Luego de ocho días de intensas actividades, donde hemos podido disfrutar de más de 140  películas, cátedras, conversatorios, presentaciones editoriales, performances, encuentros  y emotivos homenajes a dos figuras de la cinematografía mundial, el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) anunció a sus ganadores este jueves 20 de junio a las 19:00 h, en una emocionante ceremonia celebrada en el Auditorio del Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), conducida por Abril Alzaga, Directora Ejecutiva, y Maximiliano Cruz, Director Artístico.

FICUNAM agradece el apoyo a todas y todos aquellos quienes día con día ocuparon las butacas para asomarse a otras realidades y espacios y se dejaron seducir por el arte de la imagen en movimiento. Conoce a las y los ganadores de la décima cuarta edición del Festival Internacional de Cine UNAM:

ACIERTOS. ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Jurado Aciertos:

• Lina González (Colombia)
• Tatiana Graullera (México)
• Juanita Onzaga (Colombia)

Medalla Pluma de Plata al Mejor Cortometraje

Memorias de un cuerpo desplazado, de Mariana Mendivil, (México, 2024). Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, ENAC-UNAM

Mención Especial al Cortometraje

estrelladistante, de Celeste Rojas Mugica (Chile – España, 2023). Elías Querejeta Zine Eskola

COMPETENCIA UMBRALES DE VANGUARDIAS CINEMATOGRÁFICAS

Jurado Umbrales:

• Luke Fowler (Escocia)
• Julio García Murillo (México)
• Isabel Toledo (México)
• Santiago Torres (México)

Premio UMBRALES a Mejor película, otorgado por la Filmoteca UNAM

¡Aoquic iez in Mexico! / ¡Ya México no existirá más!, de Annalisa D. Quagliata (México, 2024)

Premio UMBRALES de Estudios Churubusco

Aliados, de Azucena Losana (México, 2024)

Mención Especial

Manifiesto, Jesse Lerner (México – Estados Unidos, 2024)

AHORA MÉXICO

Jurado Ahora México:

• Almudena Escobar (España)
• Michelle Garza Cervera (México)
• Cédric Succivalli (Italia)

Jurado “Fósforo”:

• Nathaly Bernal Sandoval
• Vivian Mayte Duarte González
• Paloma Sheherezade Martínez Fernández

Jurado “Tinta”:

• María Reneé Prudencio (México)
• Hari Sama (México)
• Fernanda Valadez (México)

Puma de Plata Ahora México a la Mejor Película, presentado por Ben & Frank      

la tierra los altares, de Sofía Peypoch (México, 2023)

Premio TV UNAM

Yūrei (fantasmas), de Sumie García Hirata (México, 2023)

Premio Estímulo Churubusco UNAM

Xquipi, de Juan Pablo Villalobos (México, 2023)

Premio LCI Seguros, que entregó el Jurado “Fósforo”

Xquipi, de Juan Pablo Villalobos (México, 2023)

Mención Especial del Jurado “Fósforo”

El mirador, Diego Hernández (México, 2024)

Premio Tinta al Mejor Guion Original

Una historia de amor y guerra, de Santiago Mohar Volkow (México, 2024)

COMPETENCIA INTERNACIONAL

Jurado Competencia Internacional:

• Ephraim Asili (Estados Unidos)
• Paz Encina (Paraguay)
• Alonso Ruizpalacios (México)

Puma de Plata a la Mejor Película, presentado por Freightliner   

Algo viejo, algo nuevo, algo prestado, de Hernán Rosselli (Argentina, 2024)

Puma de Plata a la Mejor Dirección, presentado por MUBI

María Aparicio por Las cosas indefinidas (Argentina, 2023)

Premio del Público 

Todo lo que imaginamos como luz, Payal Kapadia (Francia-India-Países Bajos-Luxemburgo, 2024)

PREMIOS CATAPULTA

Jurado Catapulta:

• Paz Encina (Uruguay)
• Cristina Gallego (Colombia)
• Nicolás Pereda (México)

Primer premio Mejor proyecto Catapulta

Diario de Assefaw, de Medhin Tewolde Serrano

Segundo premio Mejor proyecto Catapulta

obsidiana, de Sofía Peypoch

En la ceremonia participaron: el Rector Dr. Leonardo Lomelí; la Dra. Rosa Beltrán, Coordinadora de Difusión Cultural; Hugo Villa Smythe, Director General de Actividades Cinematográficas-Filmoteca UNAM; Abril Alzaga y Maximiliano Cruz, Directores del FICUNAM; Juan Ayala, Secretario Técnico de Planeación y Programación de Cultura UNAM; la Lic. Ángeles Castro, Directora de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas de la UNAM; Erwin Newmayer, Director de los Estudios Churubusco; Ricardo Carrillo González, representante de LCI Seguros; Héctor Ramírez, subdirector de Vinculación de TV UNAM; Mariana Castillo, CEO Ben & Frank; Max Vázquez, miembro del Consejo de FICUNAM; Sandra Gómez, representante de MUBI Latinoamérica; Marcela Barreiro, CEO de Freightliner; Carlos Cuarón, representante de la asociación Tinta; y los miembros del Jurado de las secciones en competencia de esta decimocuarta edición.

Para FICUNAM, otorgar estos premios es reconocer el esfuerzo de cada una de las personas que han colaborado con entusiasmo y esmero en la creación de una película que, más allá de lo visto y escuchado en la pantalla, le demuestra a su público que hacer cine es una forma de vida. Este no es un adiós, sino un “hasta pronto”; FICUNAM volverá para celebrar sus XV años con la misma misión y alegría de compartir el amor por el cine con el público. ¡Nos vemos pronto!

Durante el último día de actividades de FICUNAM 14 en la Sala Alfredo Joskowicz de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), se llevó a cabo el cierre del Taller Profanaciones, resistencias, sublevaciones, impartido por la cineasta argentina Azul Aizenberg. 

A lo largo del taller los asistentes debían crear una reinterpretación de la historia reutilizando el material de archivo de los Comunicados del Consejo Nacional de Huelga de 1968 del cineasta Paul Leduc; proporcionados por la Filmoteca UNAM y el Acervo Paul Leduc. 

La dinámica de esta última sesión consistió en que los participantes presentaron el resultado del ejercicio, intercalado con intervenciones de otros compañeros y la docente. Se compartieron varias propuestas e inquietudes sobre el material de archivo con el que trabajaron y cada uno de los proyectos reflejó el estilo de los creadores y las influencias inmersas en ellos.

Para finalizar con el taller, Isabel Toledo, Coordinadora Ejecutiva de la Cátedra Bergman, agradeció a la ponente su labor. A continuación, Azul Aizenberg dió unas palabras de cierre, agradeció de vuelta a la Cátedra, a FICUNAM y a los asistentes. Ambas expresaron su interés en mantenerse pendientes del futuro de los proyectos 

Pablo Rendón: ¿Cuál es la diferencia entre el sampling y el collage? El crítico británico Simon Reynolds dice que la diferencia está relacionada con la dimensión adicional de tiempo que habita la música; quizás pasa por alto que el sampleo es también una forma de resistencia adoptada por la comunidad afroamericana… 

Ephraim Asili: Bueno, para mí no sé si existe una diferencia entre collage y sampling. Creo que de la forma en que me gusta tratar los samples, prefiero hacerlo… Bueno, cuando pienso en el collage, pienso en los elementos que se están sampleando como si se disolvieran en una obra singular que es única. Para mí, me gusta pensar que el sampleo es algo que resalta la fuente de la muestra y trato de que no sea demasiado denso. Y entonces, dentro de un contexto afroamericano, creo que eso es importante porque es lo que permite que la cultura pase de una generación a la siguiente. Y así, con un sample, digamos en hip hop, muchas veces la muestra es muy reconocible. Y entonces, ya sabes, en la charla que di, utilicé un ejemplo de A Tribe Called Quest, que samplea a Art Blakey. Y para alguien como yo, no sé si habría descubierto la música de Art Blakey si no fuera por A Tribe Called Quest. Si se tratara de un collage, creo que ese sampleo sería tan oscuro que no podría ubicar la referencia. Sería simplemente algo que atribuiría al artista que hizo el collage.

PR: En las artes, la apropiación cultural suele ser un tema muy controvertido. Sin embargo, tomemos el ejemplo de la música: el sampleo del techno de Detroit o el proto-hip hop de Afrika Bambaata se deben en gran medida a grupos como Kraftwerk o incluso grupos como la Yellow Magic Orchestra. ¿Es el muestreo una forma de apropiación cultural? ¿Es la apropiación cultural necesariamente algo malo?

EA: Sí, es una gran pregunta. He pensado mucho en eso en relación con una película que estoy haciendo ahora sobre Don Cherry. No, creo que la apropiación cultural en conversaciones populares e intelectuales a menudo tiene una connotación negativa porque muchas veces es, ya sabes… De ahí salen cosas malas. Uh, pueden ocurrir muchos problemas de comunicación, dicho esto, quiero decir, este es el mundo en el que vivimos. Todo es apropiación cultural. Creo que es parte de la naturaleza humana intercambiar ideas culturales y eso es muy importante. Y creo que hay formas saludables de hacerlo y formas negativas de hacerlo. Y entonces, creo que también, ya sabes, cuando empezamos a hablar sobre estados nacionales y este tipo de cosas nos volvemos muy protectores, pero siempre pienso que todo es muy poroso y, por lo tanto, la música de Kraftwerk es muy influyente para Afrika Bambaataa, pero también el soul y la música pop afroamericana son muy importantes para el trabajo de Kraftwerk. Estos son intercambios culturales que son formas de creación de enfoques, pero no es lo mismo que alguien simplemente mire a alguien y extraiga eso para sí mismo de una manera egoísta y sin reconocer la fuente. Entonces, para mí, se trata de tener una comprensión de la cultura de la que se están apropiando y hacerlo, con suerte, en colaboración con alguien de ese contexto, en una especie de mundo proto hip hop y techno, estas son personas muy pobres en muchas maneras, entonces no tienen la capacidad de salir del Bronx e ir a Alemania o donde sea y tener un intercambio. Entonces, ya sabes, creo que todo es muy positivo. Creo que cuando se hace de la manera correcta, ya sabes, sentimos eso y lo experimentamos colectivamente. Y a menos que hagamos eso, no creo que la cultura pudiera sobrevivir.

PR: En tu trabajo conviertes referencias particulares en algo que forma parte de lo colectivo: una melodía, una imagen, una escena. ¿Es esa la esencia del sampleo?

EA: Absolutamente. Ya sabes, en el cine, siento que el término seguro que usa la gente es cita, ya sabes. Creo, en estos tiempos, el 80, el 90% del cine es una cita, ya sea que el productor lo sepa o no. Y entonces para mí, eso es lo mismo, prefiero usar el lenguaje popular moderno del sampling porque se relaciona con mi origen cultural y se comunica con las personas de mi origen cultural, en tanto que la cita es más un término literario que tal vez desanime a la gente. Mientras que, yo creo, que el sampleo atrae a la gente, sí.

PR: ¿Quiénes son tus sampleros favoritos? Y por sampleros me refiero a aquellos que han hecho del sampleo una forma de arte, como, digamos… J Dilla… O incluso Jean Luc Godard.

EA: Esos son probablemente dos de mis favoritos. Sí, definitivamente, diría que en términos de cine, Godard es el número uno. Vaya, hay tantos… Hay un cineasta canadiense, un cineasta experimental llamado Arthur Lipsett, que es uno de mis favoritos porque el sampleo de imágenes y el sampleo del sonido son igual de importantes en su trabajo. Para mí eso es lo máximo en términos de cultura audiovisual. En hiphop agregaría a Madlib a esa lista y definitivamente también a Q-Tip de A Tribe Called Quest, probablemente de mis favoritos. Y luego tal vez alguien más moderno que admiro mucho y que falleció hace unos años es Russ Gib. Um Sí, esos son algunos de mis mejores. Sí. Seguro.

PR: Pienso en el MPC3000 que definió en gran medida el sonido del sampleo. ¿Cuál crees que es el equivalente cinematográfico?.

EA: Vaya, esa es una pregunta difícil. Sí. Yo, no lo sé, no lo sé, no sé si hay un equivalente en el cine. Uh, para mí, hay una inmediatez en el MPC3000 que creo que es muy difícil de alcanzar. El cineasta que creo que tiene el tipo de fluidez de sampleo de J Dilla, uh, que todos amamos y admiramos… Tal vez, digamos, que es como Chris Marker con una película como A Grin Without a Cat (1962). que me gusta un poco más que San Soleil (1983). Pero creo que esas dos películas tienen ese tipo de fluidez y se mueven a través del tiempo y el espacio y fuentes dispares para crear algo singular que se siente totalmente como el trabajo de ese artista.

En el marco del Festival Internacional de Cine UNAM en su decimocuarta edición y como parte de nuestro Umbral Expandido, tuvimos la presentación de “Nanacatepec”, un performance de cine expandido que se llevó a cabo en el Cinematógrafo del Chopo, realizado por las mexicanas Elena Pardo y Azucena Losana, ambas artistas visuales e integrantes del Laboratorio Experimental de Cine (LEC), y sonorizado en vivo por Alejandro Tux. 

“Nanacatepec” nos presenta un performance en donde música e imagen se mezclan para dar vida a un ecosistema que se expresa en diferentes formas, texturas, colores y sonidos; y el cual se va creando mientras se presenta. Con el uso de cintas de 16 mm, tres proyectores diferentes que llegan a unirse para darle más profundidad a lo que vemos, cada uno con su propio ritmo. Y el uso de samplers, sintetizadores, casettes y recursos naturales tales como hojas secas aplastadas con las palmas de la mano, hacen de esta una experiencia que transgrede los límites del celuloide y nos invita a repensar otras formas de sentir y ver cine. 

El evento fue presentado por el Director Artístico del festival, Maximiliano Cruz, quien agradeció los tres años que, dentro de la programación del festival, lleva realizándose la sección Umbrales. De igual manera mencionó la importancia de la sección al ser un “punto de encuentro entre la comunidad y el cine experimental”. 

En el penúltimo día del Festival número 14 de FICUNAM, Isabel Toledo, Coordinadora de la Cátedra Bergman, comenzó el Foro de la Crítica Permanente, mencionando la larga historia de colaboración casi desde los inicios de FICUNAM.

Agradeció a la Acción Cultural Española, al Centro Cultural de España, y a la ENAC por la invitación a la Sala Manuel González Casanova y al público. Cediendo la palabra a los invitados: Alonso Aguilar, Salvador Amores, Nicolás Carrasco, Karina Solórzano, Ramiro Sonzini y Miriam Martín, críticos de cine que conformaron el Foro de la Crítica Permanente. Cánones, contrapuntos y fugas. De listas y anti-listas, perteneciente a la sección Ágora del festival.

Alonso Aguilar destacó que “en ambas listas, en la canónica y en la no canónica me interesan las listas individuales, eso me refleja el gusto particular, lo que para alguien es valioso en la historia del cine”. En mi búsqueda por ver cosas nuevas, me he guiado en ese tipo de listas, por lo que al despreciarse se comete un error, ya que son una herramienta”. Sin embargo, aquella idea se vió puesta a debate por Ramiro Sonzini al mencionar que “es una herramienta para poder generar rentabilidad”, después de haber compartido lo siguiente sobre las listas canónicas: “hay una película que tiene que ganar, que se imponga ante las otras implica poner en funcionamiento un dispositivo comercial, es una gran manera de vender cosas”. No obstante, todos concordaron que el gusto y la experiencia personal hace subjetivas las listas, por lo que no pueden definir cuál película es mejor por los factores existentes en cada una y en cómo trabajan sobre los receptores, entonces, las listas no sustituyen a las críticas.

Por otro lado, se conversó de lo que restringe a las listas, Miriam Martín respondió: “las décadas, categorías cerradas, operativas. Casi todas las listas se hacen con ese criterio, las mejores de los años 10s, 20s… Lo mismo con los  géneros”. A partir de ello, se inició una plática en donde se trató el hecho de que las listas llegan a ser institucionales porque genera un cierto nicho y excluye al público que no tiene el mismo bagaje cultural o percepción. Además de bloquear la visualización del cine mundial e impulsar sólo a algunas películas en eventos internacionales que caen en el mercantilismo. He aquí “la importancia de saber de dónde vienen las listas”, como dijo Karina Solórzano.

Dentro del marco del decimocuarto Festival Internacional de Cine UNAM y en colaboración con el Centro de Cultura Digital (CCD), Cátedra Bergman y el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), se llevó a cabo el performance “Rebobinar el Centro de Producción de Cortometrajes (CPC): Sofía Acosta” que tuvo lugar en la explanada del Centro de Cultura Digital, en el que Sofía Acosta, artista visual ecuatoriana, intervino trabajos realizados por cineastas tales como Laura Pesce, Enrique Escalona, Oscar Meléndez y Paul Leduc. 

Una obra de cine expandido en toda la expresión de la palabra en donde la música, además de acompañar las imágenes que a manera de collage se iban construyendo frente a las y los espectadores, evocaba los trabajos intervenidos. Una reinterpretación de las obras que no sólo las deconstruye, sino que también nos invita a reflexionar sobre las formas de ver y hacer cine, terminando con una poderosa y profunda imagen que nos invita a reflexionar sobre los acontecimientos que toman lugar en el mundo y los cuales no debemos de ignorar.  

El evento fue presentado por María Novaro, Directora del IMCINE, quien dio un breve recorrido por la historia del CPC, un espacio en donde tuvieron oportunidad de experimentar cineastas como Nicolás Echeverria y Paul Leduc. A su vez, Isabel Toledo, Coordinadora Ejecutiva de la Cátedra Bergman, mencionó que el cine expandido se trata de abrir canales a nuevas narrativas y expresiones artísticas, y agradeció la colaboración y el espacio brindado al director del CCD y artista visual y plástico, Daniel Escamilla, quien las acompañó durante la presentación del performance. 

“Nunca he pretendido hacer arte con mis películas, sino he pretendido ir al encuentro de algo que no conozco, ir al encuentro del prójimo”. 

Víctor Erice

En el marco de FICUNAM 14, el martes 19 de junio en el auditorio del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), se realizó el conversatorio El futuro de lo perdido como parte del homenaje al cineasta español Víctor Erice. 

Tras una ola de aplausos, la Directora Ejecutiva de FICUNAM, Abril Alzaga, comenzó el diálogo dando gracias al Centro Cultural de España y a la Embajada de España en México por hacer posible este encuentro. Maximiliano Cruz, Director Artístico del festival, compartió su gratitud con el invitado y subrayó que es la primera vez que el cineasta visita México y también la primera ocasión en que ofrece una charla pública en Latinoamérica. 

Dentro de las enriquecedoras intervenciones del director, compartió con los asistentes que él busca establecer un compromiso existencial con el arte cinematográfico por medio del oficio y su relación con el prójimo, para así lograr que la realización no sea lo único que importe, sino que a eso se sume su contemplación, su estudio y lo que se escribe sobre él.  De igual manera mencionó que el cine apareció en su vida como una revelación que se convirtió en una aventura de conocimiento. 

Un punto clave durante la charla fue el quehacer educativo, ya que el director considera que la transmisión del conocimiento cinematográfico de generaciones anteriores es necesario para la formación de futuros cineastas de la misma manera que es necesaria una educación pública en la que se involucren las artes como la literatura, el cine y la pintura. 

Por otra parte, recalcó la importancia de la preservación y conservación de los materiales cinematográficos pues esto representa el 90% de la historia del cine, sin embargo, cree vital su digitalización, para que así ese acervo pueda estar a disposición de los espectadores. 

Previo a la última ronda de aplausos, algunos asistentes tuvieron la oportunidad de agradecer al homenajeado su asistencia y plantearle algunas preguntas.

“Quiero volver a ser salvaje, no quiero ser domesticada”.

Ana Elena Tejera

“ El blanco no significa nada solo es la descripción de un tono de piel, y lo mismo es verdad cuando dices negro, no significa algo necesariamente”. 

Ephraim Asili 

“Cuando no nombramos algo tiende a desaparecer, la sola palabra hace que persista… nombrarlo hace que no se olvide, que perdure”.

Claudia Sainte Luce

En la Sala Carlos Monsiváis del Centro Cultural Universitario, el martes 18 de junio, en el marco de FICUNAM 14, se realizó el panel Punto de vista Afrovisiones. Cine y arte de la diáspora. 

Ana Elena Tejera, cineasta panameña, y Ephraim Asili, director de cine estadounidense, participaron del diálogo guiados por Claudia Sainte-Luce, guionista y directora mexicana, en conjunto con Michael Puertas, director mexicano. 

Por su parte, Ana Elena Tejera compartió que el origen de su trabajo en Panquiaco (2020) proviene de una experiencia de la infancia en el Canal de Panamá. En este metraje la cineasta habla del sentido de no pertenecer a nada desde el mestizaje. El guion para  Ana Elena se enfoca en escribir sensaciones que se concretan en el momento del rodaje pero que tienen la capacidad de ser permeables al cambio y que así, puedan tomar su propia forma cuando se mezclan con la realidad. 

Ephraim Asili explicó que para él la búsqueda de identidad es una ecuación irresoluble y que se dificulta aún más en un sistema que busca alejarnos de la misma. Para él, el proceso fotográfico consta de darle forma al proyecto en cada fotograma a través de la lente de la cámara. 

Los ponentes coincidieron en que el objetivo de su trabajo es persistir para traer a la vida una idea o sensación incontrolable que vive dentro de ellos y que pertenece al mundo visceral. 

Al final del panel, los invitados recibieron algunas preguntas de los asistentes en las que profundizaron en algunas particularidades. 

Un momento de exploración hacia todas aquellas narrativas que se frenan ante el desprendimiento de lo moderno fue lo que se vivió como parte del día 6 del FICUNAM en su decimocuarta edición. La conversación, en colaboración con Síntesis de Cultura UNAM, el Pabellón Nacional de la Biodiversidad, la Cátedra Nelson Mandela de Derechos Humanos en las Artes UNAM, la Cátedra UNESCO Diplomacia y Patrimonio de la Ciencia, el Museo Universitario de Arte Moderno, la Secretaria de Cultura de la Ciudad de México y Casa Centroamericana, se llevó a cabo el 18 de marzo a las 12:30 hrs dentro de las instalaciones del Centro Cultural Universitario, en la Sala Carlos Monsiváis.

En la mesa estuvieron presentes Andrea Ixchíu, Juanita Onzaga y Julio César Saavedra, artistas latinoamericanos que con sus proyectos y visiones ponen en práctica el desafío del arte convencional. Bruno Velázquez fue el encargado de moderar la conversación, quien inició haciendo una reformulación del horizonte hacia quiénes eran y la forma en que su paso por esta labor artística los ha traído hasta el punto instante, en donde invitó a todes los presentes a abrir un poco el título de la conversación: “Creo que podríamos hablar de otros haberes y cosmovisiones convergentes en disputa”.

Una de las cuestiones que se refutaron fue el poder de la memoria, en donde la cineasta colombiana Juanita Onzaga expuso que “la intimidad de la obra es mi manera de permitir que de lo que estoy hablando no sea solo una información o un número”. Con lo anterior hace referencia a las muertes, desapariciones o masacres que se llevan a cabo en su Colombia, en México y en todas partes del mundo.

Continuando con el hilo de la memoria, ¿qué preguntas nos generan la muerte y la vida? A lo que el cineasta oaxaqueño, Julio César Saavedra, respondió que “podemos romper con esta disociación de las palabras para hablar de esas historias que trascienden en vidas, el respeto que como ser humano debe tenerse hacia la vida”.

Onzaga explicó que su labor política es hablar desde lo más intimo sobre sus relaciones con la muerte, con su familia y con su amor. 

Andrea Ixchiu, como defensora de los Derechos Humanos, hizo notar la importancia de los orígenes y cómo la presencia de nuestros ancestros es parte de la continuidad de la lucha que emerge hoy en día. De tal manera en que esto sigue dejando cicatrices en el labor audiovisual y en las obras artísticas en general. 

En resumen, la charla se produjo en respuesta a la poca representación que existe de un espacio humano que ha sido generalizado y su forma de ser punto clave para partir a crear otro espacio en donde las narrativas convencionales se vean expuestas y sean exhibidas de tal forma que todes aquellos artistas que sientan la necesidad de persuadir y explorar sus alcances visuales lo hagan de la forma más moderna que podría acercarse.

La sesión finalizó con una dinámica de preguntas y respuestas entre los ponentes y los asistentes, en donde se dialogó sobre la responsabilidad del actuar cuando no somos parte de una comunidad y queremos acercarnos a ella, y en consecuencia, cómo esto nos pone bajo un paradigma circunstancial del quehacer y del deber.