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Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett)

País Reino Unido - Canadá
Año 2017
Duración 45’
Formato de filmación 16 mm, 35mm
color color
Dirección Luke Fowler
Guión
Fotografía
Edición
Dirección de arte
Sonido Ernst Karel
Música Martin Bartlett
Reparto Scott Watson (narrador)
Producción Sonic Arts Festival, Stedelijk Museum, Western Front
Distribución Lux

SINOPSIS
A portrait of Martin Bartlett, the Canadian electronic music pioneer who studied with Pauline Oliveros and John Cage. His contribution as an interdisciplinary composer, educator, and founding member of Western Front, though undoubtedly extensive, is in danger of being erased from cultural memory since his death from AIDS in 1993.

Un retrato de Martin Bartlett, el pionero canadiense de la música electrónica que estudió con Pauline y John Cage. Su contribución como compositor interdisciplinario, educador y miembro fundador del Frente Occidental, aunque indudablemente extenso, está en peligro de ser borrado de la memoria cultural desde su muerte a causa del SIDA en 1993.

La filmografía de Luke Fowler varía en los temas, pero se consolida en la exploración de los márgenes de nuestra historia cultural y de sus protagonistas. The Poor Stockinger, The Luddite Copper, and the Delude Followers of Joanna Southcott (El pobre calcetero artesanal, el cosechador ludita y los engañados seguidores de Joanna Southcott; FICUNAM 2014) se enfocaba en el retrato del historiador británico E. P. Thompson y en su inconformidad frente al sistema educativo que enmarcaba a la sociedad de mediados del siglo XX en una condición inaceptable por su pensamiento crítico de inspiración marxista. Electro-Pythagoras (a Portrait of Martin Bartlett) es, como dice el título, un retrato. En este caso, el de una figura injustamente desconocida de la escena electroacústica y experimental (uno de los temas más cercanos a Fowler): Martin Bartlett, quien en los años setenta y ochenta llegó a crear manualmente instrumentos electrónicos y computacionales para la composición, en la que se implicaba profundamente. Fowler rinde homenaje al artista al celebrar su sensibilidad humana y creativa a través de un collage de entrañables y sugestivas imágenes.

El recurso poético es similar: una combinación de fuentes en un ritmo sincopado entre imagen y sonido que crea una constelación de referencias a través de la sobreimposición y de la conexión fuera de sync. Aquí la técnica es particularmente eficaz: el intento de hablar del músico canadiense no tiene la pretensión de explicar ninguna teoría, posicionamiento teórico o definición artística o personal. Diría más bien que deja al espectador la libertad de moverse alrededor de los tonos: un acercamiento un tanto experimental, como lo fue la composición de Bartlett. Pero Fowler marca una pista en su texto: su película es como un casete en el que puedes grabar varias capas de información; de la misma manera funcionan las composiciones en varios canales de Bartlett.

Inspirado por la incursión en otras culturas musicales y por sus experiencias vivenciales, Bartlett confiesa en sus textos volcarse hacia una búsqueda de lo que rodea lo ordinario, siendo el arte el único espacio de rescate del sentido.

Eva Sangiorgi

SALAS Y HORARIOS
Sábado 03 de marzo
Sala José Revueltas- CCU
16:15 Hrs


EN LA MISMA SECCIÓN

LUKE FOWLER
Electro-Pythagoras (a portrait of Martin Bartlett) (Electro-Pythagoras (el retrato de Martin Bartlett) (2017), For Christian (2016), Depositions (2014), To the Editor of Amateur Photographer (2014), The Poor Stockinger, the Luddite Crooper and the Deluted Followers of Joanna Southcott (2012), All Divited Selves (2011).

FESTIVALES Y PREMIOS
2017 Sonic Acts Festival; Images Festival; Sheffield Doc/Fes; Festival de Cine de Cambridge; Festival de Cine de Nueva York; DocLisboa. Festival Internacional de Cine.

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Años luz

Título
Años luz
Light Years

País Argentina - Brasil - España - México - Portugal - Holanda - Estados Unidos
Año 2017
Duración 75’
Formato de filmación Digital 2K
color color
Dirección Manuel Abramovich
Guión Manuel Abramovich
Fotografía Manuel Abramovich
Edición Iara Rodríguez Vilardebó
Dirección de arte
Sonido Sofía Straface
Música
Reparto Lucrecia Martel
Producción Rei Cine
Distribución Rei Cine

SINOPSIS
Un retrato documental de Lucrecia Martel durante el rodaje de Zama, su aclamada adaptación de la novela de Antonio Di Benedetto.

A documentary portrait of Lucrecia Martel during the filming of Zama, her acclaimed adaptation of Antonio Di Benedetto's novel.

Tardaríamos mucho en encontrar otra cinta además de Zama, que haya motivado tanta inquietud para la elaboración de otras obras paralelas a su creación. La más reciente de Lucrecia Martel, además de ser punto de partida para la escritura de El mono en el remolino de Selva Almada —unas notas sobre el rodaje—, ha ocasionado que Manuel Abramovich filme una película que retrata a Lucrecia mientras rodaba su adaptación de la novela de Antonio Di Benedetto.

El ejercicio, que se titula Años luz, surge a raíz del primer intercambio de correos que tuvieron Lucrecia y Manuel. "Te pido disculpas si todo esto te parece absurdo", le dice Abramovich en el primer intento para convencer a Martel sobre la idea de filmar en el rodaje de Zama; "Yo estoy a años luz de poder ser la protagonista de una película", le responde ella en tono humilde. En evidencia, la idea se concreta y a pesar que inicialmente el acuerdo era que Manuel pudiera estar en el rodaje una semana, termina por permanecer más tiempo y retratar un perfil de Lucrecia que pocos conocen.

Reflexiva, pausada a la hora de tomar decisiones, conversadora con sus protagonistas y siempre concentrada en el rodaje, a Martel se le observa serena, se le escucha elocuente y precisa en sus instrucciones; natural resulta que Daniel Giménez Cacho tenga una clase de papel secundario en Años luz —es el protagonista de Zama y el principal interlocutor de Martel—. Cuando están juntos, a ambos parece no interesarles la presencia de la cámara de Abramovich e incluso por momentos es verdad que se hayan olvidado de ella, no lo sabemos.

La cinta termina siendo una suerte de documental con toques de ficción. Primero, porque Martel, aunque nunca voltea a la cámara, sabe de la presencia y de las intenciones de Abramovich; luego, porque hay momentos en que se filma la misma escena de Zama pero desde otra perspectiva. Secuencias alejadas, sobre todo en cuanto al poderoso diseño sonoro que resultó tener la película de Lucrecia, pero que permiten ver el perfil de director de ficción que tiene también Manuel'.

A final, Años luz se parece más a un retrato de cómo filma, habla y se comporta Lucrecia Martel cuando rueda sus proyectos, que a un simple making of de Zama. En tal caso, la película toma otro nivel de universalidad y no se queda en un simple retrato de construcción.

Luis M. Rivera

SALAS Y HORARIOS
Jueves 01 de marzo
Sala Julio Bracho- CCU
17:45 Hrs

Sábado 03 de marzo
Cinemanía Loreto
19:00 Hrs    


EN LA MISMA SECCIÓN

MANUEL ABRAMOVICH
Años luz (2017), Soldado (2017), Solar (2016).

FESTIVALES Y PREMIOS
2017 Festival Internacional de Cine de Venecia; Festival Internacional de Cine de Mar del Plata; Transcinema Festival Internacional de Cine Lima. 

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Abschied von den Eltern

Título
Abschied von den Eltern
Farewell
Adiós

País Austria
Año 2017
Duración 78’
Formato de filmación Super 8, HD
color color y byn
Dirección Astrid Johanna Ofner
Guión Astrid Johanna Ofner, Hans Hurch. Basado en Abschied von den Eltern (Leavetaking), una historia de Peter Weiss
Fotografía Astrid Johanna Ofner, Peter Roehsler
Edición Astrid Johanna Ofner, Hans Church
Dirección de arte
Sonido
Música
Reparto Sven Dolinski, Lawrence Tooley, Anna Conradi, Nora Conradi, Coline Cisar, Selma Bindewald, Johanna Schmidt
Producción trotzdemfilm, Little Magnet Films, Nanookfilm

SINÓPSIS
Siguiendo el relato autobiográfico de Peter Weiss sobre su infancia y adolescencia, así como la odisea de su familia –la mitad de ella judía– en la Europa de los años treinta y cuarenta, la película explora la lucha de un joven por lograr su independencia personal y las dificultades de asumir la vida de un artista que pinta y escribe.

Following Peter Weiss’ autobiographical account of his childhood and adolescence and his half-Jewish family’s odyssey across Europe in the 1930s and 1940s, the film explores a young man’s fight for personal independence and his struggle for an artist’s life as a painter and writer.

Haber leído o no la novela que da entidad concreta a este film, conocer o desconocer a Peter Weiss, su autor, son datos referenciales secundarios frente al corazón del film: la composición del yo. Nadie es nada en un principio, porque nacer consiste en ser de inmediato una extensión de dos, un padre y una madre, como también arribar sin elección a una lengua y percibir un territorio que será el primer mundo para los sentidos, piezas simbólicas que inscriben los contornos primitivos de la identidad, ese término que delimita y diferencia.

A lo largo de esta idiosincrásica forma de apropiación de un texto (auto)biográfico en el que palpita todo el siglo XX, el protagonista revisa primero la relación con la infancia. La procedencia y existencia de los padres, el hogar, el jardín, el ático, los hermanos, los compañeros de estudios constituyen recuerdos espectrales —escenificados mediante un misterioso ensamble de fotografías y materiales de archivo— con los que el narrador en tono confesional va estableciendo una distancia. Ser alguien es advertir las huellas de los otros y los efectos del mundo circundante, y ser a la vez capaz de redescribir todo aquello que condicionó ser en un inicio una mera adaptación de lo que estaba antes de uno para devenir en otro.

El hombre que llegó a ser escritor y pintor, el que viajó a distintas ciudades y que poco a poco supo amar e intuir que el nacimiento de la intimidad no excluye el cuerpo de un extraño o la confianza de alguien, siempre en tensión dialéctica con otros acontecimientos de otra envergadura y naturaleza —las dos guerras mundiales—, es la materia de este inclasificable ensayo poético que ostenta una seguridad notable en la relación sensible y de relevos que propone entre imágenes y sonidos, como se puede constatar placenteramente en una panorámica de una ciudad que surge a lo lejos, precedida por un inmenso bosque, mientras el protagonista afirma que la cultura de la soledad es un malentendido.

Roger Koza

SALAS Y HORARIOS
Viernes 02 de marzo
Sala Carlos Monsivais  - CCU
18:00 Hrs


EN LA MISMA SECCIÓN

ASTRID JOHANNA OFNER
Abschied von den Eltern (Farewell) (2017).

FESTIVALES Y PREMIOS
2017 Viennale. Festival Internacional de Cine de Viena; Festival Internacional de Cine de Vancouver; Festival Internacional de Cine de Locarno, Boccalino Independent Critic’s Award por mejor guión; OUFF. Festival de Cine Internacional de Ourense; Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

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Silica

País Australia – Reino Unido
Año 2017
Duración 23’
Formato de filmación 35 mm
color color
Dirección Pia Borg
Guión Pia Borg
Fotografía Helder K Sun, John Angus Stewart
Edición Pia Borg
Dirección de arte
Sonido Philippe Ciompi
Música Henning Christiansen, Aine O’Dywer, Pancrace
Reparto Nicolette Krebitz
Producción Gina Film
Distribución Gina Film

SINOPSIS
Un locacionista inadvertidamente explora un pueblo de mineros de ópalo en el sur de Australia, en este filme ensayo con tintes de ciencia ficción, que encuentra, en esta región semi-desértica, rastros de cultura indígena y restos de la historia del cine.

An unseen location scout explores an opal-mining town in South Australia in this sci-fi-laced essay film, which finds in this semi-deserted region both the traces of indigenous culture and remnants of cinema history.

Jugando con límites entre lo existente y lo imaginario, lo real y la réplica, Silica es un provocativo ensayo fílmico donde la imagen experimenta diferentes consistencias: el registro digital, tomas en 35 mm e imágenes generadas por computadoras.

En la exploración de locaciones de famosas películas de ciencia ficción en el desierto del sur de Australia, nos encontramos con un paisaje asombroso que lleva rastros de su pasado, el que incluye el paso de los aborígenes y de producciones cinematográficas. Rocas, montañas y extensiones inhabitadas hablan de un tiempo milenario y solitario en el que el hombre es un visitante desorientado frente a tal inmensidad. De la exploradora sólo conocemos la cautivante voz que controla con sutileza el humor de sus descubrimientos mientras nos acompaña en el camino.

En medio del desierto hay una ciudad minera, por un tiempo dedicada a la extracción del ópalo. Los trabajadores la abandonaron una vez que fue posible la reproducción de la piedra en laboratorio. Pia Borg propone un ensayo que juega con la ilusión de la réplica, y el que incursiona en cuestionamientos sobre la identidad y la pertenencia, valores que atraviesan el tiempo y se transforman con éste. El territorio es real y simulado, pero en ambos casos igualmente verídico: es el mundo apocalíptico del cine de ciencia ficción del que muchas veces ha sido escenario, o es la tierra devastada por la mano del hombre.

Ilusión, reproducción, ficción, en cuyas sustancia radica un cuestionamiento sobre pertenencia e identidad que conecta el hombre a la tierra.

Eva Sangiorgi

SALAS Y HORARIOS
Sábado 03 de marzo
Sala José Revueltas- CCU
16:15 Hrs


EN LA MISMA SECCIÓN

PIA BORG
Silica (2017).

FESTIVALES Y PREMIOS
2014 BFI. Festival de Cine de Londres; Festival Internacional de Cine de Locarno; Festival de Cine de Nueva York; FICValdivia. Festival Internacional de Cine de Valdivia; Curtocircuito. Festival Internacional de Cine Santiago de Compostela; Zinebi. Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao; IDFA. International Documentary Filmfestival Amsterdam; AFI Fest, Special Jury Mention.

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Plus Ultra

País España
Año 2017
Duración 13’
Formato de filmación 16 mm
color color
Dirección Helena Girón y Samuel M. Delgado
Guión Helena Girón, Samuel M. Delgado
Fotografía Helena Girón y Samuel M. Delgado
Edición Helena Girón y Samuel M. Delgado
Dirección de arte Camino H. Allende
Sonido Juan Carlos Blancas
Música Juan Carlos Blancas
Reparto David Pantaleón, Rubén Rodríguez, María Isabel Díaz, Elena Navarro, Mercedes Pintado
Producción Filmika Galaika
Distribución

SINOPSIS
“Plus Ultra” es el lema del estado español. Con él se alentaba a los navegantes a conquistar nuevas tierras olvidando la mitología griega: “Non Terrae Plus Ultra” (No existe tierra más allá). Canarias –banco de pruebas de las tácticas utilizadas en la colonización de América– se convierte en el escenario de una fábula sobre el territorio.

“Plus Ultra” is the motto of the Spanish state. This slogan was used to encourage navigators to conquer new territories and to forget the greek warning: “Non Terrae Plus Ultra” (there is no land beyond). The Canary Islands, testing ground for the tactics used during the colonization of the Americas, becomes the setting for a tale about this land.

Muchas veces suelen ser los cortometrajes pieza de soporte para el film de larga duración que tiempo después vendrá en la obra de un cineasta. Lo que no es tan común es que se muestre esto de manera tan clara y sobre todo se exhiba a sabiendas de que en algunos años existirá un trabajo extendido. Esto último es Plus Ultra de Helena Girón y Samuel M. Delgado, una película que más que corto, podría denominarse como prólogo de un largometraje que de momento lleva por nombre Eles transportan a morte (Ellos transportan la muerte).

Rodado en Macizo de Anaga, una zona montañosa de la isla de Tenerife, misma que alberga a la capital de las Canarias, la cinta cimenta una fábula sobre el territorio, el pasado y el afán de dominación, uno que abanderó por mucho tiempo al Estado español. El título se extrae del lema Non terrae plus ultra, que usaban los líderes de la Conquista para alentar a los navegantes a alcanzar nuevas tierras. En modo de ficción mítica e histórica, Girón y Delgado cuestionan temas políticos a través de simbolismos que el espectador sabrá deducir. Progreso, identidad, colectividad e imperialismo son puntos sobre los que gira este ejercicio que muestra en pantalla un territorio enraizado que impone una sensación difusa del espacio y el tiempo.

Plus ultra son dos palabras que a la fecha se mantienen en el escudo de la bandera española y que de alguna manera condena el film. El hecho tiene una relación directa con América y el lugar de filmación de la película remite a ello: la última tierra que tocaron los conquistadores de Cristóbal Colón antes de descubrir América enfundados en el mencionado lema fueron las Canarias.

Los fragmentos en los que Helena y Samuel utilizan película 16 mm y Super 16 mm, parecieran la transición entre su trabajo anterior, Montañas ardientes que vomitan fuego y este nuevo, en el que las imágenes de unas momias aborígenes son el elemento que más evidencia la barbarie de los conquistadores de la época.

Luis M. Rivera

SALAS Y HORARIOS
Viernes 02 de marzo
La casa del Cine
18:00 Hrs

Domingo 04 de marzo
Sala Carlos Monsivaís- CCU
19:45 Hrs

Lunes 05 de marzo
Cinemanía Loreto
17:00 Hrs

Martes 06 de marzo
CUEC
15:00 Hrs 

Sábado 3 de marzo
Centro Cultural España
18:30 Hrs 


EN LA MISMA SECCIÓN

HELENA GIRÓN & SAMUEL M. DELGADO
Samuel M. Delgado
Plus Ultra (2017), Sin Dios ni Santa María (2015), Malpaís (2013).
Helena Girón
Plus Ultra (2017), Sin Dios ni Santa María (2015),

FESTIVALES Y PREMIOS
2017 Festival Internacional de Cine de Locarno; Festival Internacional de Cine de San Sebastián; FICValdivia. Festival Internacional de Cine de Valdivia; Curtocircuíto. Festival Internacional de Cine de Santiago de Compostela; Festival Internacional de Cine de Chicago; Âge d’Or Festival; Festival Internacional de Cine documental y cortometraje ZINEBI; Antofadocs. Festival Internacional de Cine de Antofagasta; L’Alternativa, Festival de Cinema Independent de Barcelona; Festival Internacional de Cine de Mar del Plata; The Unforeseen – Festival Internacional de Cine Experimental; Festival Internacional de Cortos de Verín; Tenerife Shorts. Festival Internacional de Cortometrajes.

 

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