y el género. 

“Yo me encerré 10 días, 2 semanas en mi taller y comencé a responder a esos dibujos, esa partitura y dramaturgia. Después hicimos una versión de video, un cortometraje. La primera vez que se presentó en vivo utilizamos solo mi cuerpa. Para mí todos los procesos nunca se terminan. La pieza es un proceso que nunca se acaba. La primera vez que lo presentamos, sentía que le hacía falta algo, entonces decidieron crear un software hackeado, tomando inspiración de los filtros de Instagram.”

Renato agradeció a Simon(e) por hacerle parte de este manifiesto. El artista menciona que el tracking face normalmente es utilizado en instalaciones más pop o de una manera más plástica. Él llegó al proyecto gracias a que en esta pieza podemos percibir la materia análoga del dibujo, la cual permite vislumbrar la cara como tal, que nos hace olvidarnos de la tecnología utilizada. Renato menciona que estos softwares la mayoría del tiempo nos someten a ciertas dinámicas sociales y que lograr hackearlos nos hace que esa herramienta se pueda llevar a un espacio de transformación y discursivo. 

Simon(e) menciona su necesidad de convertir las cuerpas disidentes en un performance y romper la línea entre el miedo y lo demoníaco, gracias a que el cuerpo se reconfigura y se adecúa todo el tiempo dependiendo del entorno, la violencia del espacio público y la identidad. 

El conversatorio terminó con Maximiliano Cruz preguntando a la performer qué viene después en su carrera. Simon(e) respondió que ella no quiere caer en espacios del cine como industria, a pesar de ser espacios que le dan visibilidad a su trabajo. 

Gaia: El último refugio

Por Frida Mendoza

El Pabellón Nacional de la Biodiversidad fue sede de la inauguración de Gaia: El último refugio, la cual se llevó a cabo el viernes 2 de junio como parte de FICUNAM13. Un ciclo sobre biodiversidad y derechos de la tierra en donde tuvieron presencia diversos representantes institucionales como la Dra. Susana Magallón, directora del Instituto de Biología UNAM, la Dra. Ana María Beatriz Cetto y Bruno Velázquez, director de la Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes. Como parte de la inauguración se proyectó “Manchas del Río Oxus” y se contó con la presencia de la artista y cineasta Saodat Ismailova, autora de la película proyectada. 

En este ciclo se abordó la importancia de la justicia y conciencia ambiental. La Dra. Ana María mencionó la importancia de tener un espacio para la reflexión en donde se puede promover un diálogo basado en la justicia ambiental. La Dra. Susana Magallón hizo mención a este ciclo como un espacio de exhibición y diálogo en donde las culturas de las ciencias y las artes convergen. El Mtro. Bruno Velázquez comentó ‘Con este ciclo se busca seguir rompiendo paradigmas’.

“De la tierra son todas las cosas y a la tierra regresan todas las cosas”, dijo Bruno Velázquez. Enseguida, tuvo lugar la proyección de ‘Manchas del Río Oxus/ Stains of Oxus’ 2016, una vídeo-instalación a tres canales, de la artista y cineasta Saodat Ismailova. Al término de la proyección, Maximiliano Cruz, director artístico de FIUNAM, presentó de manera más amplia a Saodat Ismailov hablando de su formación como artista y abriendo un espacio para que Saodat platicara más a fondo sobre los orígenes de su proyecto.

“Para mi era importante seguir el río desde su fuente hasta su muerte, yo quería trabajar con el agua, con los sueños, con la gente que vive a las orillas de este río. La totalidad de mi obra es un aproximado a un trabajo documental, construir  una conexión con la gente, jamás llegar y extraer experiencias, hay que pasar tiempo con ellos para generar confianza, es importante tener el permiso de la gente y del río. Fue más que nada trabajo de campo lo que hice y esto me permitió juntar mucho material para otras películas” mencionó Saodat. 

Para finalizar, el público hizo preguntas sobre la proyección, en donde Saodat pudo hablar aún más a fondo sobre los aspectos de su película, como la historia del río y su problemática con el agua en su país, el proceso de montaje al ser una proyección a tres pantallas y en bucle.  “Desde el principio pensé en que iba a ser un bucle, pero también tenía claro que debía tener un principio y un final, así como lo tiene el río”, finalizó la artista y cineasta.  

Este ciclo es presentado por la Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes, la Cátedra UNESCO de Diplomacia y Patrimonio de la Ciencia, el Pabellón Nacional de la Biodiversidad del Instituto de Biología de la UNAM, junto con el FICUNAM.

Interpelar el desafío, Albert Serra en conversación con Lázaro Gabino Rodríguez

Por Leo Ovalle

El auditorio del MUAC fue sede de la conferencia magistral Interpelar el desafío: Albert Serra en conversación con Lázaro Gabino Rodríguez, la cual se llevó a cabo el 2 de junio como parte de las actividades de la Cátedra Bergman en el marco de  FICUNAM 13, en colaboración con MUBI y con el apoyo de Acción Cultural Española AC/E y TV UNAM, con el fin de conocer la perspectiva del cineasta español entorno a cómo comprende la ficción.

La conversación inició con una interrogante de Lázaro Gabino a Alber Serra, en donde le cuestionaba sobre la importancia de hacer cine y cómo vivirlo, lo que provocó el despliegue de emociones del director español y comenzó a reflexionar sobre el hecho de que hacer cine es realmente vivir una vida diferente no vivir la vida misma. 

Rápidamente llegó la palabra que fue crucial para esta conversación, la ficción y como Alberte Serra comprende que esta no se puede preservar por sobre la vida de cada persona o en este caso, cada actor, pero a pesar de todo es la misma ficción la que es la clave de todo, es lo que le da ambición a todo.

Para Albert Serra la ficción se construye de elementos que no conforman al artista, a excepción de su cuerpo, el cual es indispensable para sentirla, así como darle más  importancia de la que se merece uno mismo a la hora de actuar. “Centrarse en el propio yo es imponerse a una cosa que es infinitamente  más compleja”, mencionó. 

La conferencia magistral abarcó la visión que tiene Serra sobre los teléfonos celulares y como han sido un distractor enorme a la hora de realizar una obra cinematográfica, haciendo énfasis en la filmación. Para el artista español, los teléfonos celulares detonan los imperfectos de cada persona, lo que lo vuelve interesante, pero sumamente triste.

Durante la conversación se hizo énfasis en la ficción actual y como se ha llevado a desarrollar personajes negativos, lo que responde a una increíble realidad, en donde, en palabras de Albert Serra “La gente es cada vez peor”.

La sesión finalizó con interrogantes de los asistentes, en donde tanto Lázaro como Albert respondieron con honestidad y congruencia basándose en su experiencia propia a la hora de hacer cine y teatro, reafirmando que estos dos últimos son dos mundos diferentes.