Por primera vez para el FICUNAM se plantea la comisión de cuatro cortos en los que se trabajó con realizadores de gran trayectoria y jóvenes cineastas, en colaboración con compositores e instrumentistas. A partir de éstos, se plantea la presentación de la película Liminal realizada por Lav Diaz, Philippe Grandrieux, Manuela De Laborde y Óscar Enríquez, en donde se expresan las distintas formas del fenómeno colaborativo.
Dilucidar lo impredecible. Bruno Dumont en conversación con Guadalupe Nettel
Existe una multiplicidad de películas sobre la vida de Juana de Arco, entre ellas, las aproximaciones de Bruno Dumont son geniales anomalías. Mordaz y elocuente, su trayectoria se lee como una búsqueda constante de referentes y alquimias, lo cual explica su exploración obsesiva de la Doncella de Orleans, a quien ha dedicado dos de sus más célebres creaciones.
La materia prima de este realizador es la filosofía, y la pantalla, la mesa sobre la que disecta el lado siniestro de los seres comunes y su ordinarias acciones. Esta conversación promete, al igual que su cine, caminos tan bellos como sorpresivos.
*En colaboración con el Instituto-Goethe Mexiko y la Casa del Lago UNAM
Hombre de ningún lugar. Elia Suleiman en conversación con Ricardo Giraldo
En la obra del cineasta palestino Elia Suleiman es recurrente hacer un ejercicio de pertenencia poco directo, característica que representa un gesto contestatario a la vez que radical desde la sutileza cinematográfica que emplea, algo pocas veces visto en el cine. Parte de una posición política que nunca roza el lugar común, y entrega al espectador la perspectiva de un habitante que parece ser de ningún lugar.
A través de un recorrido por su condensada pero sustanciosa filmografía, Suleiman hablará sobre esa posición que ocupa como cineasta —además de como autodidacta— perteneciente a una zona del mundo en constante conflicto desde hace algunas décadas.
Punto de vista: Encuentro de nuevas narrativas con perspectiva de género
Encuentro de nuevas narrativas con perspectiva de género
Presentado en colaboración con Tiempo de Mujeres. Festival por la equidad de género.
Este inicio de 2020, Gabriela Wiener escribía en el New York Times el artículo titulado La década en que nos hicimos feministas, en el que analiza la manera en la que el feminismo se ha instalado como una de las grandes luchas que replantean las relaciones sociales, políticas, económicas y culturales en los últimos tiempos.
La organización económica y los cambios en las estructuras sociales exigen abrir el horizonte de nuestra representación de la realidad. La perspectiva de género no pretende negar una naturaleza o censurar una mirada sino construir una narrativa capaz de abrirle paso a la diversidad de miradas y asumirla como un enriquecimiento y no como una pérdida.
Hoy es importante nombrar las cosas y las situaciones, hacer consciente el lugar desde el cual se nombran, se codifican y cómo se representan.
En este contexto se vuelve urgente una revisión profunda de las narrativas que se construyen en el arte y en los medios de comunicación, porque es ahí donde se gesta la evolución del inconsciente colectivo o se perpetúan los modelos anquilosados de representación. El discurso en el cine parece quedar lejos de nuestra realidad y aparecen preguntas que vale la pena discutir en colectivo para revisar, no solo la narrativa que hoy nos define como sociedad desde el cine, sino cómo se construye el lenguaje que nos representa.
Desde FICUNAM proponemos abrir un diálogo en voz alta. Intuimos que el camino está en la reflexión colectiva, el diálogo entre distintas miradas y sobre todo, en la posibilidad de empezar a construir nuevos paradigmas y nuevos códigos que incorporen la diversidad como punto de partida. Estamos convencidos de que el cine y en general los medios audiovisuales, deben cumplir un papel clave en el cambio de rumbo y desde nuestra trinchera queremos funcionar como motor para este cambio. Es por ello que proponemos este “Encuentro de nuevas narrativas con perspectiva de género” que esperamos que haga eco en todas y todos.
En colaboración con Fondo Semillas, Cultura CDMX, ONU Mujeres, Fondo Cultural de Austria, Embajada de Estados Unidos de América, la Universidad Iberoamericana y el Centro Cultural El Rule.
Abril Alzaga, Mariana Gutiérrez Noriega y Marcela Duana
PROGRAMA
Cambiar los modelos. El rumbo de las políticas públicas para impulsar otras narrativas
Martes 10 de marzo | 17:00 | El Rule, Casa Colombia
Entrada libre, cupo limitado
¿Cómo impulsamos desde las instituciones nuevas narrativas que lleven a la creación de nuevos discursos? ¿Cuál es la responsabilidad del cine en la construcción de imaginarios sociales o individuales? ¿Por qué actualmente se vuelve tan importante la representación? ¿Son las narrativas en el cine un asunto público que necesita atención de las instituciones públicas? ¿Cómo pueden las instituciones públicas influir en la construcción de nuevas narrativas? ¿Es posible formar parte de este proceso desde las instituciones? ¿Cómo podemos medir el impacto de las políticas públicas en esta materia?
Participan: María Novaro (México), Madeleine Ekman (Suecia) y Juliette Bonnafe (Oficial de Programas de ONU Mujeres)
Modera: Gabriela Warkentin (México)
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Apoderarnos de nuestras historias: agenciamiento y mirada femenina
Bette Gordon (EUA) conversa con Bani Khoshnoudi (EUA)
Martes 10 de marzo | 19:00 | El Rule, Casa Colombia
Entrada libre, cupo limitado
Pionera en el Cine Independiente estadounidense y una de las cineastas más destacadas del ‘No Wave Movement’ de la década de 1980 en Nueva York, Bette Gordon es conocida por sus audaces exploraciones de temas relacionados con la sexualidad, la violencia y el poder. Sus películas han sido proyectadas en cines y festivales internacionales, incluyendo Cannes, Berlín, Toronto, Locarno, Rotterdam, Tribeca.
¿Qué entendemos por perspectiva de género? ¿Cuáles son los puntos de vista de la representación masculina y femenina? ¿Solo existen esas dos formas de mirar?
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Normatividad e interseccionalidad en el punto de vista cinematográfico
Jueves 12 de marzo | 17:00 | El Rule, Casa Colombia
Entrada libre, cupo limitado
¿Qué significa la mirada interseccional? ¿Qué entendemos por perspectiva de género?¿Qué significa el punto de vista dominante? ¿Cómo se detecta? ¿Qué tanto de nuestro pensamiento es impuesto y qué tanto es propio?
Participan: Deniss Barreto (México), Yásnaya Elena Aguilar (México) y Andrés Clariond Rangel (México)
Modera: Sofía Ochoa (México)
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Lenguaje, códigos y perspectivas. Desde dónde se mira en la construcción cinematográfica
Jueves 12 de marzo | 19:00 | El Rule, Casa Colombia
Entrada libre, cupo limitado
¿Cómo se construyen los códigos del lenguaje cinematográfico? ¿Cómo dejamos de lado los estereotipos caducos? ¿Cómo incitamos a la reflexión sobre lo que somos y sobre lo que queremos ser? ¿Cómo entendemos la narrativa que creemos propia y la que construímos para dar paso a algo nuevo? ¿Cómo interpretamos la construcción de nuestra identidad?
Participan: Alejandra Márquez Abella (México), Danae Elon (Israel), Rubén Imaz (México), Mona Fastvold (Noruega)
Modera: Penny Oliva (México)
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Taller: Diversidad lingüística, género y cine
Miércoles 11 de marzo | 16:00 | El Rule, Casa Colombia
Previa inscripción
Imparte: Yásnaya Elena Aguilar (México)
Previa inscripción, cupo limitado.
Para aplicar, es necesario mandar carta de motivos y CV.
Recepción de solicitudes en ficunam@fic.unam.mx
Cátedra Ingmar Bergman en FICUNAM 10
Reinventar los límites
En su décima edición, FICUNAM plantea una hipótesis: si el mundo es un campo de batalla, el enfrentamiento se hará desde la más insurrecta celebración. Hay una claridad política en su curaduría, estar juntos es un acto subversivo y el pensamiento de la colectividad su mejor arma.
Allí radica el centro de la colaboración con la Cátedra Bergman: lograr que acontezca el diálogo que produce conocimiento. Que las voces se sumen y triunfe lo heterogéneo. Durante el banquete se dan cita la creación, la crítica y la teoría con la comunidad universitaria.
Confrontaremos lo que creemos saber del lenguaje cinematográfico de la mano de creadores como Pedro Costa, Bruno Dumont, Claire Atherton, Lech Kowalski, Odile Allard y Chris Fujiwara, así como las miradas más frescas y desafiantes de la crítica contemporánea. A lo largo de diez días desaparecerán las distancias para que todas y todos formemos parte de la conversación.
PROGRAMA
El mecanismo de lo orgánico
Claire Atherton en conversación con Antoine Thirion
Viernes 6 de marzo | 17:00 | Sala Carlos Chávez, CCU
Entrada libre, cupo limitado
Quien ve una película editada por Claire Atherton sabe que difícilmente escapará de su memoria, que se ha encontrado con un organismo palpitante. Esta colaboradora inseparable de Chantal Akerman hace del montaje el aliento que da vida al cine, aquel que vuelve cada filme un espacio habitable para los espectadores. No es de sorprender que juntas dieran el salto de lo cinematográfico a la instalación.
En este encuentro con una creadora referencial descubriremos, en compañía del crítico de cine y programador Antoine Thirion, qué le susurran las imágenes para adentrarnos en la belleza de su misterio.
*En colaboración con Síntesis
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Proyección de Jeanne (Bruno Dumont, 2019, 138 min)
Domingo 8 de marzo | Cineteca Nacional | 16:00
Boletos en taquilla
Dilucidar lo impredecible
Bruno Dumont en conversación con Adriana Bellamy
Al finalizar la proyección
Entrada libre, cupo limitado
Existe una multiplicidad de películas sobre la vida de Juana de Arco, entre ellas, las aproximaciones de Bruno Dumont son geniales anomalías. Mordaz y elocuente, su trayectoria se lee como una búsqueda constante de referentes y alquimias, lo cual explica su exploración obsesiva de la Doncella de Orleans, a quien ha dedicado dos de sus más célebres creaciones.
La materia prima de este realizador es la filosofía, y la pantalla, la mesa sobre la que disecta el lado siniestro de los seres comunes y su ordinarias acciones. Esta conversación promete, al igual que su cine, caminos tan bellos como sorpresivos.
*En colaboración con Síntesis
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Más allá de los márgenes
Taller de realización documental impartido por Lech Kowalski y Odile Allard
10 al 12 de marzo | 10:00 – 14:00 | Centro de Capacitación Cinematográfica
Previa inscripción. Más información en www.catedrabergman.unam.mx
Asumir el documental como el territorio de la honestidad. Retratar la urgencia. Rehuir de las imposiciones formales y económicas. Penetrar en las entrañas del mundo y hacer de sus habitantes los protagonistas. Plasmar las historias que no le interesan a la Industria, aquellas de las que no se espera nada, las que son invisibles.
Siguiendo sus propias reglas, Lech Kowalski y su productora Odile Allard han creado una dupla de trabajo comprometida, dispuesta al riesgo y la experimentación. Este taller es una oportunidad de aprender, cámara en mano, las tácticas de su independencia creativa.
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Entre sombras: Un acercamiento a la inquietante mirada de Jacques Tourneur
Conferencia magistral impartida por Chris Fujiwara
Miércoles 11 de marzo | 17:00 | Centro de Capacitación Cinematográfica
Entrada libre.
Rara vez podemos acercarnos al cine y a sus fenómenos desde múltiples puntos de vista. Una de esas afortunadas coincidencias yace en la visión de Chris Fujiwara. Investigador, crítico, editor y director artístico, su extenso trabajo representa una de las más enriquecedoras indagaciones sobre los géneros cinematográficos y sus autores. Su estudio crítico sobre el cine de Jacques Tourneur es el punto de partida para esta conferencia, un análisis profundo de las facetas del icónico director, su técnica y el desarrollo de su estilo.
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Hacer comunidad de los escombros
Pedro Costa en conversación Lucrecia Arcos
Martes 10 de marzo | 17:00 | Sala Carlos Chávez
Previo registro. Entrada libre, cupo limitado
En su regreso a la Cátedra Bergman, el icónico director portugués abordará su universo fílmico, cuyas cualidades humanas y estéticas se fincan en el territorio de su obsesión: el barrio marginal de Fontainhas en Lisboa, desaparecido tras la demolición de sus viviendas y los espacios habitados por el grupo de gente que actúa en sus películas. Es ahí donde Costa ha pulido su ritmo y metodología de trabajo, pero sobre todo, es el escenario del encuentro con sus protagonistas: Vanda, Zita y, por supuesto, Vitalina Varela. Una conversación para recordar el poder del cine y sus historias, el peso político de sus imágenes y la belleza de aquello que el sistema intenta reducir a polvo.
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Foro de la crítica permanente
La crítica y el tiempo
Jueves 12 de marzo | Sala Carlos Chávez
Entrada libre, cupo limitado
Tras décadas de no saber distinguir con claridad su lugar de aquel de la academia o de la publicidad, la escritura sobre cine parece ir perdiendo su capacidad de ser ‘el arte de amar’ [Jean Douchet] con el correr de los años. Hoy la crítica devuelve al cine nada o muy poco de lo que toma de él. La nula reflexión historiográfica en torno a la disciplina ha resultado en omisiones, falsas periodizaciones y nociones de evolución. Pero basta quizás una mirada curiosa al pasado para entender que la crítica alguna vez partió —y todavía puede hacerlo, mientras le sirva únicamente a su objeto amado— de ser la experiencia misma de lo bello, para aspirar, en fin, a ser una educación de la sensibilidad.
11:00
Mesa 1: Contra el viento
Participan: Mónica Delgado (Perú), Chris Fujiwara (EE UU), James Lattimer (Alemania), Raquel Schefer (Portugal) | Modera: Salvador Amores (México)
Discusión en torno a la posibilidad de volver a la crítica como encuentro, como acto devocional que responda únicamente a la fascinación y al gusto -herramienta olvidada, indispensable- por la evidencia, definida por Jacques Lourcelles como “lo que está en pantalla, no atrás, abajo, más allá o cerca de ella”. Ir contra el viento es con frecuencia el verdadero paso adelante. Como solía decir Jean Eustache: puede que la revolución sea en realidad un regreso al punto de partida.
13:00
Mesa 2: Regreso al presente
Participan: Tania Hernández Velasco (México), Rafael Guilhem (México), Ángel Santos (España), Eloísa Solaas (Argentina) | Modera: Sofía Ochoa (México)
La prisa por afirmar y generalizar acerca de ciertas obras con frecuencia permite que se incurra en lo que Bazin anunció como “la negación del filme en beneficio de la alabanza de su autor”. Volver sobre la genealogía de la política de autor, revisar no solo la sistematización de los análisis formales y estilísticos del cine, también el surgimiento de la empatía y la creatividad a partir de éstos, podría ser un camino de reencuentro con sus manifestaciones más auténticamente artísticas.
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Clínicas Bergman
Realización documental con Lech Kowalski y Odile Allard
Lech Kowalski ha sido testigo y portavoz de la otredad. Junto a la productora Odile Allard, su cómplice fundamental, ha erigido un potente testimonio de la contracultura. Sus filmes son una invitación al estremecimiento y con ello un inesperado refugio de la esperanza. Este es un cine combativo que explora la alteridad porque pertenece a ella. No hay mejor manera de empezar las Clínicas Bergman de este año que con una sacudida.
Viernes 13 de marzo | Escuela Nacional de Artes Cinematográficas
Más información en www.catedrabergman.unam.mx
SANGUINETTI: Una entrevista con Christian Díaz Pardo
Sanguinetti: Una entrevista con Christian Díaz Pardo
Por Pablo Rendón (@pagusrendon)
Sanguinetti, segundo largometraje del realizador Christian Díaz Pardo, forma parte de Ahora México, del Festival Internacional de Cine UNAM, sección que se ha convertido en un espacio de estreno del cine independiente mexicano en la Ciudad de México. Tuvimos la oportunidad de hablar con el cineasta de origen chileno sobre su película, en la que las voces de un pasado represivo recobran su sentido en el contexto político actual.
Pablo Rendón: ¿Qué significa para ti el haber sido seleccionado por FICUNAM?
Christian Díaz Pardo: Bueno, es la segunda vez que tengo la oportunidad de participar en FICUNAM. La primera vez fue con González (2015), que fue la primera película que hice, y fue una experiencia increíble; estar en FICUNAM, el contacto con el público, el hecho de estar en la UNAM. Fue un hecho importante para la película y para mí también, así que ahora estamos súper felices de que el estreno en México de Sanguinetti, sea en FICUNAM.
PR: ¿Qué representa para ti un espacio como FICUNAM?
CDP: Para mí FICUNAM representa la oportunidad de ver un cine diferente, un cine que tal vez no tiene cabida en las ventanas comerciales, en los grandes escaparates de un cine más convencional. FICUNAM para mí es sinónimo de un cine más arriesgado, independiente, que nos hace reflexionar sobre la época en la que nos tocó vivir.
PR: Sanguinetti es una película que se mueve entre la intriga política y el thriller psicológico, ¿cómo construyes una atmósfera como esa?
CDP: Creo que las clasificaciones o las etiquetas pueden ser un poco odiosas, pero me gusta pensar en Sanguinetti como una especie de thriller minimalista, obviamente con elementos políticos. Para mí, sobre todo, está el componente humano: una relación entre una mujer y su padre; una relación difícil y en la que intentamos no prejuzgar a los personajes, no etiquetarlos de villanos o de buenos, sino más bien mostrar los hechos para que el espectador pueda sacar sus propias conclusiones.
PR: Leía una entrevista en la que hablabas del personaje de Valentina, de cómo conviven en ella el sentimiento de culpa y el anhelo de justicia, un personaje complejo…
CDP: Sí, evidentemente. Se llama Valentina porque pensé en ella como una mujer valiente. Creo que de alguna manera representa, o esa es la metáfora, los anhelos de justicia y de una sociedad mucho más inclusiva en todos los sentidos, de la juventud en general y sobre todo las mujeres que han levantado la voz en estos últimos años con mucha fuerza. Entonces, el personaje de Valentina es una mujer que está buscando la justicia, que está buscando reivindicar, clarificar qué fue lo que ocurrió en alguna parte de la historia, pero no sólo eso, sino también alertarnos y prevenirnos de que muchos de esos fenómenos que pensábamos que pertenecían al siglo pasado, como las dictaduras militares, las torturas, las desapariciones forzadas, siguen ocurriendo y son problemas que siguen muy vigentes, tristemente. Bueno, y para mí la película fue la oportunidad o la excusa para hablar de esos temas; yo viví la experiencia de la dictadura chilena que luego “terminó”, en los noventa, crecí, me hice adulto y vine a México a estudiar cine. Por eso ese asunto de las muertes, de las torturas, de las dictaduras eran un tema del pasado, y para mí fue como un garrotazo el darme cuenta de que no, que sigue pasando. La película, de alguna forma, habla de todo eso.
PR: Es una película en la que has trabajado, hasta donde yo sé, desde 2016. Probablemente antes…
CDP: Es una película que tuvo un proceso largo, empezamos a trabajar en ella realmente desde 2015. Fue una película súper independiente, en el sentido que para su producción no tuvo ningún apoyo oficial o de empresas. Después de la filmación, afortunadamente obtuvimos el apoyo de PROCINE y del FONCA.
PR: ¿Te imaginabas que esta película iba a resultar tan actual?
CDP: Exactamente. En ese momento tal vez no era un tema del que mucha gente estuviera hablando, pero por una parte no me sorprende que sea una película totalmente vigente y por otra parte quisiera que no lo fuera. Quisiera que fuera un recuerdo nostálgico de algo que ya superamos, pero lamentablemente todavía no es así.
Actividades de Síntesis en el marco de FICUNAM 10
Cine y música
Síntesis celebra tres años de encuentros entre programadores, curadores, artistas y profesionales de diversas corrientes artísticas que exploran las fronteras del cine con otras disciplinas. Para esta edición se han organizado actividades que exploran en la relación entre el cine y la música. Por primera vez en el marco del FICUNAM, se han comisionado cuatro cortometrajes que involucran a cineastas (Lav Diaz y Philippe Grandrieux) de gran trayectoria y a jóvenes realizadores (Óscar Enríquez y Manuela De Laborde), en colaboración con compositores e instrumentistas. A partir de estos trabajos surgirá una película: Liminal, un fenómeno colaborativo. También habrá un espacio para que cineastas (Bruno Dumont, Elia Suleiman, y Claire Atherton) dialoguen con el público sobre su visión del cine y la música. Además de otras actividades como la proyección musicalizada de la versión restaurada de La edad de oro, de Luis Buñuel, un recital de Sonia Wieder y un concierto especial en la Casa del Lago UNAM, resultado de una residencia, en la que artistas mexicanos y alemanes trabajarán sobre el vínculo entre el sonido y la imagen.
PROGRAMA
El mecanismo de lo orgánico
Claire Atherton en conversación con Antoine Thirion
Viernes 6 de marzo | 17:00 | Sala Carlos Chávez, CCU
Entrada libre, cupo limitado
Quien ve una película editada por Claire Atherton sabe que difícilmente escapará de su memoria, que se ha encontrado con un organismo palpitante. Esta colaboradora inseparable de Chantal Akerman hace del montaje el aliento que da vida al cine, aquel que vuelve cada filme un espacio habitable para los espectadores. No es de sorprender que juntas dieran el salto de lo cinematográfico a la instalación. En este encuentro con una creadora referencial descubriremos, en compañía del crítico de cine y programador Antoine Thirion, qué le susurran las imágenes para adentrarnos en la belleza de su misterio.
*En colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro
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Proyección musicalizada
“La edad de oro” (L’âge d’or) de Luis Buñuel (Francia, 1930, 63 minutos)
Musicalizada por Rogelio Sosa
Viernes 6 de marzo | 20:00 | Explanada de La Espiga, CCU
Entrada libre, cupo limitado
Sinopsis: La fuerza del deseo experimentado por una pareja trastorna y anula el orden social.
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Hombre de ningún lugar
Elia Suleiman en conversación con Ricardo Giraldo
Sábado 7 de marzo | 13:00 | Teatro Juan Ruíz de Alarcón, CCU
Entrada libre, cupo limitado
En la obra del cineasta palestino Elia Suleiman es recurrente hacer un ejercicio de pertenencia poco directo, característica que representa un gesto contestatario a la vez que radical desde la sutileza cinematográfica que emplea, algo pocas veces visto en el cine. Parte de una posición política que nunca roza el lugar común, y entrega al espectador la perspectiva de un habitante que parece ser de ningún lugar.
A través de un recorrido por su condensada pero sustanciosa filmografía, Suleiman hablará sobre esa posición que ocupa como cineasta —además de como autodidacta— perteneciente a una zona del mundo en constante conflicto desde hace algunas décadas.
*Presentada por Síntesis, Cinema 23, FICUNAM y UNIFRANCE
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UnStumm, un encuentro internacional entre imagen y sonido
Sábado 7 de marzo | 16:00 | Casa del Lago UNAM, Sala Rosario Castellanos
Entrada libre, cupo limitado
Conversatorio + Concierto Ensamble Liminar
Participan: Alexander Bruck, Nicola L. Hein y Claudia Schmitz
Modera: Juan Ayala
*En colaboración con el Instituto-Goethe Mexiko y la Casa del Lago UNAM
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Proyección de Jeanne (Bruno Dumont, 2019, 138 min)
Sábado 7 de marzo | Cineteca Nacional | 16:00
Boletos en taquilla
Dilucidar lo impredecible
Bruno Dumont en conversación con Guadalupe Nettel
Al finalizar la proyección
Entrada libre, cupo limitado
Existe una multiplicidad de películas sobre la vida de Juana de Arco, entre ellas, las aproximaciones de Bruno Dumont son geniales anomalías. Mordaz y elocuente, su trayectoria se lee como una búsqueda constante de referentes y alquimias, lo cual explica su exploración obsesiva de la Doncella de Orleans, a quien ha dedicado dos de sus más célebres creaciones.
La materia prima de este realizador es la filosofía, y la pantalla, la mesa sobre la que disecta el lado siniestro de los seres comunes y su ordinarias acciones. Esta conversación promete, al igual que su cine, caminos tan bellos como sorpresivos.
*En colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro
*Presentación con el apoyo de Embajada de Francia – IFAL y UNIFRANCE
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Proyección Liminal (Dir. Lav Diaz, Philippe Grandrieux, Manuela De Laborde, Óscar Enríquez, 2020)
Jueves 12 de marzo | 20:00 | Sala Julio Bracho, CCU
Boletos en taquilla
Por primera vez para el FICUNAM se plantea la comisión de cuatro cortos en los que se trabajó con realizadores de gran trayectoria y jóvenes cineastas, en colaboración con compositores e instrumentistas. A partir de éstos, se plantea la presentación de la película Liminal realizada por Lav Diaz, Philippe Grandrieux, Manuela De Laborde y Óscar Enríquez, en donde se expresan las distintas formas del fenómeno colaborativo.
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Conversación Liminal (2020)
Viernes 13 de marzo | 13:00 | Casa Universitaria del Libro UNAM
Entrada libre, cupo limitado
Los cuatro cineastas charlarán sobre el proceso colaborativo de realizar una película a partir de cuatro cortometrajes filmados de manera independiente.
Participan: Lav Diaz, Philippe Grandrieux, Manuela De Laborde y Óscar Enríquez
Modera: Juan Ayala
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Conversación + recital con Sonia Wieder-Atherton
Sábado 14 de marzo | 12:00 | Sala Carlos Chávez, CCU
Costo: $50.00, cupo limitado
Sonia Wieder-Atherton trabaja incansablemente con lo experimental. Descifra el lenguaje de los compositores contemporáneos como Pascal Dusapin, Georges Aperghis y Wolfgang Rihm, a quienes ha promovido y que han escrito para ella.
*Presentación con el apoyo de Embajada de Francia – IFAL y la Dirección General de Música de la UNAM
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Chantal?
Viernes 13 de marzo | 21:00 | Anfiteatro Simón Bolívar
Ceremonia de premiación, con invitación
Sonia Wieder-Atherton trabaja incansablemente con lo experimental. Descifra el lenguaje de los compositores contemporáneos como Pascal Dusapin, Georges Aperghis y Wolfgang Rihm, a quienes ha promovido y que han escrito para ella.
Chantal? es un diálogo entre una película, un violonchelo y un texto. La película es Saute ma ville (Explota mi ciudad) (1968), primer cortometraje de Chantal Akerman. Con ella sus silencios, sus gestos burlescos y graves, sus estribillos. El violonchelo es la música de Bartok, de Prokofiev, de Janacek, una energía fulminante, mezcla de colores, de temas populares y de cantos profundos. El texto es el libro de Chantal Akerman, Une famille à Bruxelles (Una familia en Bruselas), como un murmullo que nunca termina, como una oración. El filme se repetirá tres veces. Cada vez, los encuentros entre gestos y sonidos, entre estribillos y susurros, entre palabras y silencios, se colocarán de manera diferente en las imágenes. Cada vez en un nuevo arreglo del tiempo. Con Chantal.
*Presentado con el apoyo de la Fundación Chantal Akerman
El programa musical:
Oración judía (tradicional), arreglo de Sonia Wieder-Atherton
Sonate Presto / Melodía Bela Bartok
Cadencia extraída de la sinfonía concertante, Op.125 de Sergei Prokofiev
Contigo Sonia Wieder-Atherton
New York Quatuor Sonia Wieder-Atherton
Canto judío Salmo Sonia Wieder-Atherton
Poema moravo de Leoš Janaček, arreglo de Sonia Wieder-Atherton
Suite 3 opus 87 extracto Britten
El texto:
Une famille à Bruxelles (Una familia en Bruselas), Chantal Akerman, 1998. Publicado y representado por l’Arche Publisher.
El filme:
Saute ma ville (Explota mi ciudad), Chantal Akerman, Bélgica, 1968, 12 min
TERRITORIO: Una entrevista con Andrés Clariond
Territorio: Una entrevista con Andrés Clariond
Por Pablo Rendón (@pagusrendon)
Territorio, el largometraje más reciente del realizador mexicano Andrés Clariond, forma parte de la sección Ahora México del Festival Internacional de Cine UNAM, la cual se ha convertido en un espacio de estreno del cine independiente mexicano en la Ciudad de México. Tuvimos la oportunidad de hablar con el cineasta regiomontano acerca de los temas tratados en su película: la representación de nuevos modelos de masculinidad en el cine mexicano y las situaciones llevadas al extremo para incomodar al espectador.
Pablo Rendón: ¿Qué significa para ti el haber sido seleccionado por el FICUNAM?
Andrés Clariond: Me siento muy orgulloso, porque creo que el FICUNAM es un festival rebelde. Desde que yo escogí este tema y esta película buscaba este tipo de espacios para tocar estos asuntos controvertidos y fuertes que nos cuesta trabajo asumir y analizar. Por eso FICUNAM me parece el lugar perfecto para presentar Territorio.
PR: Sueles tocar temas ríspidos en tus películas. En un espacio como el FICUNAM que se presta para la discusión, ¿por qué te parece el lugar perfecto para presentar la película?
AC: Bueno, a mí lo que más me interesa de hacer cine es generar discusiones, traspasar las páginas de noticias o de arte, y suscitar pláticas y debates sobre los temas que están de moda en la actualidad, por eso me encanta la idea de estar en un espacio en donde habrá mucho análisis y mucha discusión. Lo que yo más disfruto de hacer cine es eso, provocar pláticas después de la película; que la película resuene después de la función y que siga la conversación.
PR: En Hilda, tu película anterior, abordas temas como el racismo y el clasismo; ahora en Territorio cuestionas la representación de la masculinidad en el cine mexicano, ¿qué tan difícil fue construir un personaje que no responde al estereotipo del macho mexicano?
AC: Yo quise hacer un personaje que tuviera esta aparente sensibilidad, pero que si le rascas sale esto de lo que los hombres no nos podemos despojar y que viene desde nuestra educación y de nuestra cultura. Después vienen esas inseguridades, esas obsesiones que nos acompañan siempre; esas rivalidades, esta parte todavía irracional o animal del ser humano que está ahí y que yo quise sembrar en todos los personajes. Entonces, para mí era importante hacer ese balance, no hacer personajes maniqueos donde fuera uno el súper macho y otro el macho débil; yo creo que los dos tienen una parte sensible y otra muy viril.
PR: Tuve la oportunidad de ver tu película en el Festival Internacional de Cine de Morelia y recuerdo que al terminar la función, en la sesión de preguntas y respuestas, la gente decía que había sufrido la película. Al momento de realizarla, ¿pensaste que ibas a despertar esa sensación en el espectador?
AC: Sí, pues yo sabía que las situaciones llevadas tan al límite, situaciones tan incómodas, iban a generar ese tipo de reacciones. Sí lo tenía en mente y era un poco parte de la estrategia al hacer esta historia donde este personaje baja a los peores infiernos.
PR: El lema de la décima edición del FICUNAM es “El cine que provoca”, ¿tú de qué manera provocas con el cine?
AC: Bueno, el cine que no provoca está en el lado equivocado. Yo creo que es una herramienta para hacer que la gente se cuestione y se transforme, y que al salir del cine no sea la misma persona. Entonces, es vital que el cine provoque y ése es uno de mis objetivos.
Elia Suleiman en 24 cuadros
Elia Suleiman en 24 cuadros
Después de la introducción del sonido, los 24 cuadros por segundo se convirtieron en la frecuencia de imagen estándar de la industria para la captura y proyección de películas. Además de inaugurar su décima edición con It Must Be Heaven, la película más reciente de Elia Suleiman, el Festival Internacional de Cine de la UNAM le dedicará una retrospectiva a su obra. Conócelo aquí.
- Es director, actor y guionista palestino. Nació el 28 de julio de 1960 en Nazareth.
- Desde muy joven salió de su país para estudiar en Londres, donde conoció a John Berger, quien fue una de las personas que más le marcó su ideología artística.
- A los 21 años abandonó la escuela y emigró a Nueva York de manera ilegal, donde obtuvo trabajos ocasionales.
- Empezó a ver películas en la Universidad de Nueva York, donde entraba clandestinamente gracias a sus amigos, y veía películas de Robert Bresson y John Cassavetes, pero sobretodo de Yasujirō Ozu y Hsiao-Hsien Hou quienes despertaron su vocación cinematográfica. El crítico palestino Edward Said también inspiró a Elia Suleiman a que se adentrara en el cine.
- En 1990 codirigió su primer cortometraje con el artista libanés-canadiense Jayce Salloum. La película, titulada Introduction to the End of an Argument, es una crítica a la representación del Medio Oriente, la cultura árabe y el pueblo palestino, producida por los medios de comunicación occidentales.
- El guion del filme Chinatown (1974), de Roman Polanski, le sirvió de guía para escribir el guion de su primer cortometraje.
- Su cortometraje Homage by Assassination (1992) retrata al mismo Elia escribiendo un guion en su apartamento de Nueva York durante la Guerra del Golfo. Esta película, su primera obra en solitario, comienza la tradición personal de Elia de actuar en sus propias películas.
- En 1993 se trasladó a Cisjordania para dar clases sobre cine en la Universidad de Birzeit, cerca de Ramala, donde al año siguiente creó el Departamento de Cine y Audiovisuales gracias a una subvención de la Comisión Europea.
- Su primer largometraje es Chronicle of a Disappearance (Crónica de una desaparición), con el que ganó el Premio a la Mejor Película en el Festival de Venecia en 1996. Se estrenó en 1997 y fue una de las primeras películas palestinas en estrenarse en Estados Unidos.
- Suleiman fue uno de los pocos cineastas árabes en hablar abiertamente de la Guerra del Golfo y su repercusión en el mundo árabe.
- En 1997, Elia Suleiman colaboró con su amigo, el cineasta israelí Amos Gitai en la dirección conjunta de un documental titulado War and Peace in Vesoul. La película es descrita como “una reflexión irónica sobre los estereotipos y la corrección política”.
- En 1998 realizó el cortometraje The Arab Dream, filme autobiográfico en el que Elia va en busca de su pasado y posible futuro en la Palestina ocupada, explorando el tema de la identidad.
- Cyber Palestine, fue su siguiente trabajo, un cortometraje realizado en el 2000, encargado por el Proyecto Belén 2000 de la Autoridad Nacional Palestina como parte de las conmemoraciones del milenio en Belén.
- Otra de las películas más representativas de Elia Suleiman es Divine Intervention (2002), que fue premiada en el Festival de Cannes, llevándose el Premio del Jurado, el Premio Screen Internacional a la Mejor Película No Europea de la Academia de Cine Europeo y el Premio a la Mejor Película Extranjera en los Premios Europeos en Roma.
- Fue miembro del jurado del Festival de Cannes en 2006.
- En 2007, fue elegido como uno de los 35 directores de To Each His Own Cinema, una película colectiva para el 60º aniversario del Festival de Cine de Cannes.
- En 2008, Elia se convirtió en profesor una vez más, ahora en la Escuela Europea de Postgrado en Saas-Fee, Suiza.
- Su filme The Time That Remains (2009) formó parte de la Selección Oficial del Festival de Cannes y ganó la Perla Negra a la Mejor Película de Ficción de Oriente Medio en el Festival de Cine de Abu Dabi 2009 y el premio al Mejor Director en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, entre otros. Es una película de drama semi-autobiográfico inspirada en los escritos de sus padres.
- It Must Be Heaven (2019), su película más reciente, estuvo nominada a la Palma de Oro, y ganó el Premio Especial del Jurado y el Premio FIPRESCI de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Será la película con la que el FICUNAM, inaugurará su décima edición.
- Sobre su obsesión por el cine mudo, Suleiman comenta que: “Hay muchos tipos de lenguaje, incluyendo el verbal, que para mí es el menos importante. Y del que más abusamos. El silencio, para mí, es un lenguaje puro porque conlleva muchas emociones. Y nos da la oportunidad de rellenar los espacios en blanco y transportar los momentos poéticos”.
- Por su humor mudo y visual se le suele comparar con Buster Keaton y Jacques Tati, comparación que toma como un cumplido.
- Suleiman suele ser profesor invitado de universidades e instituciones de arte como Columbia, Nueva York, Georgetown y Berkeley en los Estados Unidos, la Tate Modern en Londres, la Biennale y el Kunst Institute de Berlín, la Fundación DHC/ART de Montreal y la Femis de París.
- Elia Suleiman ha participado como jurado en numerosos festivales, incluyendo el Festival de Cannes (2006), el Marrakech Film Festival (2008) y Paris Cinéma (2010).
- Fue presidente del New Horizons Competition Jury del Abu Dhabi Film Festival en 2010, donde fue galardonado con el Premio Perla Negra 2009 y nombrado el cineasta del año por la revista Variety Magazine Middle-East.
FICUNAM anuncia la selección mexicana en competencia de su 10ª edición
FICUNAM anuncia la selección mexicana en competencia de su 10ª edición
El FICUNAM, Festival Internacional de Cine UNAM, anuncia la selección para la competencia Ahora México de su décima edición, a celebrarse del 5 al 15 de marzo de 2020. La sección Ahora México se ha convertido en un espacio de estreno del cine independiente mexicano en la Ciudad de México. Estos son los títulos seleccionados:
- Mano de obra (David Zonana, México, 2019, 80 min) *Premiere CDMX
- Sísifos (Nicolás Gutiérrez Wenhammar, Santiago Mohar Volkow, México, 2019, 90 min) *Premiere CDMX
- Sanguinetti (Christian Díaz Pardo, México – Chile, 2019, 81 min) *Premiere mexicana
- Silencio radio (Juliana Fanjul, México – Suiza, 2019, 77 min) *Premiere latinoamericana
- Ts’onot (Cenote) (Kaori Oda, México – Japón, 2019, 75 min) *Premiere latinoamericana
- Se escuchan aullidos (Julio Hernández Cordón, México, 2020, 72 min) *Premiere mundial
- Territorio (Andrés Clariond Rangel, México, 2019, 94 min) *Premiere CDMX
- Fragmentos en la vida de un músico (Pablo Chavarría Gutiérrez, México, 2020, 65 min) *Premiere mundial
- Días de invierno (Jaiziel Hernández Máynez, México, 2020, 90 min) *Premiere mundial
- La paloma y el lobo (Carlos Lenin Treviño Rodríguez, México, 2019, 106 min) *Premiere CDMX
- Uzi (Pepe Valle, México, 2020, 101 min) *Premiere mundial
- Toda la luz que podemos ver (Pablo Escoto Luna, México, 2020, 129 min) *Premiere mundial
- Soy yo Charlie Monttana (Ernesto Manuel Méndez Alvarado, México, 2020, 93 min) *Premiere mundial